En mi opinión, Mastodon han sido la banda de metal más interesante que ha deparado la primera década del siglo XXI. Ningún otro grupo ha editado cuatro discos tan completos e inspirados como los que ha hecho la formación de Atlanta y, además, sabiendo evolucionar, progresar, puliendo detalles como el de las voces, hasta lograr hacer asimilable el metal extremo que facturan desde el Ep Lifesblood [Relapse Records, 2001].

Pero siempre he visto un peligro en Mastodon, que su base stoner/sludge metal se terminara acercándo y coqueteando con el post-metal de formaciones como Neurosis, cuyo cantante -Scott Kelly- ha colaborado en varios discos de los de Georgia, Pelican, Dusk, …

Sí, esos sonidos, el post-metal y el post-rock que en los últimos años parecían destinados a salvar el mundo y del que hoy en día pocos -o ninguno- se acuerdan… Las modas, los ‘hypes’, en la era de la postmodernidad se convierten en productos de usar y tirar y desfilan a la velocidad de la luz por nuestro iPod.

Y cierta inclinación hacia el sonido ‘post’ hay en Jonah Hex: Revenge Gets Ugly [Reprise Records, 2010] de Mastodon. Su nueva entrega está compuesta por cuatro composiciones nuevas y dos tomas alternativas. Un total de seis canciones totalmente instrumentales que componen la banda sonora de Jonah Hex, un personaje DC Comics que también ha acabado en la gran pantalla. El director, Jimmy Hayward se convirtió en un gran fan de la banda después de escuchar Blood Mountain [Warner, 2006] y pidió a Mastodon que se encargase de escribir e interpretar los temas de la BSO de este film.

Lo cierto que estos aires ‘post’ se detectan tras la escucha de los primeros minutos del primer corte del Ep: “Death March”. Una composición oscura, densa, lenta y agónica, en la que Mastodon sacan su vena progresiva. Sinceramente, me gusta más cómo ha quedado su versión alternativa, quinta canción del Ep, ya que es algo más guitarrera, especialmente por el solo.

Esa misma senda agónica, enigmática y oscura es la que recorre “Clayton Boys”. Un corte progresivo que al final aumenta su intensidad y sirve como preludio de los dos temas más potentes: “Indian Theme” y “Train Assault”. Canciones en las que ya reconocemos a Mastodon, con sus riffs monolíticos e imponentes y sus acertados e inspirados solos de guitarra.

Probablemente, la sensación ‘postmetalera’ aparece por dos cuestiones. La primera, la ausencia de voces a lo largo de todo el Ep, una decisión que me parece acertada cuando se trata de crear la música de ambiente de un film. Y segunda, por la decisión de incluir las tomas alternativas de “Death March” -la canción más densa, progresiva y larga del Ep- y “Clayton Boys”.

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Valoración: 7,5

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Texto: Carlos A.S.

 

Grupo: Mastodon
Álbum: Jonah Hex: Revenge Gets Ugly EP
Sello: Reprise Records
País: Estados Unidos
Fecha de publicación: 29 de junio de 2010

Más información: Web/MySpace/Facebook/Twitter

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

01 – Death March
02 – Clayton Boys
03 – Indian Theme
04 – Train Assault
05 – Death March – Alternative Version
06 – Clayton Boys – Alternative Version

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Han pasado justamente 20 años del lanzamiento del EP In Memorium y si algo ha prevalecido en la trayectoria del grupo británico Cathedral es la evolución constante que han ido mostrando en sus álbumes. Llegados al 2010, se nos “plantan” con The Guessing Game un doble álbum cuyo contenido recoge, precisamente, una diversidad de sonidos que evocan todas y cada una de las texturas que han acabado por conformar su personalidad como banda.

En estos momentos, cuando hablamos de Cathedral ya no podemos referirnos simplemente como aquella banda que sentó las bases del doom metal en la década de los 90. En la actualidad, y teniendo en cuenta su carrera además de este The Guessing Game como última referencia, los horizontes de sus parámetros estilísticos quedan difuminados en una encrucijada de caminos donde se concentran elementos que encajan perfectamente dentro de lo heavy, lo progresivo y lo psicodélico, junto a sus perseverantes esencias doom y el correspondiente revestimiento de metal.

Lo cierto es que The Guessing Game muestra a unos Cathedral más versátiles que nunca. Dispuestos a sorprender en cada composición. El álbum comienza con “Immaculate Misconception”, una intro de teclados psicodélicos, aplastantes riffs y refinadas líneas de bajo, con el llanto de un niño al final que hace de puente hacia “Funeral Of Dreams”, tema que alterna ramalazos enérgicos de pesadas guitarras con formas sosegadas y un Lee Dorrian aportando tonos suaves en una vocalización de lo más peculiar y sugestiva. Le sigue “Painting In The Dark”, uno de los cortes más interesantes, que lleva impregnada la “marca de fábrica” de Cathedral, con un ritmo sostenido donde guitarra, bajo y batería se complementan de maravilla y que luego se desboca en una creativa variedad de cambios de dinámica.

