Con Kill’ Em All, fue la revolución y la rebeldía, en Ride The Lightning perfeccionaron una nueva manera de entender el metal, llegó Master Of Puppets y se convirtió en una obra maestra. …And Justice For All, ratificó su exitosa fórmula y con el Black Album alcanzaron un masivo triunfo y el reconocimiento mundial como la banda de metal más importante de la historia.

Hasta entonces, la música de Metallica, a pesar de los evidentes cambios estilísticos que mostraban en su quinto álbum de título homónimo, no había sido cuestionada en exceso. En 1991, por fin habían conseguido alcanzar el número 1 en las listas del Billboard. No se podía llegar más alto y, efectivamente, no lo hicieron porque había llegado la hora del cambio, de buscar otras alternativas y “nuevas rutas de expresión”, según declaraciones del propio Lars Ulrich.

Después de haber dejado pasar cinco años sin entregar un disco de estudio, el tiempo más extenso desde su debut discográfico, sorprendieron al mundo con la edición de Load, el primero de los tres “álbumes malditos” que salpicaron su intachable carrera y al que siguieron Re-Load y St. Anger, convirtiéndose en su período más polémico, del cual trata esta serie de artículos.

RELOAD

Después de haber dedicado la primera de esta serie a Load. Le toca el turno a ReLoad, lanzado al mercado en 1997, a poco más de un año del anterior, marcando un evidente continuismo, es decir, más de lo mismo ya que, como es sabido, la intención del grupo era publicar Load y ReLoad como un álbum doble.

El mimetismo llegó a tal punto que para la portada se volvió a utilizar una obra del mismo artista, Andrés Serrano, en este caso formada a base de orina y sangre titulada adecuadamente… “Piss And Blood”, resultando igual de insustancial que la anterior. El álbum, también alcanzó el número uno del Billboard vendiendo 4 millones de copias. Indudablemente, eran otros tiempos.

También fue el último álbum en el que participó Jason Newsted, quien desde su entrada en la banda estuvo marginado en el aspecto compositivo contribuyendo en escasas ocasiones, su firma apenas aparece en “Blackened” (…And Justice For All), “Mi Friend Of Misery” (Black Album) y “Where The Wild Things Are” (ReLoad). Un pobre balance para las inquietudes del bueno de Jason.

Las premisas con las que fue concebido el contenido del ReLoad se mantienen con respecto a Load, ritmos lentos alejados del thrash visceral de otras épocas. El problema es que era una segunda dosis de la misma medicina que no había sentado nada bien a sus seguidores.

No es un trabajo malo pero la insistencia en repetir esquemas llega a resultar agobiante, así como en la excesiva duración. Quizá, si hubieran escogido lo mejor de ambos discos habrían facturado uno solo mucho más aprovechable a pesar del cambio de orientación musical.

EL CONTENIDO

No se puede discutir que ReLoad cuenta con sus momentos interesantes. El inicio con “Fuel” es espectacular. Aunque resulte paradójico, es una composición que con el tiempo ha pasado a formar parte de los temas más representativos por su resolutivo carisma y su pegadiza dinámica. Incluye un excelente solo de Kirk Hammet quien, se luce en otras piezas con sus intervenciones solistas, posiblemente, esa sea una de las virtudes de ReLoad, que pasa desapercibida por el negativismo con el que fue recibida esta etapa de Metallica.

“The Memory Remains”, mantiene un buen nivel, partiendo de la base contextual de ofrecer canciones densas, lentas y dotadas de cierta oscuridad. La colaboración de Marianne Faithfull, cantante y actriz británica, musa de The Rolling Stones y compañera de Mick Jagger durante años, le da un toque nostálgico.

“Devil’s Dance”, tampoco está mal; contiene un riff de aire misterioso y sigue envolviendo al disco en una aureola oscura. En cambio, la segunda parte de “The Unforgiven”, secuela de la compuesta en el Black Album es totalmente prescindible, sumergiendo al disco en un adverso sopor.

En “Better Than You”, dentro de la misma tónica general, Kirk Hammet nos ofrece otra eficaz muestra de sus habilidades solistas con influencias de grupos setenteros como los canadienses Triumph o los galeses Man, las mismas que podremos encontrar en el siguiente corte “Slither”, igualmente aprovechable con su persistente riff y sus decisivos fraseos solistas.

Continuando con el recorrido, “Carpe Diem Baby”, es otro de los temas menos inspirados y prescindible. Por suerte para los menos radicales y para quienes se amoldaron sin traumas a la nueva situación “Bad Seed”, es otro buen aporte, con marcada batería, riff pegadizo y solo interesante.

Con “Where The Wild Things Are”, retoman la senda de lo predecible con repetición de parámetros y duración excesiva. Lo mismo sucede con “Prince Charming”, a pesar de contener cierta filigrana guitarrera por parte de Kirk y un riff con la infaltable huella de James, así como su capacidad para construir letras con frases atractivas de fácil asimilación.

“Low Man’s Lyric”, también muy extenso y lento, no aporta demasiado y colocarlo en el tramo final del álbum resulta poco eficaz. Más dinámica es “Attitude”, con Lars marcando de forma precisa los tiempos mientras Kirk vuelve a exhibir sus estimables recursos, apoyado por un riff “marca de fábrica”.

La despedida es con “Fixxxer”, composición de más de 8 minutos de duración y en la que insisten en texturas ya expuestas reiteradamente sin que aporte algo llamativo

En conclusión, si nos ceñimos al contenido del álbum, obviando la trayectoria de Metallica hasta …And Justice For All, podríamos calificarlo de interesante y con cosas muy aprovechables, aunque menos efectivo que Load porque, si éste había resultado ciertamente polémico, ReLoad aumentaba la controversia al persistir en unas estructuras similares. Algo que estaba fuera del control de la banda ya que eran composiciones creadas en el mismo periodo y había que darles salida al mercado.

FICHA TECNICA

TITULO: ReLoad
AÑO: 1997
DISCOGRAFICA: Elektra Records
GRABACION: The Plant Studios (Sausalito) California
PRODUCCION: Bob Rock, junto a Hetfield y Ulrich
DURACION: 75,56 minutos
LISTA DE TEMAS: “Fuel”, “The Memory Remains”, “Devil’s Dance”, “The Unforgiven II”, “Better Than You”, “Slither”, “Carpe Diem Baby”, “Bad Seed”, “Where The Wild Things Are”, “Prince Charming”, “Low Man’s Lyric”, “Attitude”, “Fixxer”.
SINGLES: “The Memory Remains”, “The Unforgiven II”, “Fuel”.

 

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POR LOCKY PEREZ

 

 

En la reciente boda real entre el principe Guillermo de Inglaterra y Kate Middleton hubo un pariente cercano de la novia que no fue tomado en cuenta aunque él esperó recibir la correspondiente invitación hasta el último día. Su nombre: Conrad Lant, más conocido en el mundo de la música metal como Cronos, sí, efectivamente, el vocalista y bajista de la banda de thrash/black metal Venom, que es nada menos que hermano de la madre de Kate, o sea, su tío.

Obviamente, la carrera de Cronos no encaja para nada en el mundo actual de Kate aunque en otros tiempo las cosas fueron distintas como él mismo relató en una entrevista en exclusiva con The Tyranny Of Tradition… “Estábamos en la gira del álbum Welcome To Hell cuando recibí la llamada avisándome de que Katy estaba a punto de nacer. Cancelamos las actuaciones pendientes y fuimos al hospital. Nunca olvidaré cuando me abrazó por primera vez. Abadón y yo rompimos a llorar”. Así que… el fundador de una de las bandas precursoras en componer canciones con temática satánica, también tiene su lado romántico.

La relación entre la futura princesa siempre fue muy estrecha. Cuando Venom entraron al estudio para grabar su tercer disco At War With Satan, estuvo en el estudio y Mantas tuvo la idea de grabar su voz en el fondo de la canción “Aaaaaarrrrghhh”, pero nunca cosiguieron que sonase bien.

A medida a iba creciendo Kate se fue involucrando más en la música, comenzó a tocar la batería a los siete años y llegó a estar junto a la banda en un par de ocasiones. Además, con motivo de la reunión del grupo en 1995, en un concierto en la ciudad de Coventry tocó con ellos “Buried Alive”.

Cronos, siempre estuvo en contacto con su sobrina hasta que, al anunciarse la boda real Kate rompió todo contacto. La prensa británica apenas ha mencionado al tío “satánico” de Kate; Cronos cree que la familia real ha tratado por todos los medios de evitar que la relación de la princesa con Venom saliese a la luz… “Solía haber un video de ella jugando con nosotros en Youtube, pero fue borrado misteriosamente, siento que se avergüenzan de mi carrera como uno de los fundadores del thrash metal con influencias satánicas. No estoy tratando de ser famoso y sacar dinero con esto, solo quiero a mi pequeña Katy de vuelta”. Lo tiene claro Cronos, si pretende recuperar la relación con su sobrina, ni por mil aquelarres que organice.

La lección que podemos aprender de esta noticia es que no siempre las cosas son lo que parecen, el duro personaje de Cronos y su imagen satánica nada tienen que ver con la realidad de Conrad Lant, el “buenazo” tío de la ahora princesa de Inglaterra.

Continuamos con una entrega más, la sexta y última, del informe sobre los hermanos en la música heavy. En las anteriores se ha hablado de, Angus/Malcolm Young (AC/DC), Eddie/Alex Van Halen (Van Halen), Max/Igor Cavalera (Sepultura), Vinnie Paul/Dimebag Darrell (Pantera) y Carlos/Armando De Castro (Barón Rojo), así como de Randy/Robbie/Tim Bachman (Bachman Turner Overdrive), Vinnie/Carmine Appice y Joe/Albert Bouchard (Blue Oyster Cult), los Panozzo de Styx, los Porcaro de Toto, los Crichton de Saga, los Oliva de Savatage y los Gallagher (Raven); además de Rudolf, Michael y Barbara Schenker, Jens y Anders Johansson y, Glen y Shaw Drover, entre algún otro.

ERIC Y BRIAN HOFFMAN

Seguramente, el apellido Hoffman, de los hermanos Eric y Brian no diga nada por sí solo, pero si lo asociamos a Deicide la cosa cambia bastante. Ambos, guitarristas, son los responsables de haber dotado al polémico grupo de death metal liderado por el no menos controvertido Glen Benton, ese sonido entre aterrador y blasfemo de musculosos riffs. Se unieron a Glen desde el principio, forjando la trayectoria de la banda con álbumes tan decisivos como Deicide (90), Legion (92), Once Upon The Cross (95), Serpents Of The Light (97), Insineratehymn (2000), In Torment In Hell (2001) y Scars Of The Crucifix (2004).

Diferencias relativas a temas comerciales como la publicidad y los derechos de autor, crearon cierta animosidad entre los hermanos Hoffman y Benton que finalmente resultaron irreconciliables, dejando Eric y Brian la formación disgustados con su compañero de banda.

Tras un tiempo de reflexión Eric y Brian vuelven en 2011 para dar caña resucitando el nombre de Amon, grupo que tenían antes de vincularse a Deicide y cuyo nuevo álbum se titula Liar In Wait.

STEVE Y CHRIS OVERLAND (FM)

En el universo del rock melódico encontramos a los hermanos Overland, Steve y Chris. Famosos por ser parte de FM, grupo que consiguió un importante éxito dentro de los perfiles más comerciales del rock con trabajos como Indiscreet (86), Tough It Out (89) y Takin’ It To The Streets (91 ). Antes, en 1980 Steve (vocalista y guitarrista) había fundado Wildlife, junto a su hermano Chris (guitarra solista), publicando dos discos, Burning y un segundo de título homónimo. Hay que dejar constancia de la presencia en la batería de Simon Kirke (Bad Company).

Los hermanos Overland siguieron junto cuando en 1984 crearon FM junto al bajista Merv Goldsworthy y al batería Pete Jupp, ambos provenientes de Samson. Como ha quedado dicho, con FM alcanzaron el éxito aunque Chris no lo disfrutó lo suficiente ya que dejó el grupo tras la publicación de su segundo álbum.

Steve, ha seguido en activo en varios frentes. Además de FM, que tuvo una larga temporada de inactividad desde 1995 hasta 2007, también estuvo involucrado junto a The Ladder y Shadowman, formaciones con las que grabó algunos discos. Asimismo, ha mantenido una trayectoria en solitario.

Más difícil es seguir la pista de Chris quien, agotado del ritmo de trabajo que la banda tuvo que soportar en su momento de mayor esplendor, abandonó después de su última actuación en el Town & Country Club con las entradas agotadas, al finalizar la gira de presentación de Tought It Out de más de 40 conciertos por el Reino Unido.

El camino de los hermanos Overland se separó pero su legado dejó muestra de su habilidad para conseguir melodías pegadizas, lo atestiguan composiciones que salieron de su creatividad como, “Bad Luck” y “Burning My heart Down” (las dos en colaboración con Desmond Child), además de otras junto a sus colegas de banda como “Frozen Heart” y algunas que se mantuvieron inéditas durante mucho tiempo a pesar de su calidad.

NUEVA GENERACIONES

Como recta final a esta serie mencionaremos algunos hermanos cuya carrera todavía tiene ante sí un largo recorrido por su juventud y la todavía corta trayectoria de su banda.

Podemos comenzar mencionando a los hermanos O`Keeffe, Joel y Ryan, de la formación australiana Airbourne que, siguiendo los pasos de su sus archi famosos compatriotas AC/DC, han conseguido llamar la atención internacional con un sonido donde las influencias de los hermanos Young son evidentes en una reducida carrera iniciada en 2003 y que cuenta con el EP Ready To Rock (2004) y los álbumes Runnin’ Wild (2007) y No Guts, No Glory (2010), suficientes como para haber propiciado una auténtica masa de seguidores.

Como suele ser habitual en estos casos, ambos músicos se iniciaron pronto en temas musicales, de hecho empezaron a tocar sus respectivos instrumentos a los 11 años, Joel la guitarra y Ryan la batería.

Más “duros” resultan los hermanos Drake, Old y Matt, los dos guitarristas y fundadores de Evile, una de las bandas británicas de thrash metal de nueva generación con mayor proyección internacional gracias a su aparición en el videojuego Rock Band con el tema “Thrasher”. Formados en 2004, Enter The Grave (2007) e Infected Nations (2009), forman un categórico material que ratifica la calidad que atesoran.

En el nuevo milenio también iniciaron sus actividades los suecos Sonic Syndicate, estos dentro del poblado universo del metalcore melódico. Aquí estamos hablando de tres hermanos Sjunnesson, Richard (voz) y Roger y Robin (guitarras). Su puesta en marcha data de 2002 y, el haberse impuesto a más de 1.500 bandas para tener el derecho a grabar con la discográfica Nuclear Blast su segundo disco Only Inhuman (2007), fue un dato decisivo en su trayectoria. Dos nuevos trabajos con los alemanes, Love And Others Disasters (2008) y We Rule The Night (2010), les han permitido alcanzar cierta popularidad.

Sin embargo, en ocasiones “tres pueden ser multitud” y, un cambio de estilo hacia perfiles más comerciales como quedó patente en We Rule The Night, propició la salida de Richard del grupo, que se hacia cargo de las voces agresivas y no estuvo de acuerdo con el nuevo rumbo musical.

En una onda metalcore también andan metidos los hermanos Tom y Dan Searle “a bordo” de Architects, una banda procedente de Brighton (Inglaterra), en activo desde 2004 y con diverso material en el mercado, lo último, el álbum titulado The Here And Now publicado este mismo año. Tom se encarga de las guitarras y Dan de la batería.

También tienen su protagonismo ganado en esta serie los hermanos colombianos Nico (guitarra) y David (bajo) Bermúdez quienes unieron fuerzas a un desesperado Blaze Bayley por reorganizar su banda y, desde 2007, han compartido responsabilidades junto al ex vocalista de Iron Maiden facturando un par de excelentes discos, The Man Who Would Not Die (2008) y Promise And Terror (2010).

Ya para concluir, unas líneas acerca de Death Angel, una de las bandas clásicas del thrash metal de la Bay Area, fundada en 1982 por 5 músicos con lazos familiares de ascendencia filipina. Además de los hermanos Gus (guitarra) y Dennis (bajo) Pepa, estaban sus primos Rob Cavestany (guitarra y voz) y Andy Galeon (batería) a quienes se uniría poco después su también primo Marc Osegueda (voz). Una saga que pocas bandas podrán igualar y cuya trayectoria, algo complicada, sin duda merecería un artículo propio.

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Continuamos con una entrega más, la quinta, del informe sobre los hermanos en la música heavy. En las anteriores, se ha hablado de, Angus/Malcolm Young (AC/DC), Eddie/Alex Van Halen (Van Halen), Max/Igor Cavalera (Sepultura), Vinnie Paul/Dimebag Darrell (Pantera) y Carlos/Armando De Castro (Barón Rojo), así como de Randy/Robbie/Tim Bachman (Bachman Turner Overdrive), Vinnie/Carmine Appice y Joe/Albert Bouchard (Blue Oyster Cult), los Panozzo de Styx, los Porcaro de Toto, los Crichton de Saga y los Oliva de Savatage.

RUDOLF, MICHAEL Y BARBARA SCHENKER

A diferencia de otros hermanos, los Schenker, Rudolf y Michael, consiguieron el éxito por separado y de forma muy distinta. Es cierto que sus carreras artísticas confluyeron en un momento dado pero la diferencia de caracteres provocó que sus rumbos se separaran.

Y no fue debido a la falta de cariño entre hermanos ya que ambos congeniaban perfectamente. Michael empezó a tocar la guitarra a los 9 años y Rudolf le incentivaba pagándole un marco por cada canción de los Beatles que aprendiese a tocar. Con el tiempo, Michael superaría en habilidad a su hermano. Ya a los 11 años actuó por primera vez en público con el grupo The Enervates.

Hacia 1965 Rudolf decidió formar una banda que finalmente llevaría el actualmente famoso nombre de Scorpions. Por ese entonces Michael estaba en otras movidas y en 1967 se unió a una formación de música beat denominada Cry. Sus primeros reconocimientos llegarían cuando la banda fue a Bremen a participar en un programa de televisión llamado Beat Club y las cualidades del rubio guitarrista llamaron poderosamente la atención.

Michael Schenker

Con solo 13 años de edad, el éxito y la vida alegre llevaron a Michael a consumir alcohol en exceso con la consiguiente alarma para sus padres quienes le prohibieron seguir tocando con Cry. El grupo, sin Michael prestando sus magníficos servicios acabó por desaparecer. Mientras tanto, Rudolf empezaba a despegar con Scorpions.

Un tal Klaus Meine, amigo de Rudolf, tenía una banda llamada Copernicus y estaba detrás de Michael para que se hiciera cargo de la guitarra. Pidió a Rudolf que intercediera ante sus padres y éste logró que los progenitores dieran el visto bueno para que Michael reemprendiera su carrera. En Copernicus Michael descubre a Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple, de quienes tocaban versiones, pasando In Rock a ser su “disco de cabezera”. Con el tiempo decidieron lanzarse a escribir material propio, sin embargo el destino tenía otros planes y el camino de los hermanos se unificaría por vez primera cuando, en 1970, Rudolf, con problemas de guitarrista, solicitó a Michael que se uniese a Scorpions. De paso pidió a Klaus que también lo hiciese para así poder dejar de cantar y dedicarse enteramente a la guitarra y a componer.

Una vez juntos, la primera composición del hermano pequeño para Scorpions fue “In Search Of OPeace Of Mind” que aparecería en el primer disco Lonesome Crow (1972). A los 18 años la carrera de Michael estuvo a punto de sufrir un duro contratiempo cuando el vehículo en el que se desplazaban para sus actuaciones sufrió un accidente. Por suerte sus lesiones en un brazo solo requieren un reposo temporal.

Rudolf Schenker

Después de actuar Scorpions junto a los británicos UFO éstos quedaron impresionados con el estilo de Michael y le pidieron que se uniese a ellos. Ya no estará con Scorpions para el segundo álbum, el camino de los hermanos se separa y Michael será partícipe de la época dorada de UFO, grabando cinco discos de estudio desde 1974 hasta 1978, Phenomenon, Force It, No Heavy Petting, Lights Out y Obsession, además de uno de los mejores discos en directo de toda la historia, el celebrado Strangers In The Night (1979).

Ese mismo año Rudolf invita a su hermano a participar de un nuevo álbum de Scorpions, Lovedrive, a lo que accede interviniendo en tres canciones “Another Piece Of Meat”, “Lovedrive” y “Coast To Coast”. Al poco tiempo se anuncia oficialmente su regreso a la banda de su hermano. Scorpions realiza una gira europea y Michael aparece por vez primera con su legendaria guitarra Gibson Flying V blanca y negra. Pero el carácter díscolo del guitarrista le hace renunciar al grupo antes de embarcarse en un periplo de conciertos por Gran Bretaña.

Los hermanos Schenker nunca más volverán a grabar junto con Scorpions tomando ambos caminos distintos. Mientras Rudolf alcanzó la fama mundial, todo lo que una estrella de rock puede desear, Michael, a pesar de sus brillantes cualidades y su genio como guitarrista ha mantenido una trayectoria errática. Con la formación de su propia banda The Michael Schencker Group y la publicación de sus dos primeros e imprescindibles álbumes de estudio así como el directo One Night At Budokan, parecía que su historia tomaba el camino correcto pero su personalidad le llevó por derroteros muy distintos compaginando momentos de gloria con períodos en los que desapareció por completo de la escena debido a sus problemas con el alcohol.

Michael volvió esporádicamente con UFO y participó en diversos proyectos pero siempre quedará la incógnita de si parte de su talento fue desperdiciado o, quizá, su temperamento y su talento sean indisolubles.

Michael y Barbara Schenker

Sería imperdonable no mencionar a Barbara Schenker, la hermana menor de Rudolf y Michael, quien también incursionó en el mundo del rock en 1980 fundando la banda de hard rock clásico Viva, siendo votada en 1985 por la revista Metal Hammer como mejor teclista. Barbara dejó el grupo en 1983 y en 2007 fue la impulsora de su vuelta a la actividad. Born To Rock (1980) fue su álbum debut.

Entre 1986 y 1988 formó parte de Rosy Vista banda integrada por mujeres que sacó el EP You Better Believe It en 1985. Desaparecida en 1988, volvió a la actividad en 2002 por un corto periodo pero sin Barbara en sus filas. A pesar de dedicarse profesionalmente como teclista, la pasión de Barbara, es la misma que la de sus hermanos: la guitarra.

JOHN Y MARC GALLAGHER (RAVEN)

Unos hermanos que sí han permanecido unidos durante toda su carrera son los Gallagher (no, no me refiero a Liam y Noel, de Oasis, no entran en la categoría musical en la que aquí nos centramos). Fundadores de Raven, banda procedente de Newcastle (Inglaterra) y en activo desde 1974 no fue hasta la década de los ochenta cuando alcanzaron su mejor momento con un heavy metal ligado a la NWOBHM.

John (bajo, voz) y Marc (guitarra), facturaron sus mejores trabajos junto al batería Rock “Wacko” Hunter; su debut de 1981 Rock Until You Drop, Wiped Out (1982) y All For One (1983), además del directo Live At The Inferno (1984), que les permitieron afincarse en Estados Unidos y formar parte de la nueva corriente metálica speed/thrash junto a formaciones como Anthrax, Metallica y tantas otras. Tras su exitosa etapa con Megaforce el cambio a una multinacional no resultó tan efectivo al comercializar su sonido y perder credibilidad ante los “metalheads”. Después de dos discos en estudio y otro directo abandonaron Atlantic Records.

En 1987 “Wacko” dejó la banda pero los hermanos Gallagher continuaron unidos y soportaron obstáculos como la llegada del grunge y la quiebra de su nueva discográfica, Combat Records.

Su actividad se mantuvo de forma regular hasta 2001, año en el que Mark se vio involucrado en un accidente cuando un muro se derrumbó y atrapó sus piernas. Tras cinco años de ausencia forzada en espera de la rehabilitación de Mark la banda volvió a la carga. Su último álbum, Walk Through Fire, data de 2009 y los hermanos Gallagher siguen adelante junto al batería Joe Hasselvander, sustituto de Rob en su momento.

JENS Y ANDERS JOHANSSON

En el caso de Jens y Anders Johansson, nos encontramos que sus carreras tomaron rumbos distintos, aunque no desde el principio y no siempre. Hijos del pianista sueco de jazz Jan Johansson, iniciaron su aventura musical unidos con la banda de heavy metal Silver Mountain, editando el disco Shakin’ Brains (83). Pero su despegue profesional sucedió junto a Yngwie Malmsteen. Los dos intervinieron en el segundo álbum, Marching Out (85), Jens como teclista y Anders haciéndose cargo de la batería. Jens, además ya había intervenido en el debut del “guitar hero sueco” Rising Force (84). Ambos hermanos permanecieron en sus puestos en la tercera grabación Trilogy (86), así como en la siguiente, Odyssey (88) y participaron en la gira de la que surgió el directo Trial By Fire: Live In Leningrad (89). Años más tarde el guitarrista volvió a contar con ellos para su álbum tributo, Inspiration (1996).

A partir de aquí sus trayectorias se diversifican. La vinculación de Jens a Stratovarius en 1995 significa un gran impulso a su trayectoria formando parte del grupo finlandés desde el lanzamiento de Episode hasta la actualidad.

Jens Johansson

Anders tuvo que esperar algo más su oportunidad pero le llegó en 2000, cuando pasó a formar parte oficialmente de Hammerfall, debutando en el álbum del mismo año Renegade, manteniéndose hasta la actualidad.

No podemos olvidar la participación de Jens en el álbum de Dio de 1990 Lock Up The Wolves y sus tres discos junto a Mastermind, Excelsior (1999), Angels Of The Apocalypse (2000) y To The World Beyond (2004). Entre sus múltiples colaboraciones podemos destacar sus aportaciones a los álbumes de Sonata Arctica, Winterheart’s Guild (2003) y Kamelot, The Black Halo (2005).

Pero, los hermanos Johansson han mantenido una actividad paralela a sus vicisitudes metálicas. Por ejemplo, han incursionado en el mundo vanguardista uniendo habilidades al bajista de jazz-fussion Jonas Hellborg, con quien realizaron algunas grabaciones muy progresivas; también han formado su propia banda, Johansson Brothers, donde experimentan con texturas y sonidos alejados del metal y en los que, entre otros artistas, han participado Yngwie Malmsteen, Alan Holdsworth y Michael Romeo.

GLEN Y SHAWN DROVER (MEGADETH)

Nuestro amigo Dave Mustaine también ha tenido en el seno de Megadeth a un par de hermanos, Glen y Shawn Drover, guitarrista y batería respectivamente. Glen fue el primero en enrolarse, justo para la gira del Gigantour de 2005. Al poco de iniciados los conciertos diferencias con Nick Menza propiciaron su reemplazo por Shawn. Ambos intervinieron en la grabación de United Abominations (2007). En 2008 Glen dejó el grupo, al parecer por asuntos familiares, aunque nunca se han expuesto los motivos de forma clara. No obstante, Shaw ha seguido en Megadeth hasta la actualidad.

Formación de Megadeth con Glen y Shawn Drover

Antes de su vinculación a Megadeth ambos hermanos habían desarrollado una fructífera carrera con la banda de power metal Eidolon, grabando ocho álbumes desde 1993. Asimismo Glen intervino en el álbum House of God de King Diamond en el año 2000, además de sustituir a Alex Skolnick en Testament cuando otros proyectos han impedido su presencia. Glen también formó su propio grupo en el que también canta y cuyo debut discográfico se titula Metalusion.

Como dato curioso, mencionar que en algunas ocasiones Glen y Shawn han intercambiando sus posiciones durante sus actuaciones en directo ya que ambos se defienden con el instrumento habitual de su hermano.

MASTERMIND

Y ya que antes hablábamos de los vínculos de Jens Johansson con Mastermind, finalizamos este artículo concretando que se trata de una banda estadounidense de metal progresivo influenciada por Emerson Lake & Palmer fundada en 1986 por los hermanos Berends, Bill (guitarra, sintetizador) y Rich (batería) y que cuenta con diversas grabaciones realizadas además de las ya mencionadas junto a Jens, la última de ellas Insomnia, publicada en 2010.

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Después de haber dedicado las tres primeras entregas de este informe sobre los hermanos en la música rock a personajes tan conocidos como Angus/Malcolm Young (AC/DC), Eddie/Alex Van Halen (Van Halen), Max/Igor Cavalera (Sepultura), Vinnie Paul/Dimebag Darrell (Pantera) y Carlos/Armando De Castro (Barón Rojo), así como a otros no tan reconocidos o, en algunos casos, algo olvidados, como Randy/Robbie/Tim Bachman (Bachman Turner Overdrive), Vinnie/Carmine Appice y Joe/Albert Bouchard (Blue Oyster Cult), en esta oportunidad vamos a hablar de hermanos que pertenecen o pertenecieron a bandas con ciertas similitudes estilísticas aunque, cada formación cuente con sus rasgos distintivos. Me refiero a Styx, Saga y Toto, todas con referencias propias del rock progresivo, quizá más acentuadas en las dos primeras y con mayor predominio de texturas pop en la tercera. Todas, además, con un perfil enfocado hacia la comercialidad propia del AOR (Rock Adult Oriented) y, en los casos de Styx y Toto, con la tragedia como ingrata compañía.

Además también hablamos de los hermanos Oliva, Jon y Criss, de Savatage, formación más inclinada hacia el heavy metal aunque con la inclusión de elementos progresivos. A los hermanos Oliva también les afectó el lado amargo de la vida.

JOHN Y CHUCK PANOZZO (STYX)

John y Chuck Panozzo, no solo eran hermanos. Sus vínculos eran mucho más cercanos ya que se trataba de gemelos. John nació el 20 de septiembre de 1948 y 90 minutos después lo hizo Chuck.

Los dos se introdujeron en la música a los 7 años a través de las lecciones que recibieron de un tío. John se interesó por la batería mientras que Chuck optó por la guitarra aunque con el tiempo se pasaría al bajo.

Ambos disfrutaron del éxito que en la década de los ochenta les proporcionaron sus álbumes conceptuales, sobre todo Paradise Theater, lanzado en 1981. Su carrera con Styx fue paralela, primero desde los comienzos en 1970 hasta 1984, año de la primera disolución del grupo tras la aparatosa gira correspondiente al álbum Kilroy Was Here (1983) cuyo espectacular montaje les causó pérdidas económicas. Volvieron unidos en la reagrupación que duró desde 1989 hasta 1992 y una tercera vez en 1995 aunque, en la gira programada para la reunión de la formación original, primera desde 1983, John ya no pudo participar debido a una cirrosis hepática provocada por años de excesivo consumo de alcohol. Finalmente, murió de una hemorragia gastrointestinal a los 47 años en 1996

Chuck fue uno de los pilares de Styx durante tres décadas, posteriormente dejó el grupo aunque se incorporó de forma regular para alguna que otra gira. En 2001 anunció su condición de homosexual y que era portador del virus del SIDA. Ha publicado un libro autobiográfico titulado La Gran Ilusión: Amor, mentiras y mi vida con Styx.

STEVE, JEFF Y MIKE PORCARO

Quién no ha oído alguna vez “hits” como “Hold The Line”, “Rossana”, “Africa” y tantos otros, representativos de la carrera de Toto donde, no lo olvidemos, también figura el gran guitarrista Steve Lukather.

Como en el caso de la familia Bachman, de Bachman Turner Ovedrive (ver parte III), la familia Porcaro constaba de dos hermanos, Steve y Jeff y un hermanastro, Mike. Los dos primeros fueron co-fundadores del grupo en 1977 y el restante fue oficialmente parte de la banda en 1982 aunque su vinculación data desde sus inicios.

Jeff Porcaro

Comenzaremos por Jeff, quien se convirtió en toda una eminencia en el arte de tocar la batería en la década de los setenta y en uno de los músicos de sesión más prolíficos de la historia, interviniendo en innumerables álbumes de artistas tan dispares como, Barbra Streisand, Diana Ross, Tommy Bolin, Roger Waters, Michael Jackson, Eric Clapton, Bruce Springsteen y un largo etcétera.

Su primer trabajo como profesional fue acompañando a Sonny & Cher en una de sus giras, además formó parte de Steele Dan y de Boz Scaggs, antes de fundar Toto.

Jeff, también compositor y productor, fue responsable de otorgar al pop/rock de los ochenta un sonido característico de batería, de ahí sus cientos de colaboraciones y sus miles de horas de trabajo como músico de sesión.

Su fulgurante y meritoria carrera se truncó en 1992, a los 38 años cuando, de forma accidental, falleció al inhalar el insecticida con el que fue rociado el jardín de su mansión en Hidden Hills (California). En la autopsia se detectó una grave dolencia cardíaca aún sin diagnosticar.

Steve, teclista y compositor de algunos de los éxitos de Toto dejó la banda en 1986, después de publicar el disco Fahrenheit, para dedicar más tiempo a su carrera de compositor. Sin embargo, nunca se ha desvinculado del todo de la formación californiana, colaborando como, arreglista o dando su apoyo con teclados y sintetizadores, incluyendo la hasta ahora última obra de la banda editada en 2006 y titulada Falling In Between. En definitiva, se puede decir que Steve vuelve a formar parte del grupo plenamente desde 2010.

Entre sus múltiples actividades alejadas de Toto, destaca su colaboración como compositor del tema “Human Nature” del álbum Thriller de Michael Jackson, así como su vinculación con Gary Wright en una gira del ya lejano año de 1977. También colaboró con Yes, Jefferson Airplane y Chris Squire.

Gran parte de su tiempo lo ha dedicado a crear bandas sonoras para películas y televisión, en este último caso, es responsable de la sintonía de Justified, serie cuya primera temporada ha formado parte de la programación de los canales de pago en España.

Toto

Como ha quedado dicho, a pesar de haber participado en los ensayos desde los primeros tiempos, Mike no fue miembro oficial de Toto hasta 1982, poco después del lanzamiento de Toto IV. El motivo se debió a que la compañía discográfica quería mantener la alineación que había participado en el exitoso álbum Silk Degrees del grupo Boz Scaggs, donde habían militado Steve y Joe además del bajista David Hungate. Cuando Hungate decidió iniciar una carrera como músico de sesión en Nashville, el puesto fue para Mike quien ya permanecería inamovible hasta 2007.

Ese año, Mike se vio forzado a dejar Toto al diagnosticársele Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA), también conocida como la enfermedad de Lou Gehring debido a que el famoso jugador de béisbol de los Yankees de Nueva York la padeció en 1939. Se trata de una dolencia neurodegenerativa que causa el deterioro paulatino de las células que controlan el sistema nervioso central que determina el movimiento muscular.

Al igual que sus hermanastros, Mike cuenta con una trayectoria plagada de colaboraciones junto a artistas de las más diversas tendencias, entre otros muchos, América, Jon Anderson, Russ Ballard, Cher, Natalie Cole, Christopher Cross, Dan Fogelber, Jefferson Airplane, Santana y… un tal ¡Julio Iglesias!

IAN Y JIM CRICHTON (SAGA)

La historia de los hermanos Crichton no es tan complicada como las anteriores ni tiene su lado trágico. Ambos hermanos han permanecido en el grupo desde su creación en 1977, Ian como guitarrista y Jim encargándose del bajo y también teclados, además de ser el principal compositor junto al vocalista Michael Sadler.

Saga

A pesar de que en el seno del grupo se han registrado algunas variaciones de personal, con salidas y retornos de, por ejemplo, el mismo Michael Sadler o el teclista Jim Gilmour así como cambios en la batería, los Crichton han sido los únicos en mantenerse fijos en sus puestos durante los más de 30 años que dura la carrera del grupo canadiense.

Jim se ha destacado por aportar al legado de Saga álbumes conceptuales como, Generation 13 sobre una historia cuyo personaje principal se enfrenta a la búsqueda de su verdadero padre. También surgió de él la idea de los capítulos basados en el concepto de que la raza humana está en este planeta por imposición extraterrestre, que la banda fue componiendo desde el mismo momento de su creación, insertándolos paulatinamente en sus álbumes hasta que en el disco Chapters Live incluyeron las 16 partes para unificar la narración.

JON Y CRISS OLIVA (SAVATAGE)

Los hermanos Jon (voz) y Criss (guitarra) Oliva fueron los fundadores del grupo Savatage, cuya actividad comenzó en 1978 bajo el nombre de Avatar, que mantuvieron hasta 1983, año en el que debutaron con Sirens, donde mostraban una variedad de estilos que encajaban dentro del heavy metal y el metal progresivo, aunque con el lanzamiento de The Dungeons Are Calling en 1985 se les vinculó erróneamente con la corriente de moda en aquellos momentos, el thrash metal.

Sin embargo, Savatage tomó rumbos muy distintos al dirigir su estilo hacia perfiles cada vez más elaborados. Con el lanzamiento de discos como Hall Of The Mountain King (1987), Gutter Ballet (1989) y Streets: A Opera Rock, acentuaron su posición hacia parámetros más accesibles comercialmente hablando.

Jon Oliva

Después de una carrera que abarcaba siete álbumes, Jon decidió abandonar el grupo para centrarse en otros proyectos como, Doctor Butcher y su más ambicioso trabajo el musical Romanov, además de seguir componiendo música para la banda de su hermano.

Criss siguió adelante y grabaron el primer álbum sin Jon en 1993, Edge Of Thorns que, resultaría el último para el guitarrista al fallecer el mismo año víctima de un accidente de tráfico en el que su mujer también resultó gravemente herida. Fue el 17 de octubre de madrugada cuando un vehículo conducido por un borracho impactó con el del músico y sus acompañantes, recibiendo éste un mortal golpe en la cabeza; tenía 31 años.

Ante la tragedia, Jon regresó al grupo en 1994 para, según sus propias palabras, mantener vivo el legado de su hermano. Ese mismo año se publicó Handfull Of Rain, trabajo impregnado de los dramáticos sentimientos de Jon por la pérdida de su hermano e incluía la canción “Alone You Breathe” como tributo.

Un año después Jon escribió y compuso junto a Paul O’Neil el álbum conceptual Dead Winter Dead, sobre la guerra de Bosnia y centrado en la historia de un joven servio y una chica musulmana. En 1998 Jon volvió a crear otro trabajo conceptual, The Wake Of Magellan, basado en dos episodios reales.

El hasta ahora último disco de Savatage se facturó en 2001 con el título de Poets And Madmen, donde Jon volvía a encargarse enteramente de todas las partes vocales por primera vez desde 1991, debido a la marcha de Zachary Stevens.

Criss Oliva

Aunque Jon no ha dado por cerrada la trayectoria de Savatage, su dedicación a diversos proyectos como, Jon Oliva’s Pain, Trans-Siberian Orchestra y Circle II Circle, ha imposibilitado el lanzamiento de un nuevo disco. Sin embargo, ha estado involucrado en la recopilación de los grandes éxitos de Savatage y en un DVD de un concierto en Japón como homenaje a su hermano fallecido.

Ambos hermanos Oliva se inclinaron por la música desde muy jóvenes, comenzando a practicar con el piano de su padre. Sus primeras incursiones fueron en fiestas en las que tocaban versiones de Kiss, Deep Purple y Z Z Top, entre otras bandas. Jon era diestro en la batería, el piano, cantaba bien y también tocaba la guitarra pero, en esta última, su hermano le superaba así que también le dedicó tiempo al bajo, completando su instrucción musical de forma polifacética.

Al ser expulsado de la escuela secundaria Jon necesitó conseguir un trabajo y tuvo la suerte de unirse a una banda llamada Metrópolis que interpretaba versiones de Alice Cooper y Bad Company. Realizando giras por bares y clubes de Florida adquirió la necesaria experiencia para valerse por sí mismo y después de un año dejó el grupo.

Definitivamente Jon y Criss unieron sus carreras artísticas en 1978 al formar Avatar, después de haber abandonado sus últimas aventuras con Alien y Tower respectivamente. Solo la muerte de uno de ellos les volvió a separar.

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Después de haber dedicado las dos primeras entregas de este informe sobre los hermanos en la música rock a personajes tan conocidos como Angus y Malcolm Young, Eddie y Alex Van Halen, Max e Igor Cavalera y Vinnie Paul y Dimebag Darrell, continuamos con la tercera parte, encabezada por unos hermanos muy conocidos en España, sin duda los más famosos en la historia del heavy metal estatal, Armando y Carlos De Castro, de Barón Rojo. Además incluimos también a otros no tan conocidos o, en algunos casos, algo olvidados, que merecen ser recordados como Randy, Robbie y Tim Bachman y, Vinnie y Carmine Appice y Joe y Albert Bouchard.

Los hermanos De Castro, salvo sus primeros escarceos en la música formando parte eventual de algunas aventuras primerizas, han permanecido prácticamente unidos durante toda la trayectoria de Barón Rojo. De sobras son conocidas las problemáticas que acabaron con la salida de la mitad de sus componentes originales, José Luis Campuzano (bajo y voz) y Hermes Calabria (batería). Con más o menos razón en la disputa entre ambas partes, ha quedado claro que la postura de Carlos y Armando ha sido la de mantenerse unidos en todo momento. Pasada la época dorada, siguieron adelante con mayor o menor fortuna pero manteniendo en alto el nombre de Barón Rojo.

Como en el caso de los Cavalera, el padre de los De Castro falleció siendo apenas unos adolescentes. Un año antes de morir, le había regalado a Armando su primera guitarra eléctrica, una Kustom Super de fabricación española. Antes de eso, la inquietud de los hermanos les había llevado a poner cuerdas de acero a una guitarra acústica de dudosa calidad.

Tras pasar por la típica etapa escolar, cuya primera formación se llamaba Cracking Hearts, los hermanos De Castro cumplieron una etapa de aprendizaje seguida de otra en la que adquirieron experiencia en diversas bandas hasta que formaron Coz en 1974, debutando con la canción “El Rock De La Legalización”, incluida en 1977 en un disco conmemorativo del Partido Comunista Español (PCE). La CBS se interesó en el grupo, que grabó un single con los temas, “Mas Sexy” y “Leche En Polvo”, que obtuvo cierta repercusión y CBS, entusiasmada, lanzó seguidamente un exitoso LP.

Sin embargo, las cosas se torcieron y los hermanos rompieron sus vínculos con la discográfica. Posteriormente, ya como Barón Rojo, grabarían una canción dedicada a la multinacional, “Con Botas Sucias” (CBS), incluida en su álbum debut, Larga Vida Al Rock And Roll (1981).

Aún como Coz, se les unió Campuzano y decidieron cambiar el nombre, aunque otra formación continuó bajo el apelativo de Coz. Ya en 1980, entró Hermes Calabria a la batería y Barón Rojo empezó a revolotear eficazmente por la geografía española. El resto ya es historia conocida, siempre con los hermanos De Castro unidos hasta las últimas consecuencias.

RANDY, ROBBIE Y TIM BACHMAN (BACHMAN TURNER OVERDRIVE)

Aquí no vamos a hablar de dos hermanos sino de tres, y su historia es bastante conflictiva.

Bachman Turner Overdrive fue una banda canadiense que inició su carrera en 1973, musicalmente integrada en los perfiles del rock, boogie rock y hard rock.

El promotor del proyecto fue Randy Bachman quien, después de haber abandonado a los renombrados The Guess Who, decidió crear una banda nueva en la cual dirigir personalmente la directriz musical. Se le unió Chad Allen, vocalista original de los propios The Guess Who. Como bajista reclutó a su colega Fred Turner y el puesto de batería lo ocupó su hermano Robbie, quien todavía estaba en edad escolar.

En esos momentos la formación adoptó el nombre de BraveBelt y publicó un par de álbumes. Pero Randy buscaba un sonido más duro y Chad no era un vocalista para tal propósito así que fue sustituido por Tim, medio hermano de Randy.

Ya como Bachman Turner Overdrive (BTO), gracias a la imaginación de Turner quien desarrolló el nombre a partir de una revista de camioneros llamada Overdrive, publicaron su debut homónimo en 1972 en el que se incluía su primer “hit”, “Blue Collar”, además de otras decisivas composiciones. Al año siguiente lanzaron BTO II, superando el éxito del primero con dos temas que pasaron a formar parte de su historia, “Let It Ride” y “Takin’ Care Of Bussiness”.

Una vez encarada la grabación del tercer álbum comenzaron los problemas con Tim quien fue obligado a marcharse al no estar involucrado al ciento por ciento debido a otras inquietudes como, formar una familia y dedicarse a los bienes raíces. También se ha comentado que su estilo de vida y sus problemas personales afectaron su relación con el resto del grupo. De todas formas, en 1984 volvió para un álbum y gira de reunión. Más adelante, entre 1987 y 1988 puso en marcha un grupo con el que realizó actuaciones presentándose como B.T.O., con el consentimiento de los demás, a regañadientes, para que pudiera saldar unas deudas. Ya en 2010 Tim estuvo involucrado en un feo caso de abuso sexual a una persona menor edad.

BTO continuó su trayectoria con los dos hermanos, Randy y Robbie, recogiendo nuevos triunfos y publicando celebrados álbumes como Not Fragile (1974) que alcanzó el número uno en las listas de éxito e incluía otro de sus “hits”, “You Ain’t Seen Nothing Yet”; Four Wheel Drive (1975) con brillantes composiciones como “Hey You” y el propio tema título y, Head On (1975) que contenía “Take It Like A Man”, canción en la que colaboró Little Richard al piano.

En 1977 tras la publicación de Freeways, surgen nuevos problemas en el seno de la banda ya que Turner se siente desplazado por Randy, quien acapara casi toda la composición. Finalmente Randy decide dejar el grupo aunque se queda con los derechos del nombre lo que obliga a la remodelada formación, incluyendo a Turner e a Robbie Bachman, a seguir en activo solo utilizando las siglas BTO. Duraron poco tiempo ya que el escaso éxito de los discos editados les obligó a disolverse.

Randy continuó su trayectoria, grabó un disco en solitario y formó parte de la efímera carrera de Ironhorse, durante la cual publicaron dos álbumes. Curiosamente, en 1981, en un “reciclaje” de Ironhorse al que Randy puso el nombre de Union, figuraba su amigo Fred Turner.

En 1983 el conflicto entre Randy y Robbie se agudizó cuando este último declinó formar parte de un nuevo retorno de Bachman Turner Overdrive, debido a conflictos comerciales con el nombre y a que no quería el regreso del otro hermano Tim, como segundo guitarrista. Además, Robbie quería que los derechos de autor se repartiesen entre todos algo a lo que Randy no estaba dispuesto. Al dejar de lado a Robbie y utilizar el nombre de BTO, este los demandó y ganó el juicio, teniéndole que pagar las regalías correspondientes.

Entre 1988 y 1991, volvió a reunirse la formación de la época de Not Fragile, que incluía de nuevo a los dos hermanos reconciliados, Randy y Robbie, además de Fred Turner y Blair Thornton.

En 1991 Randy dejó el grupo otra vez, los motivos no están claros aunque todo parece indicar fue una maniobra del resto del grupo para que cuidara su salud. Hasta 2005 funcionaron con Randy Murray, sustituyendo a su homónimo Bachman. Luego se disolvieron.

Algunos años después el “culebrón” siguió dando de que hablar ya que en 2009 Randy Bachman y Fred Turner, pretendieron volver a reactivar al grupo bajo el nombre de Bachman Turner Overdrive, pero Robbie y Thornton, interpusieron una demanda por lo que finalmente el regreso se quedó solo en Bachman & Turner, nombre con el que editaron un álbum y realizaron una gira en 2010.

He aquí un caso de hermanos que no han llevado una vida artística precisamente unida, como suele ser lo más habitual como ya hemos reseñado anteriormente.

VINNIE Y CARMINE APPICE

Mucho mejor se ha llevado los hermanos Appice, Carmine y Vinnie, ambos dedicados a la batería y con un historial difícil de superar. Claro que ellos han realizado trayectorias separadas.

A Carmine se le podría catalogar como de “institución” ya que se trata de un veterano de 64 años que comenzó su carrera a los 20, formando parte de Vanilla Fudge. Su historial sería largo de contar, bastará mencionar sus vínculos más famosos: Cactus, Beck Bogert & Appice, King Cobra, Blue Murder y Carmine Appice’s Guitar Zeus. Además, están sus colaboraciones junto a Paul Stanley, Ted Nugent, Marty Friedman y Pink Floyd. Asimismo, forma parte del Salón de la Fama del Rock & Roll. Incluso, el “gran” John Bonham de Led Zeppelin admitió haber copiado algunos de sus golpes.

En cuanto a Vinnie, 11 años más joven, ha militado también en formaciones de reputado historial, Black Sabbath y Dio, siempre ligado a las vicisitudes del fallecido Ronnie James Dio, ya que fue el vocalista quien lo llevó a los Sabbath en las ocasiones en las que se vinculó con ellos. Además de participar en casi todos los álbumes de Dio, en los setenta formó parte de la banda de Rick Derringer, así como de Axis, con quienes grabó su único álbum. Como es lógico, al tocar ambos el mismo instrumento, salvo exhibiciones, nunca han coincidido juntos en una banda.

JOE Y ALBERT BOUCHARD (BLUE OYSTER CULT)

También veteranos de los sesenta, Joe y Albert Bouchard formaron la sección rítmica original, como bajista y batería respectivamente, de Blue Oyster Cult, banda de Long Island que inicio sus actividades en 1967 en el marco del rock psicodélico para ir adaptándose a los nuevos tiempos incursionando en el hard rock y el heavy metal, llegando a realizar una famosa gira con Black Sabbath denominada “Black & Blue”.

Albert, miembro fundador y pieza importante durante la primera década de la banda, fue responsable de componer algunos de lo mejores temas. Joe entró en el grupo algo más tarde, sustituyendo a Andy Winters, cuando la banda se estaba formando y aún no tenía nombre definitivo. Ambos hermanos tocan distintos instrumentos, Albert, además de la batería se defiende como cantante y guitarrista, además de ser compositor, mientras que Joe, inicialmente era guitarrista pero aprovechó la oportunidad que le ofrecían en BOC asumiendo fundiciones de bajista. También toca teclados y trompeta.

Curiosamente, el primero en abandonar BOC fue Albert, en 1981, cinco años después lo haría Joe. Sus carreras tomaron rumbos distintos, aunque en 1987 coincidieron juntos en una gira con la Spencer Davis Group, Albert con su instrumento habitual y Joe haciéndose cargo de los teclados. Aparte de esto, cada cual ha figurado en bandas y proyectos distintos.

Albert, colaboró en los 80 con The Mamas & The Papas, Peter Noone (Herman’s Hermits) y posteriormente en trabajó junto a Mike Watt (Firehouse) y Ritchie Stotts (Plasmatics). También ha ejercido de productor y ha editado diversos discos de otros artistas a través de su sello Cellsum Records. En los noventa participó, como productor e intérprete en The Brain Surgeons, publicando seis discos. En la actualidad sigue en activo participando en nuevos proyectos.

Joe, fue responsable de uno de los primeros “hits” del grupo, “Hot Rails To Hell”, perteneciente a su álbum Tyrany And Mutation (1973). Al dejar BOC colaboró con Deadringer junto a Neal Smith y Dennis Dunaway (Alice Cooper Group). Con ellos mismo formó su banda escogiendo las siglas de los tres miembros BDS.

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Mantener un grupo de música con una misma formación durante toda su carrera artística es un lujo que pocos se han permitido pero… ¿y si dentro de la banda hay hermanos? ¿Favorece esto la unión o, puede acarrear problemas internos? Y, por otra parte, ¿los hermanos siempre se mantienen juntos ante las discrepancias surgidas en el seno de la banda?

Después de la primera entrega dedicada a los hermanos Young, Malcolm y Angus de AC/DC y a los Van Halen, Eddie y Alex, en esta segunda parte lo hacemos con los Cavalera, Max e Igor, y los Abbott, Vinnie Paul y el tristemente fallecido Dimebag Darrell.

MAX E IGOR, LOS CAVALERA

Si en nuestra primera entrega hablábamos de la concordia total entre los protagonistas ya que nunca han trascendido problemas entre los Young ni tampoco entre los Van Halen, en esta ocasión no podemos decir lo mismo de los Cavalera, Max e Igor, cuya relación afectó a la carrera de la banda que ambos fundaron siendo apena Maxs unos adolescentes de 14 y 13 años.

Nacidos en Belo Horizonte, un mismo día 4, Max en agosto de 1969 e Igor en septiembre de 1970, fueron a vivir a Sao Paulo donde su padre Graziano, ejercía labores diplomáticas como embajador italiano. Su destino cambió cuando su progenitor falleció en 1981, siendo todavía niños. De regreso a Belo Horizonte, los hermanos Cavalera tuvieron ocasión de palpar el entorno agresivo de los barrios marginales, aunque su afición por la música los alejó de los caminos de la violencia.

Un primo de nombre Sinval fue quien les introdujo en el mundo del heavy metal, haciéndoles escuchar bandas como Black Sabbath y Led Zeppelin. Con su primo también asistieron a su primer concierto, uno de Queen. Tras la experiencia, ambos hermanos decidieron formar una banda.

Aunque a Igor siempre le habían llamado la atención los instrumentos de percusión tribales y había ingresado en una escuela incentivado por su padre, su formación rockera fue prácticamente autodidacta. Con el tiempo, ambos hermanos fueron moldeando su estilo hacia nuevas corrientes extremas que llegaban de Estados Unidos, a las que irían añadiendo las influencias étnicas que marcarían sus particularidades y les llevarían a alcanzar un rotundo éxito mundial.

El 21 de abril de 1984 tocaron por primera vez en público bajo el nombre de Sepultura, eso sí, con una batería prestada por un colega. Otro amigo, dueño de Cogumelo Records, les proporcionó los medios para grabar su primer EP Bestial Devastation, editado en 1985 y del que vendieron una primera edición de 1000 copias entre familiares y amigos.

Después de organizar unos cuantos conciertos por diversas ciudades de Brasil, desplazándose y alojándose en precarias condiciones, el siguiente paso fue la asociación de Cogumelo y Roadrunner Records para lanzar internacionalmente su primer álbum, Morbid Visions en 1986. A partir de aquí el ascenso fue imparable con los hermanos Cavalera disfrutando del triunfo total

En 1990 entra en escena Gloria Bujnowski, que era manager de algunas formaciones del área de Arizona y también pasó a serlo de Sepultura. En 1992, Max contrajo matrimonio con Gloria, que le doblaba la edad y tenía un hijo de un anterior compromiso. Una decisión que alteraría el curso de la carrera de Sepultura y la relación de Max e Igor.

La unión no conllevó ningún contratiempo inicial pero, con el paso del tiempo, el resto de componentes del grupo, incluyendo Igor, notaron una mayor atención de Gloria sobre los negocios de Max en particular que los de Sepultura en general.

Otro hecho trascendental fue la inesperada muerte de Dana, hijo de Gloria, en un accidente de tráfico en 1996. En esos momentos Sepultura estaban preparando su intervención en el Monsters Of Rock de Castle Donnington, poco antes de saltar al escenario reciben la noticia y Gloria debe viajar inmediatamente a Estados Unidos, Max le acompaña y el grupo toca como formación de trío con Andreas Kisser como vocalista. También, deben cancelar una gira de tres semanas por Estados Unidos.

Pocos meses después deciden prescindir de los servicios de Gloria, dando opción a Max a que permaneciera como su manager. Fue el propio Igor el portador de la noticia a su hermano quien se sintió traicionado, al igual que Gloria. Entonces, Max sentenció que, o se quedaba Gloria o se iba él y ante la intransigencia del grupo y de su propio hermano dejó Sepultura en 1996, rompiendo los lazos musicales y familiares. Fue un duro golpe para la formación.

Max comenzó una nueva carrera con Soulfly mientras Igor continuó con Sepultura. Además, la relación entre ambos quedó cortada y no fue hasta 10 años después que llegó la reconciliación, en la que Laima Leyton, la segunda esposa de Igor, tuvo un protagonismo determinante.

Laima, convenció a Igor de que la enemistad con su propio hermano no podía continuar eternamente y le obligó a contactar por teléfono. La llamada la cogió Gloria y se la pasó a Max que, sin saber quien era contestó. Al escuchar la voz de su hermano se quedó totalmente sorprendido… hablaron, aclararon puntos, quedaron en verse… hubo disculpas mutuas y reconocieron que todas las partes habían tenido parte de culpa.

El feliz reencuentro propició que el batería participase el mismo año de su reconciliación, 2006, en una gira con Soulfly. También resultó decisivo en otro asunto que afectó a Igor. Inicialmente dejó Sepultura alegando la llegada de un nuevo hijo aunque pocos meses después anunció su salida definitiva por diferencias musicales.

Al año siguiente los hermanos Cavalera, juntos otra vez, crearon un nuevo proyecto, Cavalera Conspiracy, cuyo primer disco, Inflikted, se publicó en 2008. Aunque Max sigue adelante con sus Soulfly, en 2011 verá la luz el segundo trabajo de Cavalera Conspiracy, Blunt Force Trauma.

Los seguidores españoles, tendrán ocasión de ver juntos de nuevo sobre un escenario a Max e Igor el próximo 5 de febrero, cuando se presenten en exclusiva mundial en Barcelona para promocionar su nuevo disco.

VINNIE Y DARRELL, LOS ABBOTT

La historia de Pantera es la historia del esfuerzo de los hermanos Abbott, Vinnie y Darrell, por alcanzar un objetivo: destacar en el mundo de la música heavy. Objetivo que superaron debido a su empeño como personas y su calidad como músicos. Pero Vinnie y Darrell, no estuvieron solos. El apoyo familiar les hizo despegar y el destino se encargó de encontrarles un lugar entre las mejores bandas del metal contemporáneo.

Con el apoyo material y técnico de su padre Jerry, músico de country, así como el apoyo moral de su madre Carolina (seguidora incondicional) llegaron a ser número uno en su estilo y, tras triunfar a nivel planetario, crearon un sonido con denominación de origen. Actualmente, cuando decimos “sonido Pantera”, no hace falta añadir nada más.

Vinnie, se inició en el mundo de la música tocando la tuba, un instrumento de viento poco práctico para según que ambiciones. Aconsejado por su padre, se cambió a la batería, que también gustaba a Darrell. Sin embargo, debido a que su hermano mayor la ocupaba la mayor parte del tiempo, optó por buscarse otras salidas y acabó aficionándose a la guitarra.

A partir de ahí, Dimebag comenzó a participar en diversas competiciones estatales hasta que le prohibieron intervenir porque, a los 16 años, se había convertido en todo un experto y siempre resultaba vencedor. Pocos sabían que el pequeño de los Abbott había tenido un aprendizaje de lujo. Su padre tenía un estudio de grabación en Pantego (Texas), donde el inquieto adolescente había visto tocar a numerosos guitarristas de blues.

A principios de la década de los 80, con el apoyo económico de su padre, crearon su propio sello discográfico, Metal Magic Records y en 1981 formaron Pantera. Despues de grabar cuatro discos sin excesiva repercusión a nivel internacional, el lanzamiento de Cowboys From Hell en 1990 significó el punto de partida hacia la gloria. Después de una radical metamorfosis el grupo dejó atrás su imagen de pelos encrespados y el air metal para incursionar en terrenos más salvajes, a base de zarpazos electrificados, alcanzó el reconocimiento de millones de seguidores de todo el planeta.

La relación entre los hermanos Abbott, que se llevaban algo más de dos años de diferencia, Vinnie nació el 11 de marzo de 1964 y Darrell el 20 de agosto de 1966, fue siempre de total concordia, inseparables hasta que el 8 de diciembre de 2004 Dimebag falleció, asesinado a tiros por un desquiciado, durante una actuación de Damageplan, la nueva formación que habían montado ambos hermanos tras la separación de Pantera.

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Mantener un grupo de música con una misma formación durante toda su carrera artística es un lujo que pocos se han permitido pero… ¿y si dentro de la banda hay hermanos? ¿Favorece esto la unión o, puede acarrear problemas internos? Y, por otra parte, ¿los hermanos siempre se mantienen juntos ante las discrepancias surgidas en el seno de la banda?

A continuación vamos a desvelar algunos de estos interrogantes y, de paso, repasaremos las diversas bandas de hard rock o heavy metal que han contado en sus filas con hermanos. Algunas, seguro que el lector ya las tiene en su mente, son las más famosas… AC/DC, Pantera, Van Halen, Sepultura y, por supuesto, comandando la parte estatal, Barón Rojo. Pero no son los únicos, hay más, quizá no tan conocidos y, quizá, olvidados de la memoria colectiva.

Sin duda, Young, Van Halen, Cavalera y Abbott son, posiblemente, los apellidos más ilustres que ha dado el heavy metal. Todos, en su momento, alcanzaron el reconocimiento internacional; son apellidos con una particularidad y es que están compartidos por hermanos que forman o formaron parte de bandas que alcanzaron el reconocimiento internacional.

LOS YOUNG

Cronológicamente, los Young irrumpieron antes en la escena y, hay que resaltar que, además de Angus, nacido el 31 de marzo de 1955, en Glasgow (Escocia), al igual que Malcolm, nacido el 6 de enero de 1953, ambos motores fundamentales en el nacimiento de AC/DC, tuvieron a su lado a un tercer hermano, George, quien después de alcanzar el éxito junto a Harry Vanda con los Easybeats, se dedicó a apoyar a sus hermanos en lo que respecta al apartado de composición y producción. Se puede decir que, en los inicios de la banda, fue el “hombre en la sombra”, dispuesto a solucionar cualquier inconveniente y aportó mucho más de lo que se pueda pensar.

Pero, tanto Angus como Malcolm, también estuvieron influenciados por su hermana mayor, Margaret, quien les introdujo en el universo del rock dejándoles escuchar los discos de pioneros como Chuck Berry, Fats Domino o Little Richard. Por otra parte, en su casa no faltaban los instrumentos musicales; así, Angus ejecutó sus primeros escarceos con un banjo al que le faltaban algunas cuerdas. También fue Margaret quien tuvo la idea del nombre (pensaban llamarse en un principio Third World War), al ver reflejadas las famosas siglas detrás de una máquina de coser. Aunque aquí la historia tiene dos versiones ya que hay quien afirma que fue su cuñada Sandra, mujer de George, quien sacó la idea de una aspiradora. El mérito que no pueden arrebatarle a Margaret es el de haber animado a su hermano a salir a tocar con el uniforme escolar, acordándose de cuando Angus llegaba apresurado de la escuela y comenzaba a tocar la guitarra encima de la cama de su habitación como un poseso durante interminables sesiones. De esta forma, lo que iba a ser un disfraz para una sola actuación con la intención de impactar a la audiencia se convirtió en uno de los ritos obligados en la trayectoria del grupo australiano.

Emigrados a Australia en 1963 con toda la familia, tanto Malcolm como Angus dejaron la escuela con poco más de 14 años. El fracaso escolar les llevó a trabajar en diversos sitios, el mayor de los dos estuvo primero de aprendiz de mecánico y luego de técnico de mantenimiento de máquinas de coser en una fábrica de sostenes mientras que el pequeño acabó en la imprenta donde se hacía una revista erótica llamada Ribald.

Pero, el entorno familiar con el ejemplo de su hermano mayor George, triunfador con los Easybeats, y su propia condición autodidacta, inspiraban un futuro ligado a la música; seguramente, en aquellos primeros años nunca llegaron a pensar hasta dónde llegaría su popularidad.

Aunque cada hermano se buscó la vida por su cuenta, era cuestión de tiempo el que ambos coincidieran en una banda. Angus formó parte de Kentuckee y Tantrum, mientras que Malcolm, tras pasar por algunos proyectos poco consistentes se enroló con The Velvet Underground (nada que ver con la famosa formación estadounidense), donde militaba un tal Dave Evans como vocalista. Fue su primera formación seria pero las aspiraciones del futuro guitarra rítmica de AC/DC pasaban por formar una banda propia para amoldarla a sus ideas.

Finalmente, junto con Evans y otros músicos que fueron cambiando, comenzó la actividad primigenia de AC/DC, donde Angus se tuvo que ganar el puesto haciendo una audición. Durante un tiempo, ambos hermanos intercambiaban el puesto de guitarra rítmica y solista, hasta que fueron evidentes las mejores aptitudes del menor.

Su primer concierto, aún con una formación inestable, fue en Chequers, un club de Sydney, era fin de año de 1973; a continuación el frenetismo de Angus en las actuaciones comenzó a llamar la atención y, poco tiempo después, ayudados por George en la producción entraban en un estudio para grabar su primer single, “Can I Sit Next To You Girl”, en cuya cara B incluyeron “Rockin’ In The Parlour.

Desde entonces, ambos hermanos han mantenido una relación en la que apenas han trascendido conflictos. La fama y la gloria no fueron obstáculos para mantener la unión familiar. Ni siquiera pudo desestabilizar la trayectoria de AC/DC el problema de Malcolm con el alcohol, felizmente superado a principios de los 90 tras realizar un tratamiento de desintoxicación. Curiosamente, su ausencia durante la gira de The Razors Edge, fue solventada por la presencia de su sobrino, Steve Young. Los lazos familiares seguían imponiéndose.

La conclusión es que, más allá de los retoques que ha sufrido la alineación de AC/DC, algunos traumáticos como en el fallecido Bon Scott, los hermanos Young siempre han permanecido unidos.

LOS VAN HALEN

Si los Young forjaron su estilo de forma autodidacta fijándose en su hermano mayor, los Van Halen, que de igual modo se llevan dos años de diferencia, como Angus y Malcolm, ingresaron en el mundo de la música de una forma muy distinta. Tanto Eddie como Alex tuvieron una formación clásica desde pequeños, incluso, daban recitales de piano estimulados por su progenitor que también era músico y tocaba el saxofón. Nacidos en Holanda, siendo niños se trasladaron a Pasadena (Estados Unidos), donde siguieron con sus clases de solfeo.

Poco a poco el espíritu del rock fue desequilibrando la balanza hacia otros derroteros muy distintos a los que les había inclinado su padre y comenzó la “iniciación”. En un principio, Eddie optó por la batería mientras que Alex se decidió por la guitarra pero ambos se dieron cuenta de que estaban apostando por el instrumento equivocado e hicieron un intercambio que, a la larga, resultó providencial.

Una vez terminada la educación secundaria dieron sus primero pasos artísticos bajo el nombre de Mammoth, banda en la que al principio Eddie se encargaba también de las voces, cosa que no le gustaba, hasta que dieron con David Lee Roth y dejó de cantar.

En 1977 el bajista de Kiss, Gene Simmons, presenció una de sus actuaciones en The Starwood y se ofreció para producirles una demo en la que incluyeron “Runnin’ With The Devil” y “House Of Pain”, sin obtener demasiado éxito con las discográficas. Ese mismo año, a insistencia de Simmons, el productor Ted Templeman asistió a un concierto que resultó decisivo para su fichaje por Warner y la publicación de su primer disco de título homónimo en 1978.

Desde entonces, los hermanos Van Halen han permanecido unidos a pesar de las avatares que ha sufrido la formación con los enfrentamientos, primero con David Lee Roth y posteriormente con Sammy Hagar. Incluso, Michael Anthony salió perjudicado quedando marginado del grupo después de muchos años pero, los lazos familiares de Eddie y Alex nunca se han roto. Incluso, en la actualidad, el bajista de la banda es el propio hijo de Eddie, Wolfgang. Otro caso donde se imponen los lazos familiares.

Próxima entrega: Los Cavalera y los Abbott

 

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POR LOCKY PEREZ

Los míticos Judas Priest, pioneros del heavy metal, estilo que les convirtió en unos auténticos maestros y en una de las principales referencias de la historia, han anunciado de forma oficial a través de su página web, una gira mundial de despedida en 2011 que pondrá fin a su trayectoria tras más de 40 años de actividad.

La gira, denominada Epitaph Tour, comenzará en Europa y ya tiene establecidas algunas fechas correspondientes a su presencia en grandes festivales de verano: 9 de junio, Sweden Rock Festival en Sölvesborg (Suecia); 11 de junio, Sauna Open Air en Tampere (Finlandia); 17 de junio, Copenhell Festival en Copenhage (Dinamarca); 19 de junio, Hellfest en Clisson (Francia); 22 de junio, Gods Of Metal en Milán (Italia); 25 de junio, Graspop Metal Meeting en Dessel (Bélgica); 23 de julio, High Voltage Festival de Londres (Inglaterra) y 5 de agosto Wacken Open Air en Wacken (Alemania). Por el momento no hay fechas confirmadas para España.

De esta forma, KK Downing (guitarra), Glenn Tipton (guitarra), Ian Hill (bajo), Scott Travis (batería) y Rob Halford (vocalista), se despedirán de sus millares de seguidores repartidos por el planeta, a los 8 años del regreso de su carismático vocalista tras una dolorosa separación que duró diez años, desde 1993 a 2003.

Tras el retorno de Rob, Judas Priest publicaron Angel Of Retribution (2005) y el álbum conceptual Nostradamus (2008), además de los directos A Touch Of Evil: Live (2009) y British Steel 30 Anniversary Live (2010).

La formación británica debutó en 1974 con la publicación de Rocka Rolla. La década de los setenta estuvo definida por discos clásicos que marcaron el camino a seguir como, Sad Wings Of Destiny (76) y Sin After Sin (77). En los 80 irrumpieron con fuerza con British Steel (80), otro trabajo imperecedero, además de facturar dos de sus “obras cumbre”, Screaming For Vengeance (82) y Defenders Of The Faith (84). En los 90 comenzaron pletóricos con Painkiller (90); luego llegó la marcha de Halford, quedando parte de la magia de la banda diluida por su ausencia, a pesar de la eficaz labor de su sustituto, Tim “Ripper” Owens.

Judas Priest, es una de las bandas de heavy metal que más discos ha vendido durante toda su carrera, traspasando la cantidad de 70 millones de copias.

 

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LOCKY PEREZ

 

 

Esta es la última entrega de la serie de artículos dedicados a los vocalistas del heavy metal. Después de las anteriores, dedicadas a las separaciones conflictivas, a aquellos que fueron expulsados, a quienes quisieron probar nuevas aventuras por su cuenta y a los sustitutos de emergencia, la parte final está dedicada a los cantantes más inquietos, los que han realizado un largo recorrido, en plan trotamundos, pasando por innumerables formaciones o involucrados en numerosos proyectos. Después de haber hecho una selección para no alargarnos en exceso, los merecedores de compartir espacio han sido Joe Lynn Turner y Jeff Scott Soto, ambos por méritos adquiridos al resultar dos de los vocalistas más “trabajadores” de todos los tiempos.

JOE LYNN TURNER

Comenzaremos con el veterano Joe Lynn Turner quien en agosto del 2011 cumplirá nada menos que 60 años, 35 dedicados a la música. Aunque deberían ser más si contáramos su actividad en edad escolar y los diversos grupos de garaje por los que pasó.

Su primera experiencia seria y profesional comenzó en 1976 con el grupo Fandango, con quienes grabó cuatro discos entre 1977 y 1980. Su trabajo llamó la atención de Ritchie Blackmore para incorporarlo a Rainbow después del paso de Ronnie James Dio y Graham Bonnet.

Su debut en Difficult To Cure (81), fue todo un exitazo comercial, algo que repetiría posteriormente con Straight Between The Eyes (82) y Ben Out Of Shape (83), contribuyendo a engrandecer la fama del grupo liderado por Blackmore. La disolución de Rainbow en 1985 para reactivar la trayectoria de Deep Purple dejó a Joe en la estacada, aunque sus cualidades la permitieron iniciar su carrera en solitario con el álbum Rescue You, editado en 1985. A partir de ahí comenzó a compaginar los diversos proyectos que fueron surgiendo con la publicación en solitario. Así, en la década de los 90 lanzó 5 nuevos trabajos y, a partir de 2000, otros siete, el último de ellos en directo en 2008.

Tampoco se puede pasar por alto su etapa con Yngwie Malmsteen, con el que grabó y coescribió Odyssey en 1988, uno de los discos más comerciales del guitarrista sueco, y la posterior gira mundial de la que salió el directo Trial By Fire: Live In Leningrad; ni su reencuentro con Blackmore al vincularse a Deep Purple en 1989, con quienes grabó Slaves And Masters (90) y participó en la gira mundial de presentación.

Una vez fuera de Deep Purple, se alió con Carmine Appice (batería), Jeff Watson (guitarrista de Night Ranger) y el bajista Bob Daisley, por ese entonces en la banda de Ozzy Osbourne, para formar Mother’s Army y componer tres discos entre 1993 y 1998. Pero, no esa no era la única actividad del vocalista ya que, en los 90, también se involucró en numerosas colaboraciones y proyectos, entre otros, el Hughes Turner Proyect, junto a Glenn Hugues, del que salieron dos discos, y con Brazen Abbot, banda liderada por el guitarrista búlgaro Nikolo Kotzen, con quien compartió tareas en cinco álbumes.

Más cercanas en el tiempo están las colaboraciones junto al músico ruso Mikhail Man en 2005, en la que también intervino Glenn Hugues y de la que salió Live In Moscow.

De su participación en el proyecto Sunstorm surgió un álbum homónimo en 2006, además de House Of Dreams en 2009, al lado de Uwe Reitenauer y Thorsten Koehne (guitarras), Chris Smitdt (batería), Gunter Werno (teclados) y Dennis Ward (Pink Cream 69).

Por si no fuera suficiente, en 2009 se embarcó en una gira con Big Noize, una formación dedicada a rescatar grandes clásicos de los grupos por los que ha pasado Joe y en la que estaban implicados Carlos Cavazo (Quiet Riot), Phil Soussan (Ozzy), Simon Wright (ex AC/DC) y Eric Norlander (Lana Lane) y que tuvimos la ocasión de ver en España.

Finalmente, reseñar la reactivación de los míticos Rainbow, también en 2009, con el hijo de Ritchie Blackmore a la guitarra, Tony Carey, Bobby Rondinelli y Greg Smith, para realizar una gira bajo el nombre de Over The Rainbow.

Todo ello sin mencionar su participación como colaborador junto a una larga lista de artistas de todos los estilos que nos llevaría al agobio.

JEFF SCOTT SOTO

El vocalista estadounidense de origen portorriqueño Jeff Scott Soto es otro “trotamundos” de mucho cuidado. Su trayectoria ha estado vinculada a importantes guitarristas, así como a formaciones de gran prestigio, sin descuidar sus trabajos como artista solitario.

Obviamente, descubrir la capacidad de Jeff a estas alturas es redundar en un hecho consumado. Sus recursos vocales lo sitúan como un cantante versátil, capacitado para incursionar en los registros más diversos.

Para la historia han quedado sus intervenciones en los dos primeros álbumes de Yngwie Malmsteen, Rising Force (84), donde aportó las pocas voces que incluía y, Marching Out (85) aquí ya totalmente cantado. En 1996 se volvería a encontrar con el “guitar hero” sueco para colaborar en algunas canciones del disco de versiones Inspiration.

Pero la banda que posibilitó si posterior reconocimiento internacional fue, sin duda, Talisman, publicando 7 álbumes de 1990 hasta 2006. Un año después la formación dejó de existir tras el fallecimiento de su principal compositor, Marcel Jacob.

Otra formación relevante con la que Jeff se involucró en los 90 fue Takara, participando en su debut de 1993, Eternal Fight, editando posteriormente dos nuevos discos hasta desvincularse en 1998.

Pero es que, además, Jeff inició su carrera en solitario en 1994 publicando Love Parade y aún tuvo tiempo de participar en diversas grabaciones del guitarrista alemán Axel Rudi Pell, la primera, Eternal Prisoner (92) y la última, Magic (97), pero no las únicas; sin olvidar su estancia en Eyes, con quienes grabó su debut homónimo en 1990 y el siguiente en 1993, Windows Of The Soul. Por último, añadir el proyecto Human Clay del que también surgieron un par de LP’s en los 90 y un tercero en 2003.

Y ya que hemos cambiado de década, centrémonos en los años 2000. En los que tampoco le faltó trabajo a Soto. Aparte de ir aumentando su producción en solitario con EP’s y LP’s, el último en estudio Beautiful Mess así como el directo One Night In Madrid, ambos en 2009, se unió a otro proyecto junto a su colega de Talisman, Marcel Jacob, denominado Humanimal, publicando un álbum homónimo en 2002.

En 2005 participó en otro brillante proyecto denominado Soul Sirkus junto al guitarrista de Journey, Neal Schon, además de Marco Mendoza y Virgil Donati, con quienes publicó el excelente y recomendable World Play.

Más cercana en el tiempo está su participación en W.E.T., otra “aventura” deslumbrante junto al guitarrista Robert Säll (Work Of Art) y a Erik Martensson (Eclipse), encargado de guitarras, bajo y teclados, que lanzaron el pasado 2009 un competente álbum. Por si esto no fuera suficiente, el mismo 2009 también estuvo ocupado en colaborar con el proyecto de Jon Oliva, Trans-Siberian Orchestra, aportando algunas voces.

Obviamente, no podemos pasar por alto su vinculación a Journey en 2007, con quienes estuvo realizando una extensa gira, y su aún no esclarecida despedida antes de grabar un nuevo álbum. Un misterio que ni el propio Scott Soto ha sabido aclarar.

Al igual que Joe Lynn Turner, la lista de colaboraciones de Jeff junto a diversos artistas se alargaría hasta el infinito pero, podemos nombrar a: Threashold, Kuni, Panher, Alex Masi, Gary Schutt, Chris Catena, Danger Angel e, incluso, a nuestro compatriota Jorge Salán.

 

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LOCKY PEREZ

 

Continuamos la serie de artículos dedicados a los vocalistas del heavy metal. Después de anteriores entregas dedicadas a las separaciones conflictivas y a aquellos que fueron expulsados con premeditación y alevosía, seguimos con quienes fueron escogidos como sustitutos. Después de haber contado los casos de Tim Owens, John Corabi, Blaze Bayley y John Bush, toca el turno de Sammy Hagar y Gary Cherone, ambos asociados, de distinta manera, a Van Halen.

SAMMY HAGAR

La incorporación de Sammy Hagar a Van Halen en sustitución de su vocalista original, no fue asimilada por un sector del público. Los seguidores del popular grupo estadounidense se dividieron en dos corrientes, los que mantenían la defensa del sonido de la era David Lee Roth y quienes apostaban por el futuro con el nuevo cantante, en una línea más comercial que ya había dejado su huella antes de su vinculación, con el álbum 1984.

La llegada de Sammy, acrecentó la derivación del estilo hacia perfiles accesibles que posibilitaron una segunda etapa donde Van Halen no solo ratificaron su exitosa escalada hacia el triunfo sino que consiguieron llegar a un mayor número de aficionados.

Al llegar, Hagar era ya un reputado compositor que había gozado del éxito junto a Ronnie Montrose, entre 1973 y 1975, además de haber forjado una sólida carrera en solitario desde 1976 y de la que surgieron hits como “I Can’t Drive 55”, “There’s Only One Way To Rock” o, “Heavy Metal”. También había estado involucrado en un proyecto efímero denominado H.S.A.S., que incluía a Neal Schon, Kenny Aaronson (ex Foghat) y Michael Shrieve (ex Santana). Una especie de supergrupo que apenas duró un año.

La llamada le pilló en el momento más oportuno ya que estaba analizando el futuro de su carrera cuando le fue solicitada su incorporación. Por supuesto, no desaprovechó la ocasión y su vinculación coincidió con la definitiva expansión del grupo alrededor de todo el planeta, consiguiendo que los cuatro álbumes grabados durante ese periodo, 5150 (86), OU812 (88), For Unlawful Carnal Knowledge (91) y Balance (95), alcanzasen el número 1 en las listas de Estados Unidos, con numerosas canciones introduciéndose en posiciones de preferencia. Además fueron nominados para los premios Grammy, ganándolo en 1991. Todo funcionaba de maravilla hasta que, tal como había pasado con Roth, el carácter irascible de Eddie, en parte provocado por su dependencia del alcohol, unido a la falta de ideas para componer un nuevo álbum, fue mermando la amistad con Sammy.

Se han escrito infinidad de artículos sobre el conflicto entre los hermanos Van Halen y Sammy Hagar, así como numerosas declaraciones de una parte y de otra. Los unos insisten en que el vocalista se fue por su propia voluntad y el otro alega que fue despedido. Como suele ser habitual, la línea que separa la verdad de cada parte es difícil de trazar. Sin embargo, después de los años Hagar ha aportado datos sobre su posición, ofreciendo información que esclarece algo el asunto.

Según el vocalista/guitarrista, llegó un momento en el que no fueron capaces de ponerse de acuerdo con respecto a la creación de nuevos temas. El conflicto comenzó con la banda sonora para la película Twister; luego, Sammy no creyó conveniente sacar un “grandes éxitos” lo que le volvió a enfrentar con los hermanos quienes se salieron con la suya, involucrándose en una nueva gira coincidiendo con el lanzamiento del recopilatorio. Poco tiempo después, tras once años, la relación se truncó por primera vez.

Mientras el cantante retomaba su carrera en solitario, en Van Halen se especulaba con la posibilidad del retorno de David Lee Roth pero, tras hacer una aparición conjunta en la entrega de los premios de la MTV, quedó desmentida tal posibilidad en un nuevo cruce de declaraciones en ambas partes que dejó confundidos tanto a medios como a seguidores.

Aquí entra en acción el otro protagonista de este artículo, Gary Cherone, pero su historia queda para el final. Saltándonos esta etapa, encontramos seis años de silencio creativo, solo salpicado con noticias alejadas del ámbito musical que afectaron directamente a Eddie como, su operación de cadera, el tratamiento contra el cáncer de garganta y su divorcio después de 21 años de matrimonio.

Otro dato curioso es que en 2002, mientras Van Halen seguía en el lado oscuro, Sammy Hagar y David Lee Roth se “inventaron” una gira conjunta con excelente rendimiento, con asistencia de numeroso público y presencia en algunos conciertos de Michael Anthony.

Llegados al 2004, se anuncia un nuevo álbum de grandes éxitos, Best Of Both Worlds, con canciones tanto de David como de Sammy, y ¡sorpresa!, se produce el retorno de Hagar cuya pretensión es crean nuevas composiciones pero, llegado el momento de entrar en el estudio, tras varios meses infructuosos, deciden dejarlo e involucrarse en una nueva gira donde las tensiones surgen de nuevo. Eddie, protagoniza un serio incidente en uno de los vuelos que transporta a la banda intentando romper a puñetazos una ventana del avión. Sammy, reacciona y pone como condición para terminar la gira viajar en un avión distinto, lo que le es concedido.

El tiempo pasa y Sammy, un tipo activo y en constante actividad, desea, componer, facturar un nuevo álbum y salir de gira para promocionarlo, pero Eddie, afectado por el abuso de la bebida, las enfermedades y la falta de inspiración, deja pasar el tiempo, hasta que, el primero se cansa y deja el grupo por segunda vez, y de forma definitiva, para seguir su carrera artística con su grupo The Waboritas, dirigir su club Cabo Wabo y gestionar su marca de tequila, el 80 por ciento de cuyos derechos vende a una multinacional para asegurarse una existencia de absoluta tranquilidad económica.

La última jugada de Sammy Hagar, es su apuesta por el supergrupo Chikenfoot, aliado con personajes de la talla de Chad Smith, batería de Red Hot Chilli Peppers, el guitarrista Joe Satriani y el propio Michael Anthony al bajo, junto a quienes publicó en 2009 su álbum debut homónimo.

Así pues, la presencia de Sammy Hagar en Van Halen, representa sin duda la cumbre de su trayectoria y, aunque la banda ya había saboreado las mieles del éxito, con él alcanzó su cenit, seguramente, imposible de alcanzar a estas alturas a pesar de la vuelta de David Lee Roth.

GARY CHERONE

La unión del vocalista de Extreme, Gary Cherone, a Van Halen, puede considerarse en toda regla como una solución de urgencia. La marcha de Sammy Hagar y con David Lee Roth, entre el sí y el no, imponía una decisión rápida.

El elemento clave fue Ray Danniels, en aquellos momentos manager de ambas formaciones, quien sugirió a Eddie que probase a Gary. Después de haber interpretado algunos clásicos, fue invitado a unirse al grupo. No tuvo que pensárselo mucho ya que por entonces Extreme acababan de disolverse.

El aporte de Cherone, quien ya había demostrado su valía con Extreme, fue Van Halen III (98), un disco más en sintonía con la primera época del grupo, alejado de las grandilocuentes y superproducidas grabaciones de la “etapa Hagar”. Este era un trabajo más orgánico que no satisfizo a unos seguidores ya acostumbrados a otro tipo de productos. Además, la correspondiente gira de presentación tampoco tuvo la repercusión esperada. Era obvio que la “solución Cherone” tenía los días contados y así fue.

La separación fue amistosa, nada que ver con las polémicas anteriores, quizá, también, porque la coyuntura no era la misma. Se especula que el grupo se vio forzado a despedirle por presiones de la discográfica debido a las pobres ventas. Lo cierto es que ha sido el único disco de Van Halen hasta la fecha en no alcanzar el estatus de platino.

En conclusión, la capacidad de Gary Cherone, no puede condicionarse a su paso por Van Halen. Había mostrado ya sus condiciones en Extreme, ratificadas con su regreso en 2004 y el excelente disco Saudades de Rock, publicado en 2009. Posiblemente fue víctima de la alargada sombra de dos “monstruos” como David Lee Roth y Sammy Hagar.

Próxima entrega: Trotamundos: Joe Lyn Turner, Jeff Scott Soto, Graham Bonet…

 

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LOCKY PEREZ

Continuamos la serie de artículos dedicados a los vocalistas del heavy metal; de aquellos que quisieron probar otras alternativas y de los que se vieron forzados a hacerlo. Después de anteriores entregas dedicadas a las separaciones conflictivas y a aquellos que fueron expulsados con premeditación y alevosía por su comportamiento o por no encajar ya en el seno de la banda, seguimos con quienes fueron escogidos como sustitutos; en algunos casos, pensando que podrían hacerse con el puesto de forma definitiva. Sin embargo, todos los aludidos aquí tienen el denominador común de no haber conseguido afianzarse en el puesto. Después de haber contado los casos de Tim Owens y John Corabi, ahora lo hacemos con Blaze Bayley y John Bush.

BLAZE BAYLEY

En el fondo, ni el propio Blaze Bayley se creía que podía encajar en Iron Maiden, sin embargo el destino le reservó, no 15 minutos de gloria, sino varios años. Aunque tampoco se puede decir que fuese un camino de rosas.

Lo cierto es que su trabajo con Wolfsbane y el hecho de que fuesen colegas, prevaleció sobre su capacidad para reemplazar con garantías a Bruce Dickinson ya que sus registros vocales contaban con evidentes diferencias.

Así pues, se trataba de una solución de urgencia que tenía el tiempo limitado. Solo era cuestión de encontrar a otro cantante o, esperar el retorno de Bruce, como así sucedió.

Mientras tanto, Blaze disfrutó todo lo que pudo con su pertenencia a una de las formaciones más importantes de la historia del heavy metal. Su primera contribución en estudio, The X Factor (95), a pesar de vender lo suficiente, coincidió con un bajón a nivel de aceptación tanto de crítica como de fans. Bien es cierto que tampoco se le puede achacar toda la culpa al vocalista ya que el álbum carecía de canciones con la “pegada” acostumbrada. De todas formas, Blaze fue protagonista de la correspondiente gira mundial que les llevó por vez primera a lugares como Sudáfrica o Israel.

El segundo y último aporte de Blaze para Iron Maiden fue Virtual XI (98). Posiblemente, el disco más flojo de toda la trayectoria de la formación británica. Un descenso en las ventas, así como diversos problemas de Bayley con su garganta llevaron a una incómoda situación que acabó con su salida del grupo. El sueño (y la suplencia) había terminado.

VIDA DESPUES DE IRON MAIDEN

Es difícil pronosticar qué hubiera sido de Blaze Bayley si hubiese seguido junto a Wolfsbane. Lo que está claro es que su pertenencia a la “Dama de Hierro” posibilitó el inicio de una carrera en solitario que quizá no hubiera fructificado en otras circunstancias.

Después de grabar Silicon Messiah (2000), Tenth Dimenson (02) y Blood And Belief (04), aún bajo el estigma de Iron Maiden, y con el nombre de Blaze a modo de reclamo para los fans, la formación al completo se disgregó por diversas circunstancias y Bayley volvió a empezar de nuevo. Tras realizar algunas actuaciones y con una formación inestable durante largo tiempo, en 2007 recluta a los hermanos colombianos Bermúdez, David (bajo) y Nico (guitarra) quienes, junto al guitarrista Jay Walsh y al batería Lawrence Paterson, facturan, The Man Who Would Not Die (08), un álbum de excelente nivel enmarcado en los vértices de heavy metal clásico pero con la suficiente personalidad como para mostrar tanto la creatividad a la hora de componer como el buen estado del vocalista.

Parece que la sombra de Iron Maiden es ya solo un bonito recuerdo y que Blaze es una formación competitiva que puede seguir adelante por su propia capacidad, algo que se demuestra plenamente con la edición, este mismo año, de Promise And Terror, otro gran álbum de heavy metal moderno con un atractivo contenido.

En resumen, estaríamos equivocados en valorar la trayectoria de Blaze solo por su estancia en Iron Maiden. Con el tiempo, ha evidenciado ser capaz de conformar una banda con garantías de continuidad a poco que la suerte les acompañe y los aficionados al heavy metal dejen de verle como quien fuese sustituto de Bruce Dickinson en la etapa más oscura de los británicos.

JOHN BUSH

El caso de John Bush y Anthrax es otra de esas historias de encuentros y desencuentros, con daños colaterales, que terminó cuando el bueno de John dijo basta y cortó por lo sano.

Llamado para sustituir a Joey Belladonna en unos momentos en los que la banda quería dar un giro a su estilo, dejó Armored Saint y se incorporó en 1992, debutando con el excelente Sound Of White Noise (93). Efectivamente, Anthrax había dado un cambio para bien y el sacrificado había sido Belladonna.

El “matrimonio” duró 13 años, durante los cuales se sucedieron, Stomp 442 (95), Volume 8: The Treat Is Real (98), We’ve Come For You All (03) y The Greater Of Two Evils (04), esté último un recopilatorio de clásicos interpretados por John.

En un curioso momento de esta “aventura”, John y Joey compartieron protagonismo cuando, el último, fue invitado a la grabación del recopilatorio de grandes éxitos Return Of The Killer A’s lanzado en 1999, en el que se incluía la versión del grupo Temptations, “Ball Of Confusión” y en la que participaban ambos vocalistas.

Todo parecía ir sobre ruedas y la sustitución apuntaba a una definitiva consolidación. Sin embargo, el peso de la historia, la típica mirada nostálgica al pasado y la posibilidad de recaudar dinero extra tentaron a la formación neoyorquina, que no pudo negarse a la realización de una gira con la formación original, incluyendo a Joey a las vocales.

JOEY BELLADONA Y DAN NELSON

Así las cosas, en 2005, se anunció una gira conmemorativa con la formación de Among The Living. La primera idea era realizar el acontecimiento con ambos vocalistas, cada uno cantando los temas de su etapa. John Bush lo entendió, incluso llegó a manifestar posteriormente que siempre había tenido presente que en algún momento podía suceder que Joey regresase. Pero no aceptó el juego y dejó la banda.

Anthrax se embarcó en la gira con Belladonna y, una vez concluida, cuando parecía que el antiguo vocalista podría recuperar su puesto, se dio por terminada la colaboración, supuestamente, por motivos económicos e incompatibilidad de caracteres.

Con Belladonna defenestrado de nuevo y Bush negándose a volver. Anthrax emprendieron la tarea de buscar otro cantante. En un principio se especuló con la posibilidad de que Corey Taylor de Slipknot fuese el elegido. No obstante, presiones de la discográfica del grupo de Iowa provocó la desestimación de la idea, aunque luego Charlie Benante comentara que el contacto con Taylor era para un proyecto paralelo, no para vincularse a Anthrax.

En 2007, con la formación sin vocalista, Rob Caggiano, a quien se le había dado el puesto fijo de guitarrista, sugirió a un conocido para el puesto. Es así como entra en escena Dan Nelson, con quien la banda realiza diversas actuaciones, incluso taloneando a Iron Maiden, y con quien comienzan a grabar su nuevo álbum Worship Music, que debía aparecer en 2010. Pero, de forma sorprendente, cuando el disco está prácticamente listo y ya se ha realizado la promoción correspondiente, incluyendo entrevistas en los medios, se da marcha atrás, se paraliza todo y se anuncia la misteriosa salida de Nelson, cuyo corto curriculum solo muestra vínculos con formaciones de escasa trascendencia como Devilsize y Me My Enemy.

Es así como en 2009 se entabla contacto de nuevo con John Bush quien accede a participar en algunos de los compromisos en directo más importantes de la banda, como el Sonisphere en Inglaterra y, en febrero del 2010, en el Soundwave Festival de Australia. Todo parece indicar que la reconciliación es un hecho y que Anthrax contará con Bush para el evento del siglo, la reunión del Big Four, junto a Megadeth, Metallica y Slayer en los Sonisphere de Polonia y Bulgaria. Sin embargo, el “culebrón” continua, John se lo piensa mejor y decide dejar de pertenecer a Anthrax.

Con la importante expectativa que ha causado el anuncio de la actuación conjunta de los cuatro grandes históricos del thrash, recurren, una vez más, a Joey Belladonna, quien tampoco le hace ascos a la posibilidad de reverdecer los laureles del éxito.

Aquí acaba la vinculación de John Bush con Anthrax (de momento) quien, por otra parte, sorprende al entregar con su antigua banda Armored Saint, uno de los álbumes más interesantes del 2010, La Raza. Por otra parte, el único trabajo importante en estudio que ha realizado el vocalista tras sus continuos devaneos con Scott Ian y Charly Benante.

Próxima entrega: Sammy Hagar y Gary Cherone.

 

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POR LOCKY PEREZ

Continuamos la serie de artículos dedicados a los vocalistas del heavy metal; de aquellos que quisieron probar otras alternativas y de los que se vieron forzados a hacerlo. Después de anteriores entregas dedicadas a las separaciones conflictivas y a aquellos que fueron expulsados con premeditación y alevosía por su comportamiento o por no encajar ya en el seno de la banda, ahora es el turno de quienes fueron escogidos como sustitutos; en algunos casos, pensando que podrían hacerse con el puesto de forma definitiva. Sin embargo, todos los aludidos aquí y en próximas entregas tiene el denominador común de no haber conseguido afianzarse en el puesto: Tim Owens, Blaze Bayley, John Bush, Sammy Hagar, John Corabi y Gary Cherone.

En primer lugar tenemos dos casos que por la importancia del vocalista al que sustituyeron así como la relevancia del grupo al que se incorporaron, nunca obtuvieron el total respaldo de los seguidores, me refiero a Tim “Ripper” Owens en Judas Priest y a Blaze Bayley en Iron Maiden. Empezaremos por Owens y en la próxima entrega trataremos el caso de Bayley.

TIM OWENS

Difícil papeleta la del bueno de Tim, sustituir nada menos que al “Metal God” Rob Halford. Sin embargo, su debut con los “maestros” del heavy metal, estuvo a la altura de las circunstancias. Teniendo en cuenta que Owens era prácticamente un desconocido que había iniciado su carrera en una banda tributo a Judas Priest denominada British Steel y que su corto “background” incluía además el álbum debut de Winter’s Bane, Heart Of A Killer (93), su trabajo en Jugulator (97) puede calificarse de notable. El cantante de Ohio, encajó perfectamente en el contexto de las composiciones gracias a su similar registro vocal con respecto al de Rob. El problema fue que se trataba del sucesor de Painkiller (90), todo un “pelotazo” de la banda británica tras sus experimentos con Turbo (86) y el no tan efectivo Ram It Down (88). Para ser sinceros, Jugulator superaba a Ram It Down.

Demolition (2001), ya fue otra cosa. Sin tratarse de un mal disco, carecía de la consistencia del anterior, a pesar de que tenía material aprovechable. Pero tampoco se le puede achacar la culpa a Tim ya que era un problema de nivel compositivo.

Nadie puede discutir que Owens tuvo su oportunidad y la supo aprovechar, prueba de ello es que desde su salida de Judas Priest en 2003 trabajo no le ha faltado. La propia sinergia de las cosas puso de nuevo a Halford en su puesto de origen y a Tim en la calle en busca de nuevas oportunidades.

Y las obtuvo de forma inmediata ya que fue captado por Jon Schaffer para ocupar el puesto de Matt Barlow en Iced Earth, donde tuvo la ocasión de volver a mostrar sus cualidades en The Glorious Burden (2004), Overture Of The Wicked (2007) y Framing Armageddon (Something Wicked Part 1), también de 2007. No obstante Owens, hombre precavido, había montado Beyond Fear, una banda paralela junto a sus colegas de los tiempos de Winter’s Bane, Dennis Hayes y John Comprix. Así, cuando el regreso de Barlow provocó una nueva salida, Tim ya tenía disco homónimo con su nueva formación.

La llamada del “Master & Commander” de las seis cuerdas, Yngwie Malmsteen para grabar las voces de Perpetual Flame (2008), High Impact (2009) y Relentless, a publicarse en noviembre de 2010, solo hace que aumentar la credibilidad de un vocalista al que no se le dio todo el crédito que mereció durante su estancia en Judas. Credibilidad ratificada cuando fue llamado a incorporarse al supergrupo Charred Walls Of The Damned formado en 2009 y que cuenta con la presencia del batería Richard Christy (ex Iced Earth), el bajista Steve DiGiorgio, involucrado en infinidad de colaboraciones en bandas como Control Denied, Testament y Obituary, entre otras y, el productor y compositor Jason Suecof (Trivium, All The Remains, Devildriver, Chimaira, etc), aquí ejerciendo de guitarrista.

Por si no fuera suficiente, Tim Owens también tuvo su aventura en solitario, aunque apoyándose en diversos guitarristas, quienes participaron en su álbum Play Me Game (2009), que sin ser un disco completo, demostraba que también sabía componer.

Qué se puede extraer de la vinculación de Tim a Judas Priest? Sin duda que significó un magnífico trampolín para entrar por la puerta grande en el mundo del heavy metal. Quizá, por sus condiciones vocales, en algún momento hubiera despegado su carrera pero, seguramente, por otros derroteros y con más dificultades.

JOHN CORABI

Conocido hasta ese momento por fomar parte de The Scream, banda de Los Angeles con quienes había grabado su debut Let It Scream (91), John Corabi “aterrizó” en Mötley Crüe en unos tiempos no demasiado favorables, donde imperaba la movida grunge. Pero, la salida de Vince Neil debido a un enfrentamiento con Nikki Six, provocó que éste se fijara en el trabajo de John y, ante la presión, emprendieron la composición de un nuevo álbum con el desconocimiento de la discográfica Elektra de que no participaba Vince.

Corabi se implicó en la composición y dotó al álbum de letras más profundas que se desmarcaban de las típicas desenfadadas y rebeldes que siempre habían caracterizado a Mötley Crüe. Además, su registro permitía cierta variación esquemática, así que el disco prometía.

En un principio Motley Crue, editado en 1993, alcanzó el número 7 en las listas de éxito estadounidenses pero pronto se desinflaron las expectativas y las ventas no alcanzaron el objetivo, nada menos que igualar el éxito del aclamado Dr. Feelgood de 1989.

Resueltas las diferencias entre Nikki Six y Vince Neil (por necesidad mutua como en tantos casos). John, no tuvo más remedio que dejar el puesto y buscar otras iniciativas.

Se puede catalogar de fracaso la corta estancia de Corabi en Mötley Crüe? Si hablamos en términos de comerciales y de aceptación popular sí. Pero, si tomamos en cuenta su aporte creativo, hemos de reconocer que dio a la famosa formación angelina un toque de seriedad que nunca antes había mostrado en sus grabaciones. Además, John, se fue dejando algunas pistas de voces y de guitarra que fueron utilizadas para el siguiente disco, Generation Swine (97). Seguramente su estancia en Mötley Crüe, no se ha valorado todo lo que se merece.

A partir de entonces, la trayectoria de John se tornó un tanto errática embarcándose en proyectos de nunca han terminado de “cuajar”. Se juntó con Bruce Kulick (cuando este fue despedido de Kiss) en una banda llamada Union. Asimismo, formó parte de ESP (Eric Singer Proyect) donde también figuraba Kulick. Por otra parte, Twenty 4 Seven fue una colaboración al lado de Bobby Blotzer de Ratt, grupo en el que también estuvo varios años como guitarra, de 2000 a 2008, pero también en una etapa conflictiva dentro del grupo. La mala suerte le perseguía.

En un momento dado, se reencontró con parte de su pasado al vincularse a la banda de Nikki Six, Brides Of Destruction, donde colaboró como guitarra rítmica entre 2002 y 2003. No son los únicos proyectos donde ha participado pero si los más representativos después de dejar Mötley Crüe. Lo cierto es que sus virtudes no han tenido la recompensa que merecía.

Próximas entregas: Blaze Bayley, John Bush, Sammy Hagar y Gary Cherone.

 

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POR LOCKY PEREZ

Continuamos la serie de artículos dedicados a los vocalistas del heavy metal; de aquellos que quisieron probar otras alternativas y de los que se vieron forzados a hacerlo. Después de anteriores entregas dedicadas a las separaciones conflictivas, ahora toca el turno a aquellos que fueron expulsados con premeditación y alevosía por su comportamiento o por no encajar ya en el seno de la banda. Sin duda, entre los casos más sonados están los de Joey Belladona de Anthrax y Paul DiAnno de Iron Maiden. El tema de Tarja Turunen y Nightwish también dio mucho que hablar.

PAUL DIANNO

Paul DiAnno, se vinculó a Iron Maiden gracias a un encuentro fortuito con Steve Harris en un pub de Londres. Al bajista le encantó la actitud provocadora del cantante y su desgarrado registro. Un tipo que daba cierto aire punk (en plena eclosión por aquellos años), en contraste a los perfiles heavy metal por los que apostaba la formación británica que acabó convirtiéndose en una de las mayores referencias del estilo.

Ya es historia reconocida que Paul contribuyó al surgimiento de la “Dama de Hierro” con dos clásicos discos como, Iron Maiden (1980) y Killers (1981), en los que su mordaz crudeza vocal encajaba a la perfección. Sin embargo, acceder a un nivel de calidad superior en todos los aspectos, no era algo que entrara en los planes de DiAnno, más preocupado en abastecerse de la suficiente cantidad de alcohol y drogas como para pasarlo bien que en dar la talla sobre los escenarios.

Ingenuo respecto al futuro que se jugaba o, consciente de que sus tonos no daban para “grandes aventuras”, fue responsable directo de su despido debido a su disoluta vida personal. Antes de su marcha, Paul aún tuvo tiempo de realizar la primera gira de Iron Maiden por Japón, de donde surgiría el directo Maiden Japan.

Posteriormente, Paul ha comentado que nunca se sintió del todo cómodo en el grupo ya que se veía más como un vocalista de hard rock con vínculos con el blues. No obstante, resulta obvio que la expulsión dejó una huella que le acompañaría para siempre. No es posible saber si sus problemas con las drogas y el alcohol se hubieran solucionado de seguir junto a Steve Harris y el resto de colegas pero, lo cierto es que, su trayectoria, ha seguido salpicada por sus devaneos con la bebida. De hecho, en 2007 seguía causando escándalos sobre los escenarios, como lo atestiguan algunas crónicas de sus actuaciones en Sudamérica.

Una vez fuera de Iron Maiden, la trayectoria de Paul DiAnno se tornó errática con diversos proyectos que nunca terminaron de convencer. Sería largo y tedioso hacer un repaso exhaustivo de sus diversos proyectos, un resumen breve también resulta esclarecedor.

El vocalista, además de mantener una carrera en solitario, donde en ocasiones ha explotado el nombre de Iron Maiden, se involucró en la creación de otras bandas además de participar como simple colaborador junto a otros artistas.

Veamos: Al poco de salir de Iron Maiden, en 1983, intentó formar una nueva banda bajo el nombre de Lonewolf pero, debido a problemas legales, acabó dependiendo del apellido DiAnno; por otra parte, una forma de recordar a los fans sus connotaciones con respecto a su antigua banda.

De la experiencia salió un álbum de título homónimo pero, en 1985, la cosa se truncó y del nombre DiAnno no se supo nada más hasta 1999, pero ya como un proyecto en solitario. Antes de eso, se involucró en Gogmagog, una especie de opera rock donde debían participar Pete Willis de Def Leppard, el bajista Neil Murray, el ex Maiden Clive Burr así como Janick Gers, luego unido al “club de la doncella”. Pero solo se publicó un EP con el título de I Will Be There.

Parecía que nuestro amigo no encontraba la ruta idónea. Con la formación de Battlezone la cosa se estabilizó durante cuatro años, tiempo en el que grabaron sendos álbumes orientados hacia el heavy metal clásico. El grupo, no obstante, anteponía el nombre del cantante como gancho comercial, conociéndose sus trabajos como Paul DiAnno’s Battlezone. La banda se caracterizó por un continuo desfile de músicos, manteniéndose en activo de 1985 a 1989 y, posteriormente, reapareciendo esporádicamente para volver a grabar nuevos álbumes en 1998, 2001 y 2008.

Paralelamente, se implicó en otro proyecto denominado Killers, siempre bajo los perfiles del heavy metal. Esta banda funcionó de 1990 a 1997 y posteriormente de 2001 a 2003. También hubo bastante movimiento de personal, siendo la nota más destacable la presencia del bajista de Raven, John Gallagher, aunque solo estuvo poco más de un año.

Además, Paul colaboró con otro ex Maiden, Dennis Stratton, con quien realizó alguna grabación, asimismo, junto a Stratton, formaron parte de Praying Mantis, durante un tiempo en el que la banda británica pasaba por cierta inestabilidad. Incluso giraron por Japon y grabaron Live At Last.

También ha tenido alguna aventura por Brasil, así como múltiples colaboraciones. Al bueno de DiAnno, trabajo no le ha faltado, aunque siempre le ha perseguido el estigma de ser el vocalista que expulsaron de Iron Maiden. Quizá, por ello, durante mucho tiempo su mejor compañera fue una botella de Jack Daniels.

JOEY BELLADONA

El caso de Joey Belladonna y Anthrax también tiene rasgos de “culebrón”. Cuando se vinculó en 1984, tres años después de la fundación del grupo, los problemas de vocalistas terminaron y alcanzaron el reconocimiento internacional con una serie de álbumes que los colocaron como uno de los 4 “grandes” del thrash; Spreading The Disease (1985), Among The Living (1987), State Of Euphoria (1988) y Persistence Of Time (1990). La gloria vamos. Pero, en la década de los 90, con el grunge acaparando terreno, se imponía un cambio de dirección de cara a la subsistencia y el bueno de Joey fue “defenestrado” en consenso por sus compañeros para sustituirlo por John Bush de Armored Saint, con un registro más acorde con los nuevos tiempos.

A Joey no le quedó más remedio que buscarse la vida por su cuenta y, bajo el nombre de Belladonna, publicó algunos discos que no tuvieron gran repercusión. Al contrario que DiAnno, Joey no se ha prodigado demasiado. Alguna participación en tributos (uno a Metallica) y poco más.

Joey, volvió al primer plano cuando la presión de discográfica, managers y seguidores provocó que la formación más representativa de Anthrax (Scott Ian, Charlie Benante, Dan Spitz, Frank Bello y Joey Belladonna), la que grabó Among The Living, se reuniera en 2005 para una gira internacional. Dicha gira pasó también por España, así que los fans españoles tuvieron ocasión de ver de nuevo a la legendaria formación. En un principio, se había pensado en incluir a John Bush también, y tocar con cada vocalista sus respectivos temas, pero este rechazó la posibilidad.

Una vez finalizada la gira Joey, al parecer, no vio del todo clara su continuidad debido a que Scott Ian quería seguir con Bush, así que decidió desvincularse del grupo de nuevo. La jugada no le salió bien a Ian ya que John rechazó volver y Anthrax se quedó sin vocalista.

Luego pasó lo de Dan Nelson, cantante con el que hicieron algunas presentaciones en directo así como los preparativos para un nuevo disco, Worship Music, que debía de haber salido en 2009. Lo cierto es que el asunto se torció y Nelson desapareció de escena misteriosamente. Y, en este punto, entra de nuevo Joey Belladonna, quien volvió al grupo en mayo del presente año a requerimientos de sus antiguos colegas.

Así las cosas, se supone que Worship Music aparecerá en 2011 con Belladonna a las vocales, cerrando el círculo de entradas y salidas, momentáneamente. El futuro más lejano de Joey y Anthrax no deja de ser una incógnita.

TARJA TURUNEN

Más cercano en el tiempo está el “tinglado” que se formó entre la vocalista Tarja Turunen y sus colegas de Nightwish. En el grupo desde su formación en 1996, Tarja, con sus grandes dotes vocales, contribuyó al triunfo internacional del grupo finlandés, con quienes grabó Angels Fall First (97), Oceanborn (98), Wishmaster (2000), Century Child (2002) y Once (2004).

Al parecer, las relaciones comenzaron a deteriorarse desde el momento en que Tarja se unió sentimentalmente al argentino Marcelo. Todos los conflictos tienen dos versiones pero, si nos atenemos a la carta abierta que el teclista y compositor Tuomas Holopainen envió a la cantante comunicándole su despido, ésta, había cambiado su forma de ser, haciendo prevalecer su propia comodidad y el dinero sobre la carrera de la banda en conjunto.

Entre otras cosas, sus seguidores descubrieron que Tarja nunca asistía a los ensayos, que viajaba por su cuenta durante las giras y que había lugares donde no le gustaba actuar. Tampoco quería hacer giras que sobrepasasen las dos semanas. En definitiva, parecía que se había buscado su expulsión a pulso o, quizá, se trataba de algo premeditado.

Tras su marcha, Nightwish la sustituyó en 2007 por Anatte Olzon, publicando ese año Dark Passion Play, para dejar constancia de que el grupo continuaba su trayectoria sobreponiéndose a los problemas internos.

Por su parte Tarja, quien ya había lanzado un álbum en solitario en 2006, HenKäys Ikuisuudeste, publicó en 2007 su primera grabación después de la salida de Nightwish, My Winter Storm. Y ya en 2010 publica su tercer trabajo What Lies Beneath.

En este caso, no se puede decir que haya un perdedor puesto que ambos implicados han rehecho sus carreras sin mayores contratiempos. Si bien es cierto que Tuomas quedó algo “tocado” por el desarrollo de los acontecimientos ya que el mismo manifestó haber pasado por momentos difíciles, solucionados con la aparición de Dark Passion Play.

Próxima entrega: Vocalistas de sustitución: Tim Owens, Blaze Bayley, Sammy Hagar…

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Continuamos la serie de artículos dedicados a los vocalistas del heavy metal; de aquellos que quisieron probar otras alternativas y de los que se vieron forzados a hacerlo. Después de la anterior entrega dedicada a las conflictivas separaciones de Phil Anselmo, Max Cavalera y Michael Kiske de sus respectivos grupos, el turno es ahora para Lou Gramm (Foreigner), Burton C. Bell (Fear Factory), Udo Dirkschneider (Accept).

LOU GRAMM

En la década de los 70 Foreigner construyó una sólida carrera con la publicación de tres exitosos álbumes, Foreigner (77), Double Vision (78) y Head Games (79), bajo la batuta de sus dos líderes, el guitarrista británico Mick Jones y el cantante estadounidense Lou Gramm. La entrada en los años ochenta, con cierta reestructuración en el seno de la banda, corroboró su ascenso al estrellato internacional con la publicación de su cuarta grabación en 1981, titulada justamente 4. En esos momentos, todo eran elogios, ventas millonarias y disfrute de la gloria, no obstante la posterior intención de Lou de iniciar un proyecto paralelo en solitario dejaría a Foreigner sin una de sus principales características.

En 1984 publicaron Agent Provocateur, alcanzando el número 1 con la balada “I Want To Know What Love Is” pero, en el momento de afrontar un nuevo disco de Foreigner en 1987, Lou también estaba implicado en su debut en solitario. Las consecuencias fueron que el cantante colaboró lo justo en el sexto disco del grupo, Inside Information, mientras dedicaba la mayor parte del tiempo a su ópera prima, Ready Or Not, lanzada también en 1987, obteniendo excelentes críticas y un puesto en el número cinco de las listas con el tema “Midnight Blue”. Dos años después lanzaría un segundo disco, Long Hard Look.

Las diferencias entre Lou y Mick determinaron la salida del vocalista quien, envalentonado con su éxito en solitario dejó a Foreigner, como se suele decir, “en la estacada”. Jones, quedó “tocado” por la pérdida de una pieza tan importante y siempre ha reconocido que le “fastidió” mucho que Gramm los dejara en unos momentos en los que todavía tenía cosas que decir.

Tras su marcha, Lou emprendió una nueva aventura denominada Shadow King, pero al poco tiempo se disolvió dejando un álbum homónimo publicado en 1991. Mientras tanto, Foreigner lanzaba ese mismo año Inusual Heat con Johnny Edwards como vocalista. El disco no obtuvo demasiado éxito y, tras la salida de Rick Willis (bajo) y Dennis Elliot (batería), Jones se queda solo y con un futuro incierto.

En 1992, sorprendentemente, Jones y Gramm vuelven a reunirse para tratar de dar un nuevo impulso a Foreigner y en 1994 lanzan Mr. Moonlight, disco que pasó bastante desapercibido. Sin embargo, un problema adicional iba a cambiar el destino del grupo. Durante la gira de presentación de su nuevo disco, en 1995, Gramm se sintió indispuesto y le fue diagnosticado un tumor cerebral que lo apartó durante 3 años de la actividad artística.

Tras una lenta recuperación, Lou regresó a Foreigner en 1999, pero sin estar en aún en plenas facultades, con la voz cambiada y con lagunas en su memoria. Sin embargo, aguantó hasta 2004 año en el que decidió abandonar por continuas discrepancias con Mick.

Curiosamente, tras un tiempo de silencio, una vez más, ambos músicos coincidieron en 2009 en el lanzamiento de nuevos trabajos. Mick publicó con Foreigner, Can’t Show Down, mientras el cantante ponía en marcha la Lou Gramm Band con un disco de marcado acento religioso encuadrado en los parámetros del rock cristiano.

Después de escuchar las versiones de ambos protagonistas, se deduce que Lou Gramm, un tipo más “democrático” artísticamente hablando, se cansó de aguantar a un Mick Jones perfeccionista y controlador que no dejaba mucho espacio para la creatividad del resto de componentes. El resultado fue que Foreigner pasó de una primera etapa de triunfo absoluto a unos años erráticos y mediocres.

UDO DIRKSCHNEIDER

La salida de Udo Dirkschneider de Accept, estuvo sujeta a las circunstancias que rodearon a la formación alemana después de haber alcanzado el reconocimiento internacional con álbumes claves en la historia del heavy metal como Restless & Wild (1982), Balls To The Wall (1983) y Metal Heart (1985).

En 1986 la aparición de Russian Roulette, aunque mantenía ciertas premisas inherentes al sonido del grupo, se empezó a notar la influencia de un sonido “americanizado” debido al creciente interés del guitarrista Wolf Hoffman y el bajista Peter Baltes por Estados Unidos, al punto de pasar a residir largas temporadas en Norteamérica.

En un momento dado se decidió que Accept entrara en un receso temporal y, mientras tanto, Udo, quien ya había tanteado la posibilidad de comenzar su carrera en solitario debido a que no le gustaba la dirección musical que estaba tomando el grupo, pudiera publicar su primer disco, algo que llevó a cabo en 1987 con Animal House.

Mientras Udo encarrilaba su carrera de la mejor forma, sus colegas de Accept, después de un tiempo de silencio publicaron el primer álbum sin el vocalista original, Eat The Heat, para el cual contaron con David Reece como cantante. Durante la gira de presentación del disco, el batería Stefan Kaufmann tuvo que abandonar por problemas físicos y al final de la misma el grupo, nada convencido con las aptitudes de Reece, decidió separarse en 1989. Mientras tanto, Udo ya había lanzado su segundo álbum como solista, Mean Machine (1988), que consolidó su carrera al margen de Accept.

Tras varios años de silencio, tanto Udo como el resto de componentes de Accept acercaron posturas y la banda germana volvió a la actividad por un periodo de cuatros años en los cuales el vocalista de la voz rasgada grabó Objection Overruled (1993), Death Row (1994) y Predator (1996). Tiempo en el que su carrera particular quedó paralizada. No obstante, una vez más, la presión, el cansancio y las diferencias personales pudieron con el grupo y se disolvió tras una gira mundial.

A partir de aquí, Udo mantuvo una trayectoria coherente publicando discos de forma recurrente hasta afianzarse como una propuesta seria mientras Accept desaparecía de los primeros planos de la actualidad.

Algunos intentos posteriores tanteando una posible reunión con el vocalista acabaron con la negativa de Udo, mucho más cómodo en su faceta solista y sin motivación para aventurarse de nuevo con sus antiguos compañeros.

Ante la negativa de Udo, la vuelta de Accept después de su largo receso, se ha producido en 2010 con un nuevo vocalista, Mark Tornillo, que ha encajado bastante bien en Blood Of The Nations, disco que publicaron recientemente.

Udo, al parecer, ya no necesita de Accept, y ha preferido seguir su camino, evitando nuevos posibles desacuerdos.

BURTON C. BELL

El caso de Burton C. Bell y Fear Factory, tiene sus diferencias con respecto a otros comentados anteriormente. Si bien es cierto que esta historia comenzó con un enfrentamiento entre Burton y el guitarrista Dino Cazares, los acontecimientos han desembocado en un auténtico “culebrón” que ha terminado por implicar a toda la banda.

Tras erigirse en una de las formaciones vanguardistas en lo que respecta a mezclar el metal industrial con el death metal y editar tres competentes discos, Soul Of A New Machine (1992), Demanufacture (1995) y Obsolete (1998), el asunto explotó después del lanzamiento de Digimortal en 2002, momento en el que la convivencia entre Dino y Burton devino en imposible marchándose el vocalista y, poco después, disolviéndose la banda, al menos en apariencia. Sin embargo, en una jugada secreta, ante de finalizar ese mismo año, Burton reactivó la banda dejando de lado a Cazares, pasando el bajista Christian Olde Wolbers a hacerse cargo de la guitarra, mientras entrada Byron Stroud (Strapping Young Lad) para encargarse del bajo y Raymond Herrera continuaba fijo en el puesto de batería.

Esta formación grabó los discos Archetype (2004) y Transgression (2005), recogiendo diversidad de opiniones. Pero el inconformista Burton C Bell, no quedó nada contento con la nueva formación y realizó un segundo “amago” de disolución aunque, en realidad, fue otra maniobra del vocalista para dejar “fuera de juego” a Raymond y Christian y acercarse de nuevo a Dino y así “refundar” Fear Factory en 2009 con la incorporación del batería Gene Hoglan, mientras Stroud conservaba su puesto. Es así como este mismo 2010 esta formación publica Mechanize, mientras los dos componentes marginados, sin siquiera saberlo, se ven forzados a utilizar el material destinado a Fear Factory para una nueva formación denominada Arkaea.

Lo irónico del asunto es que tanto Raymond como Christian siguen siendo miembros de Fear Factory legalmente, lo que ha motivado que en diversas oportunidades Dino y Burton hayan tenido que suspender actuaciones bajo el nombre de Fear Factory al haber sido demandados por su “colegas”. Y la historia aún no ha acabado.

Próxima entrega: Joey Belladona, Paul DiAnno, Tarja Turunen…

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Continuamos la serie de artículos dedicados a los vocalistas del heavy metal; de aquellos que quisieron probar otras alternativas y de los que se vieron forzados a hacerlo. También profundizaremos sobre sus sustitutos, así como de los vocalistas “trotamundos”, los inamovibles y los que abandonaron este mundo dejando al grupo en la estacada y con un futuro incierto.

Después de las dos primeras entregas dedicadas a Bruce Dickinson y Rob Halford, quienes por decisión propia abandonaron sus bandas, entramos ahora en un terreno escabroso donde conflictos de muy diversa índole provocaron, finalmente, la salida más o menos forzada del cantante.

OZZY OSBOURNE

Sin duda, el caso más representativo de un vocalista que abandonó (o fue “invitado” a abandonar) una banda es el de Ozzy Osbourne, con el tiempo convertido en todo un icono del heavy metal y con una trayectoria tan exitosa como polémica.

Ozzy participó con Black Sabbath en sus ocho primeros discos, seis de ellos: Black Sabbath, Paranoid, Master Of Reality, Volumen 4, Sabbath Bloody Sabbath y Sabotage, contenían los más oscuros y perversos riffs de una época que dejó marcada a toda una generación y fijó las bases para las siguientes. Tras un largo periodo de consolidación comenzaron a aparecer los problemas con su séptimo disco, Technical Ecstasy (1976), que no alcanzó la relevancia de los anteriores debido a problemas internos y saturación creativa. Metidos en una espiral de drogas y con las ideas más turbias que nunca, emprendieron en 1977 la grabación de su octavo álbum pero, en mitad de los ensayos, un “paranoico” Ozzy decidió dejar a sus compañeros “colgados”.

Mientras cada lado intentaba rehacer su camino y cuando Black Sabbath estaban a punto de entrar al estudio con Dave Walker (ex Fleetwood Mac y ex Savoy Brown), Ozzy rectificó su decisión y volvió a la banda. La atmósfera no fue la ideal para trabajar con la necesaria tranquilidad y construir algo consistente. Además, tuvieron que partir de cero ya que Mr. Osbourne no quiso saber nada del material que habían compuesto hasta ese momento; las prisas, las drogas, sobre todo el alcohol, y la tensión entre Tony Iommi y Ozzy repercutieron en Never Say Die, álbum que tampoco consiguió críticas positivas. Asimismo, las actuaciones de presentación resultaron poco convincentes por la desgana exhibida.

El lamentable estado psicológico y físico de Ozzy llevó al grupo a tomar la decisión de comunicarle su despido, aunque el cantante también tenía motivos suficientes como para darle otro rumbo a su carrera artística. Fue el batería Bill Ward, su mejor amigo, el encargado de enseñarle la “puerta de salida”. El resto es historia conocida.

A vista pasada, la marcha de Ozzy de Black Sabbath fue mucho más beneficiosa para el vocalista quien reactivó su carrera junto a Randy Rhoads con una serie de álbumes espectaculares. La prematura muerte del guitarrista significó un duro golpe pero no la derrota total. Ozzy se recuperó y continuó manteniendo su estatus de gran estrella, con unos discos más acertados que otros pero siempre creando expectativas a su alrededor, hasta la actualidad.

Unos Black Sabbath prácticamente hundidos encontraron a su “salvador” en la persona de Ronnie James Dio, curiosamente, recomendado por Sharon Arden, hija del representante Don Arden y futura “señora Osbourne”. Sin embargo la trayectoria de Black Sabbath volvió a resentirse tras la marcha de Dio. Si se analizan las respectivas carreras por separado, seguramente el beneficiado resulte Ozzy Osbourne, aunque el prestigio adquirido por la formación de Birmingham sea indiscutible.

No hay que olvidar el reencuentro fugaz de Black Sabbath con Ozzy en 1997 que se saldó con una gira así como el lanzamiento de un CD/DVD denominado Reunion que, además de sus clásicos, incluía dos composiciones nuevas, “Psycho Man” y “Selling My Soul”. La cosa no pudo fructificar más allá porque cuando estaban preparando un álbum completo el cantante tenía también pendiente un álbum en solitario y las sesiones de grabación se pararon.

Los vínculos de Ozzy con Black Sabbath también se han visto alterados debido las divergencias entre el vocalista y Tony Iommi con respecto a ciertos derechos económicos reclamados por el “Madman”.

DAVID LEE ROTH

Otro conflicto destacado es el que mantuvieron en su momento David Lee Roth y Van Halen. Sobre su separación se han escrito infinidad de cosas, en algunos casos, incluso aludiendo a temas de faldas con infidelidades incluidas. Para nadie es un secreto la imagen de sex-symbol que atesoraba Mr. Roth en sus momentos de esplendor, tanto físico como artístico.

No obstante, todo apunta a la intención de los hermanos Van Halen de dar un giro al sonido de la banda, algo que ya comenzó con el álbum 1984. En declaraciones cruzadas, Eddie acusó a David de alejarse de la música para intentar ser una estrella de cine y no estar lo suficientemente implicado con el trabajo del grupo, algo que el cantante negó rotundamente alegando que era una mera escusa para darle el “pasaporte” y tomar las riendas absolutas del futuro de la formación.

Una cosa es cierta, la aparición del álbum 5150 ya con Sammy Hagar en sus filas como cantante significó un giro hacia esquemas más comerciales y, por añadidura, la captación de un público más amplio. El resultado fue la diversificación de dos corrientes, una que prefería el sonido más contundente, rockero y experimental de la época con David Lee Roth, formado por una colección de discos con una marca muy personal: Van Halen, Van Halen II, Women And Children First, Fair Warning, Diver Down y el mencionado 1984, y otra de composiciones accesibles encabezada por 5150 y seguida de OU182, For Unlawful Carnal Knowledge y Balance, que les permitió mantenerse en la cima durante una década más hasta la marcha, también polémica, de Sammy Hagar.

Otro punto clave en la separación de David Lee Roth y Van Halen fue el lanzamiento por parte del cantante de un EP en solitario en 1985, titulado Crazy From The Heat, paralelamente a su permanencia en la banda y que obtuvo una sonada repercusión. ¿Tuvo celos Eddie del éxito de su colega?, ¿se le subieron los humos más de lo habitual a Mr. Roth? Todo es posible.

Tras el EP, y ya fuera de Van Halen, la suerte sonrió a David con el álbum Eat ‘em And Smile, en el que mantenía la frescura de sus trabajos con Van Halen apoyado por un par de genios como el guitarrista Steve Vai y el bajista Billy Sheehan. El álbum también tuvo una versión en español.

La carrera de David en solitario no aguantó tanto como la de Van Halen sin él; su siguiente disco Skyscraper, publicado en 1988, no obtuvo tanto éxito como el anterior, precisamente por haber intentado apartarse de su sonido característico al haber introducido elementos más comerciales. Con el paso del tiempo y tras continuos cambios de músicos, el destino le llevó hasta prácticamente el anonimato, con disparatadas apariciones en Las Vegas.

Como es sabido, a lo largo de los años hubo diversas negociaciones para el retorno de David a Van Halen pero todas acabaron en nuevas discusiones y en fracaso, hasta que, finalmente, en 2007 se anunció la vuelta del vocalista original y que provocó la realización de una gira por Estados Unidos.

En este caso, es evidente que el más perjudicado fue David Lee Roth ya que su éxito en solitario fue muy efímero y después de haber sido toda una estrella mediática su luz fue apagándose hasta quedar olvidada. El grupo, por su parte, disfrutó de una segunda etapa triunfal aunque muchos de sus primeros seguidores nunca perdonasen la salida de su primer cantante. También es cierto que desde 1998, con el escasamente alabado Van Halen III, no han entregado un nuevo disco a sus seguidores.

Próximas entregas: Phil Anselmo, Max Cavalera, Michael Kiske…

 

 

 

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POR LOCKY PEREZ

 

 

Continuamos la serie de artículos dedicada a los vocalistas del heavy metal; de aquellos que quisieron probar otras alternativas y de los que se vieron forzados a hacerlo. También profundizaremos sobre sus sustitutos, así como de los vocalistas “trotamundos”, los inamovibles y los que abandonaron este mundo dejando al grupo en la estacada y con un futuro incierto.

Si la primera entrega estaba dedicada a Bruce Dickinson, en esta segunda parte lo hacemos con un caso muy parecido, por la relevancia del protagonista, Rob Halford de Judas Priest.

La decisión de Halford estremeció las bases de una de las bandas más clásicas dentro del heavy metal. Rob sintió la necesidad de un cambio y optó por una valiente alternativa. Abandonó la seguridad que le brindaba una banda consagrada y de gran prestigio para iniciar una incierta aventura formando el grupo Fight, que al principio no le dio malos resultados. La idea de Rob era mantener un grupo paralelo a su trabajo en Judas Priest pero, inconvenientes económicos y de imagen se interpusieron y el vocalista cortó su vínculo con Judas, justamente cuando Painkiller, había logrado “romper” en las listas de metal de Estados Unidos.

De la misma forma que había pasado con Dickinson en Iron Maiden, las declaraciones de uno y otro bando no auguraban en esos momentos una posible reconciliación futura algo que, por suerte, sí ocurrió.

War Of Words fue su debut con Fight, publicado en 1993, álbum en el que Halford incursionaba en el metal de perfiles grooves, con su voz manteniendo un duelo permanente con robustos riffs. Le acompañaba la solidez de Scott Travis, en aquel tiempo también batería de Judas, además de Russ Parrish (guitarra), Brian Tilse (guitarra y teclados) y Jack Brown (bajo).

Asimismo, su perfil sufrió una brusca metamorfosis. El cuero y las tachuelas dejaron paso a una imagen más callejera; el poco pelo que le quedaba desapareció por completo y sobre su piel surgió un mapa de impactantes tatuajes.

El segundo disco, A Small Deadly Space, no superó las expectativas y tras ser despedidos de Epic, Rob tuvo que replantearse su carrera. La aventura con Fight había llegado a su fin.

Tras un periodo de silencio reapareció en 1997 con un nuevo proyecto denominado 2wo y el álbum Voyeurs producido por Trent Reznor, de Nine Inch Nails. Si con Fight había seguido una línea coherente, aunque endureciendo su propuesta, aquí mostraba una dimensión musical alejada de sus raíces, incursionando en terrenos industriales que pusieron los “pelos de punta” a los millares de seguidores de todo el mundo. Le ayudó en temas guitarreros John Lowery, más conocido como John 5 y por haber formado parte de la banda de Marilyn Manson.

Cuando parecía que la carrera de Rob se dirigía a un callejón sin salida, el “Metal God” recapacitó y volvió a su “habitat natural”, el heavy metal, reanudando su actividad como artista en solitario con la publicación en 2000 de Resurrection, álbum de explícito título que contaba con la colaboración de Roy Z, curiosamente, el mismo que ayudó a enderezar la trayectoria de Bruce Dickinson.

Aprovechando el “gancho” de su apellido, Halford lanzó al año siguiente Live Resurrection que, además de los temas propios, incluía algunos de su etapa con Judas. La ruta del retorno al seno de los Priest se estaba marcando. En 2002, cuando se publicó su siguiente álbum, Crucible, donde se mantenían inalterables los parámetros heavys, comenzaron los primeros acercamientos entre Rob y sus ex colegas.

Finalmente, en 2003, tras una década de separación, se produjo el retorno de Rob a Judas Priest, tan ansiado por parte de los fans. Luego, gira mundial en 2004 y un nuevo álbum en 2005, Angel Of Retributión.

¿A quien perjudicó más la separación? Posiblemente a ambas partes. La vinculación de Tim “Ripper” Owens nunca fue bien acogida por los seguidores de la banda británica. Más por el fastidio de haber perdido a Rob que por la propia labor del vocalista. Jugulator es un disco muy competente, no se puede decir lo mismo de Demolition, aunque tampoco es una basura. Lo cierto es que seguía faltando una pieza original y eso no lo pasaban por alto los fans más radicales.

En cuando al cantante, no se le puede reprochar que intentase probar nuevas cosas pero el tema musical se le fue de las manos con 2wo y la solución fue volver a las fuentes originales.

Los casos de Bruce Dickinson y Rob Halford tienes ciertas similitudes además del mencionado anteriormente de Roy Z. En principio, quisieron mantener su actividad en solitario de forma paralela a la de su grupo, pero diversos factores incidieron de forma que ambos optaran por marcharse. Sus sustitutos nunca fueron aceptados plenamente y en su ausencia se grabaron solo dos álbumes. En cuanto a su trayectoria, tuvieron sus “caprichos” pero al final volvieron al estilo que les dio la fama.

Próximas entregas: Phil Anselmo, Max Cavalera, Dio…

 

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POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Los cambios de personal en una banda de rock están estrechamente relacionados a su propia evolución. Los ejemplos son incontables y las causas suelen ser diversas aunque el tópico al que se recurre es el de las “diferencias musicales”. De entre todos los elementos que componen una banda de rock, posiblemente, en la gran mayoría de los casos, el vocalista sea una pieza básica en su engranaje. El resto de los integrantes puede tener mayor o menor trascendencia pero, la voz, suele dar en muchas ocasiones un toque muy característico a la banda, una identidad claramente reconocible.

Qué sería de Metallica sin el estilo de sílabas arrastradas que James Hetfield patentó hace años y que ha tenido multitud de imitadores; cómo hubiera sonado Pantera sin la agresividad de Phil Anselmo o, Motorhead sin el áspero registro de Lemmy.

A través de las historia, hemos podido comprobar asombrados cómo algunos “voceadores” que parecía iban a perpetuarse junto a sus compañeros decidieron buscarse la vida por su cuenta o, en determinadas coyunturas, obligados a seguir otros rumbos.

Es una decisión arriesgada que, generalmente, causa expectativa mediática, pero suele terminar en decepción. Hay casos de vocalistas muy influyentes en sus respectivas bandas que se lanzaron al estrellato por su cuenta y riesgo y terminaron estrellándose, o cuando menos, no lograron despertar en solitario el interés conseguido junto a su banda.

Por contra, algunos de aquellos cantantes que fueron expulsados por “incompatibilidad de caracteres” consiguieron un importante éxito en solitario. La renuncia o el despido, dependen de quien dé la versión pero, una cosa es cierta, la separación casi siempre está acompañada de declaraciones polémicas por ambas partes. Solo es necesario repasar la hemeroteca para encontrarlas; como aquella del batería Nicko McBrain: “Bruce nunca volverá a cantar con Iron Maiden, aunque nos pida perdón de rodillas”.

En esta serié de artículos vamos a hablar de esos vocalistas que quisieron probar otras alternativas y de los que se vieron forzados a hacerlo. También profundizaremos sobre sus sustitutos, así como de los vocalistas “trotamundos”, los inamovibles y los que abandonaron este mundo dejando al grupo en la estacada y con un futuro incierto.

De entre las diversas situaciones habidas, hemos escogido algunas de las más representativas, siendo conscientes de que el tema es tan extenso que abarcarlo todo es una tarea complicada.

En primer lugar hablaremos de los cantantes que habiendo alcanzado un amplio reconocimiento a nivel mundial con su grupo, tuvieron la necesidad de iniciar una carrera en solitario. Sin duda los casos más relevantes son los de Bruce Dickinson de Iron Maiden y Rob Halford de Judas Priest.

BRUCE DICKINSON

Nadie hubiera podido imaginarse a Iron Maiden sin Bruce Dickinson; pero el vocalista apostó por esta opción ante la absoluta conmoción de los seguidores de la banda británica. Después de 12 años (1981-1993), abandonaba a su “dama de hierro” para “flirtear” por otros caminos menos encorsetados en el estilo adquirido por su anterior banda.

Lo cierto es que el vitalista Bruce fue sintiendo la necesidad de hacer cosas nuevas, mientras se cansaba de los esquemas que Steve Harris dictaba para Iron Maiden. Tattooed Millonaire, su primer “desliz” en solitario, publicado en 1990 estando todavía con el grupo, pasó sin hacer “demasiado ruido”

Ayudado a la guitarra por Janick Gers, quien luego pasaría a formar parte de Iron Maiden, fue un trabajo excesivamente sobrio que acabó absorbido por el torbellino diabólico de Eddie y sus progenitores. A Bruce, no le quedó más remedio que “volver a acostarse” con la “doncella”, aunque la relación fue más bien “de hierro” que amorosa. Finalmente, un Bruce aburrido de su situación decidió dar el “do de pecho”, tiró por la borda un expediente casi sagrado y un futuro libre de apretujones económicos para dirigir su barco hacia rumbos desconocidos.

Sin Gers en la guitarra y con la intención de romper totalmente con el pasado, publicó Balls To Picasso (1994), en el que Roy Z comenzó una colaboración que con el tiempo resultaría beneficiosa. Sin embargo el contenido del disco, demasiado intimista, no atrajo a muchos de sus antiguos fans, las ventas no fueron suficientes y la discográfica Epic le dio la “carta de libertad”. Para tratar de recuperarse, editó un doble CD en directo, Alive In Studio A, conteniendo temas de sus dos trabajos a modo de fin de etapa. No se puede decir que las cosas le fueran bien hasta ese momento. Por eso, en su siguiente grabación tuvo que “bajarse los pantalones” y reactivar parámetros más heavys, acercándose a su renegado pasado. Skunkworks (1996), con nuevo cambio de guitarrista (el escasamente conocido Alex Dickson), no contribuyó significativamente al despegue de su carrera como solista. Las oportunidades se terminaban y mientras su futuro no estaba muy claro, Iron Maiden, sin tener el éxito de otras épocas, había ya alcanzado el estatus de banda mítica y el reconocimiento como una de las más importantes de la historia.

Pero, el “amigo” Bruce no estaba dispuesto a desesperarse y realizó un nuevo intento para demostrar sus cualidades compositivas. Volvió a llamar a Roy Z, además de reclutar a su colega Adrian Smith, también alejado de “mamá Maiden” por aquellos años, y lanzó Accident Of Birth (1997), un álbum en el que apostaba por sus registros vocales más reconocidos, lo que, unido a unas canciones más inspiradas, le supuso un mayor reconocimiento por parte de crítica y seguidores. Un año después repitió fórmula con Roy y Adrian para publicar The Chemical Wedding (1998). Disco que, en cierta forma, tenía lazos subyacentes con su etapa en en el grupo. No es de extrañar que consiguiese llamar mucho más la atención que sus anteriores discos y que provocase la oportunidad de realizar una gira que incluso aterrizó en Brasil y de cuya estancia dejó testimonio el directo Scream For Me Brazil (1999), que contó con la misma formación de los dos últimos álbumes en estudio: Bruce, Roy, Adrian, Eddie Cassillas (bajo) y Dave Ingraham (batería).

Ese mismo año, Bruce decidió que era momento de volver al redil y propuso su retorno a Iron Maiden, a lo que finalmente accedió Steve Harris, no sin antes celebrar una reunión con el resto de componentes (también se produjo la reincorporación de Adrian Smith). En definitiva, a Bruce se le perdonó su rebeldía y como es de dominio público, la situación derivó hacia una completa concordia. Tanto así que, incluso, el vocalista editó un nuevo álbum en solitario en 2005 junto al ya inseparable Roy Z, además de Ray Burke (bajo) y David Moreno (batería), Tyranny Of Souls, que resultó su obra más metálica, con un sonido moderno y compacto.

¿Logró Bruce Dickinson sus objetivos?, posiblemente sí, a nivel personal. Quiso experimentar cosas nuevas y lo consiguió. En el aspecto creativo habría que pactar un trayecto de altibajos, mientras que en lo que respecta al éxito comercial se quedó en un término medio que de ninguna manera alcanzó la popularidad adquirida con Iron Maiden.

¿Volvió sobre sus pasos para sentirse de nuevo como uno de los vocalistas más importantes del heavy metal?, ¿por haber satisfecho sus deseos? o, ¿por necesidad mutua? Son interrogantes que seguramente nunca se revelarán. Una cosa es cierta, su salida provocó un rencor que con el tiempo parece haber sido olvidado.

¿Se resintió Iron Maiden de la marcha de su cantante? Bastará mencionar que durante su ausencia los ingleses produjeron dos álbumes en 6 años, quizá los más oscuros de toda su trayectoria: The X Factor y Virtual XI, en los que bajaron su nivel de creatividad. Además de tener que amoldarse a un nuevo vocalista hay que añadir que su eclosión como banda se había producido en la década de los 80 y, en los 90, las ideas ya no eran tan frescas.

Próxima entrega: Rob Halford, Phil Anselmo…

 

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POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

La banda noruega de black metal, Keep Of Kalessin, rompe moldes, después de haber participado en la selección de su país para acudir al festival de Eurovisión, quedando en un más que honroso tercer lugar, con 250.000 votos, ahora su imagen quedará plasmada para la posteridad en una colección de sellos lanzada en su país, privilegio reservado solo para personajes de la realeza o figuras históricas.

El pasado 12 de febrero la formación holandesa Epica fue protagonista de un accidente durante su gira por Canadá cuando un coche colisionó con el autocar en el que viajaban a través de una autopista que cruza las montañas rocosas. Después de dar algún tumbo el conductor pudo controlar el vehículo. Los componentes de la banda así como el resto del equipo de gira solo sufrieron daños leves. Tras reparar el vehículo reemprendieron la marcha.

Los seguidores de Amorphis están de suerte, la formación finlandesa lanzará al mercado una edición de lujo bajo el título de Forging The Land Of Thousand Lakes, que incluye 2 DVD’s con un concierto especial en Oulu con sonido 5.1 y otra actuación completa en el festival Summer Breeze de 2009, además del documental biográfico “Tales From The 20 Years”, video clips promocionales y galería fotográfica. Y, por otro lado, dos CD’s del concierto completo de Oulu.

Los thrashers californianos Bonded By Blood, están metidos en el estudio junto al productor Ralph Patlan (White Wizard, Megadeth, UFO), grabando su próximo disco Exiled To Earth. Las partes de guitarra de Alex Lee y Juan Juarez ya están completadas.

The Crest, es el título del álbum de estudio número 13 del guitarrista alemán Axel Rudi Pell, el primero en el que se ha involucrado en las tareas de producción. Ha sido mezclado por Charlie Bauerfeind en los estudios Mi Sueño de Tenerife.

Tommy Victor de Prong participará como vocalista en la gira que los Soulfly de Max Cavalera realizarán en marzo para presentar su nuevo álbum Omen. Tommy, prestó su voz en “Lethal Injection”, uno de los temas que componen el álbum.

Los míticos Aerosmith han incluido una fecha española dentro de su gira internacional 2010. La actuación se realizará, concretamente, en el Palau Sant Jordi de Barcelona el domingo 27 de junio.

Los alemanes Callejon han desvelado la portada de su próximo disco, titulado Videodrom a publicarse a través de Nuclear Blast en abril. Ya está disponible el video de una de las canciones incluidas en el disco: Kinder Der Nacht.

 

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LOCKY PEREZ

 

 

Pocas formaciones han levantado tanta expectación a lo largo de su trayectoria como Led Zeppelin. La era de su dominio como el mayor espectáculo de rock estuvo marcada por la recurrente frase “sexo drogas y rock and roll”. A veces, la narración de unos acontecimientos tiende a distorsionarse con el paso del tiempo hasta alcanzar un punto de exageración pero, en el caso de Led Zeppelin, todos los rumores y cotilleos que puedan haber llegado hasta el oído del seguidor son absolutamente ciertos.

El reputado escritor, Stephen Davis, autor de obras emblemáticas como “Rolling Stones. Los Viejos Dioses Nunca Mueren” y “Jim Morrison. Vida Muerte y Leyenda”, nos desvela en “Led Zeppelin. El martillo de los dioses”, la realidad de la “leyenda” del fabuloso grupo británico que, en el fondo, no se aleja demasiado del rastro de habladurías que dejó tras de sí.

Leyendo el contenido del libro, además de los excesos personales y de la aureola oscurantista, descubriremos su lucha por imponer un estilo nuevo rechazado desde un principio en su propio país pero acogido con los brazos abiertos en el extranjero.

Como es sabido, Led Zeppelin surgió de las cenizas de The Yardbirds, otra banda mítica británica con la que se involucró Jimmy Page, tomando el control definitivo cuando el grupo entró en crisis poniendo rumbo a su desintegración. Page, todo un joven profesional curtido en numerosas sesiones de estudio, puso en marcha su idea de refundar The Yardbirds, con la ayuda de un personaje que cambiaría la manera de llevar los negocios en el mundo del rock, Peter Grant, convertido en manager legendario.

Lo cierto es que el libro nos muestra a una banda formada por cuatro personalidades distintas que una vez juntas produjeron magia, tal como se dieron cuenta cuando se unieron por primera vez para ensayar aunque, en un momento dado, Jimmy Page, un controlador determinante en todos los aspectos inherentes a la formación dudó de la valía de Robert Plant.

Una vez consolidados, Jimmy Page (guitarra), Robert Plant (voz) John Bonham (batería) y John Paul Jones (bajo), empezaron a desarrollar una carrera que les catapultaría hacia lo más alto del firmamento para ocupar un puesto predominante en el “Olimpo del rock”.

Resumiendo el contenido del libro, Stephen Davis, nos pone al corriente de las dificultades que tuvieron para convencer de su capacidad a la prensa de Inglaterra, obligándoles a poner su punto de mira en Estados Unidos donde fueron acogidos con los brazos abiertos hasta el punto de realizar su primera gira sin haber editado todavía un álbum.

Conoceremos también las historias sobre las numerosas “groupies” que hacían lo imposible por una noche en la cama con alguno de sus ídolos, con mención de la famosa anécdota de la chica y el tiburón, entre otras muchas; los diversos destrozos en los hoteles fruto de su incontrolable desenfreno, incluyendo carreras en motocicleta por los pasillos y lanzamientos de televisores por la ventana, así como la provocación de varios disturbios entre los que destacan los acontecidos en sus visitas a Tokio y Milán, además de peleas entre promotores que acabaron con la intervención del FBI.

No escatima el autor datos sobre las distintas personalidades de los miembros del grupo. Jimmy Page, tan brillante músico como astuto manipulador y con una obsesión sobre el ocultismo, más concretamente con la vida del famoso Aleister Crowley, de quien acumuló una importante colección de objetos. Esta afición provocó los diversos comentarios acerca de los vínculos de Led Zeppelin con el satanismo; el mismo Robert Plant, en algún instante de su vida, después de las desgracias acaecidas en su entorno con el accidente de coche en el que apunto estuvo de morir se mujer y el posterior fallecimiento de su hijo Karac, pensó que las peligrosas aficiones de su compañero podían haber ejercido cierta influencia maligna. Robert, en el momento de mayor esplendor de Led Zeppelin llegó a creerse en un nivel superior que el resto de los mortales. Por su parte, John Bonham fue el componente más desestabilizado emocionalmente, llegó un momento en el que la fama le superó y no pudo controlar su lado violento (profusamente detallado en el libro) provocado por sus cada vez más continuas borracheras que, a la postre, le conducirían a su trágico final. En cambio John Paul Jones, el miembro en la sombra, el más centrado, resulto el menos afectado de la vorágine que envolvió al grupo británico.

Obviamente, el libro también se centra en la parte musical, ofreciendo jugosos detalles de todas las grabaciones, como ejemplos, mencionar de dónde procede el nombre de la canción “Bron-Yr-Aur”, porqué Led Zeppelin III resultó ser el trabajo más acústico o, a qué se debió la ausencia de señas de identificación del cuarto disco, conocido también como Four Symbols, del que surgió su canción más emblemática “Stairway To Heaven”.

En definitiva, un libro para satisfacer toda la curiosidad acumulada acerca de la existencia de Led Zeppelin, tanto en lo que respecta a su legado musical como a los aspectos que marcaron la existencia personal de los responsables directos del grupo y sus más cercanos colaboradores.

TITULO: Led Zeppelin. El martillo de los dioses.
AUTOR: Stephen Davis.
EDITORIAL: Ediciones Robinbook – Ma Non Troppo.
(www.robinbook.com)

 

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LOCKY PEREZ

 

 

Se acaba el 2009 y llega el momento del análisis, de escoger lo más relevante del año. Tarea difícil y a veces ingrata por tener que elegir unas pocas de entre tantas opciones.

En lo que respecta a las grabaciones extranjeras, hemos dividido el apartado de discos en dos categorías, una dedicada a los sonidos más extremos, donde tienen cabida todas las vertientes del metal, thrash, death y demás subestilos. Y otra en la que hemos englobado las tendencias menos agresivas, hard rock, heavy, power, sinfónico, melódico, etc.

Como es sabido, las etiquetas, en ocasiones son algo subjetivas, así que, no es de extrañar que en la lista de metal nos encontremos a los húngaros Riverside ocupando el segundo puesto y es que su prog-metal puede no ser tan fiero como el resto de seleccionados pero tampoco se trata de premiar lo más salvaje, como también sucede con Baroness, el grupo estadounidense no es fácil de encasillar.

Reflexiones aparte, la nómina, liderada por unos Slayer pletóricos, incluye formaciones veteranas (Megadeth) compartiendo protagonismo con algunas más noveles (Evile). Lo que indica que todos se esfuerzan por no quedar relegados en estos tiempos tan competitivos. Lo mismo podría decirse de la segunda lista, encabezada por Epica y su magistral Design Your Universe, ahí están Kiss y Heaven & Hell demostrando que a la madurez puede sacársele buen rendimiento. Quizá, alguno de los descartados tenga los mismos méritos que los presentes pero, el Top Ten no perdona. Diez es el número mágico y punto.

En cuanto al apartado nacional, a nuestro modo de ver, los madrileños Gauntlet han facturado el disco del año y lideran una lista bastante variada en cuanto a esquemas estilísticos donde también destacan los trabajos de grupos como Berri Txarrak o Avenues & Silhouettes.

Finalmente, en cuanto a conciertos, el contenido se centra en las actuaciones en las que hemos estado presentes. Por obvias razones, no podemos incluir aquellas presentaciones a las que no hemos acudido. Además, resaltar que si fuera por espectáculo y poder de convocatoria, AC/DC se llevarían el número 1 pero, a veces, un concierto menos multitudinario ofrece mejores perfectivas para el crítico, más neutral que el forofo incondicional. De ahí que Gotthard y Status Quo los superen.

DISCOS INTERNACIONAL

METAL/THRASH/DEATH…

1) World Painted Blood (Slayer)
2) Anno Domini High Definition (Riverside)
3) Skyforger (Amorphis)
4) Crack The Skye (Mastodon)
5) Endgame (Megadeth)
6) Infected Nations (Evile)
7) The Infection (Chimaira)
8) Infini (Voivod)
9) Blue Record (Baroness)
10) Evangelion (Behemoth)

HARD/HEAVY/SINFONICO/POWER/MELODICO…

1) Design Your Universe (Epica)
2) The Devil You Know (Heaven & Hell)
3) Befor The Devil Know’s You’re Dead (Primal Fear)
4) Sonic Boom (Kiss)
5) Need To Believe (Gotthard)
6) The Days Of Grays (Sonata Arctica)
7) Black Gives Way To Blue (Alice In Chains)
8) Spirit Black (Jorn)
9) Back In Blood (The 69 Eyes)
10) Smoke & Mirrors (Lynch Mob)

DISCOS NACIONAL

1) What Doesn’t Kill Us… (Gauntlet)
2) Payola (Berri Txarrak)
3) Meteors (Avenues & Silhouettes)
4) La Puta Y El Diablo (Hamlet)
5) 6 Bajo Par (Aphonnic)
6) Amalgama (Amalgama)
7) Deshumanización (Cuernos de Chivo)
8) Autumnal (Dark Moor)
9) Insignis (The Eyes)
10) The Basis Of Trancetheraphy (Inn Trance)

CONCIERTOS

1) Gotthard (Bikini-Barcelona) 29-octubre
2) Status Quo (Razzmatazz-Barcelona) 6-septiembre
3) AC/DC (Estadi Olimpic LLuis Companys-Barcelona) 7-junio
4) Riverside (Salamandra-Hospitalet) 6-noviembre
5) Mr. Big (Bikini-Barcelona) 21-septiembre
6) Wasp (Razzmatazz-Barcelona) 9-diciembre
7) Volbeat (La Nau-Barcelona) 8-abril
8) Saxon (Razzmatazz-Barcelona) 4-octubre
9) U.D.O. (Salamandra-Hospitalet) 8-diciembre
10) Primal Fear + Brainstorm (Salamandra-Hospitalet) 23-octubre

 

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LOCKY PEREZ

 

 

 

Alcanzaron el reconocimiento mundial con una frase tan sencilla como impactante “I Wanna Rock” y se llevaron “de calle” a la muchachada de la década de los 80. Under The Blade (1982), You Can’t Stop Rock And Roll (1983) y Stay Hungry (1984), forman una trilogía mágica digna de figurar entre los clásicos del heavy metal. Twisted Sister pasearon su contundente propuesta por los escenarios de medio mundo con su imagen irreverente de “locas desmadradas”. Pero el tiempo pasa, se han hecho mayores, y en estas fechas navideñas también sacan su lado sentimental. Ahí es nada, nuestro amigo Dee Snider, sin maquillaje, a cara descubierta, limpia de rimel y pintalabios, marcándose un “Heavy Metal Christmas” de lo más modosito junto al resto de sus colegas de banda.

 

 

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Manu Mateos