Un inicio desestabilizador que hace de bucle seductor para enganchar al oyente irremisiblemente hacia un esotérico universo donde, al aparecer “Death Of An Anarchist”, volverá a encontrarse con la densidad de las guitarras envueltas en atmósferas melancólicas y los giros inesperados de alto voltage. Luego del divertimento acústico que da título al disco, llega “Edwige’s Eyes” otro amasijo de elucubraciones sonoras donde la psicodelia se funde con los perfiles condensados de las erosivas guitarras apoyadas con la presencia del bajo, casi siempre en una destacada posición.

“Cats, Incense, Candles & Wine”, cierra el primer CD con una dosis semiacústica de extravagancia inclasificable.

Con lo expuesto hasta ahora ya podrían haber contentado a todos sus seguidores pero el segundo CD completa un trabajo excepcional, con un inicio marcado por la oscuridad y densidad de “One Dimensional People”, para atacar seguidamente con la vibrante “The Casket Chasers”, otra de las piezas más desequilibrantes, con las aplastantes y reconocidas guitarras de Garry Jennings explotando sus mejores virtudes, secundado por la eficaz sección rítmica formada por Leo Smee (bajo) y Brian Dixon (batería), magníficamente aprovechada a lo largo del álbum. Lo que sigue, con doble título español/ingles, no tiene desperdicio. “La Noche Del Buque Maldito (aka. Ghost Ship Of The Blind Dead)”, con un inicio fantasmagórico y posterior irrupción de frenéticas guitarras.

Después de incursionar en oscuros laberintos progresivos con “The Running Man”, retoman sus mejores argumentos doom con “Requiem For The Voiceless”, donde asoma el espíritu de los Black Sabbath primigenios, con la presencia de siniestras guitarras acompañando a la desgarrada voz de Dorrian, en un infernal recorrido de cerca de 10 minutos de continuo desgaste.

“Journeys Into Jade”, despide la grabación manteniendo alto el nivel de eficacia, con nuevas y abrasadoras guitarras y ritmos aplastantes.

Tras la edición de The Garden Of Unearthly Delights en 2005, cinco años han sido mucha espera, no obstante, Cathedral han sabido compensarlo facturando un álbum pletórico e imaginativo donde ha aflorado toda la madurez adquirida y en el que se han permitido explotar todo su potencial asumiendo nuevos retos para experimentar más allá de sus propias fronteras.

CALIFICACION: 9,25/10

GRUPO: Cathedral
TITULO: The Guessing Game
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2010
PAIS: Gran Bretaña

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Seguramente, habrá quien trate de oportunista a Jorn Lande por editar este tributo a Ronnie James Dio en un momento tan crucial. ¿Astuto?, ¿aprovechado?, ¿inteligente? Lo cierto es que Jorn empezó a trabajar en el disco desde que tuvo la primera noticia del cáncer del “pequeño/gran” vocalista. Su idea era presentarlo en vida del cantante norteamericano pero, como es sabido por todos sus seguidores, los acontecimientos se precipitaron y no pudo ser.

Polémica aparte, si alguien podía ofrecer un homenaje a Dio con plenas garantías ese es Jorn, puesto que son de sobras reconocidas las similitudes del registro vocal del noruego con respecto al fallecido músico. De hecho, en muchos de los temas Jorn clava tan perfectamente los tonos que da cierta turbación escucharlos. Pero, tenemos que considerar que es algo obvio, ya que, si ya habitualmente muchas de sus composiciones tienen ese énfasis, con toda razón se mimetizan en esta oportunidad.

Pero, lo que debe quedar claro es que no se trata de la recopilación de unos grandes éxitos de Dio, sino de una ofrenda de Jorn hacia el “gran maestro”. En consecuencia, no encontraremos aquí algunos los temas más representativos sino los que Jorn ha considerado oportuno incluir según su criterio.

Sea como fuere, se trata de una recopilación que incluye un tema compuesto expresamente para la ocasión, “Song For Ronnie James”, en el que Jorn ha utilizado algunos títulos de canciones para confeccionar una letra intimista dentro de un concepto melodramático.

Obviamente, no podían faltar algunos clásicos como, “Invisible”, “Shame On The Night”, “Stand Up And Shout”, “Don’t Talk To Strangers”, “Sacred Heart” y “Straight Through The Heart”, este último en directo; a los que se unen canciones menos reconocidas a nivel general como, “Push”, “Lord Of The Last Day”, “Night People” y “Sunset Superman”. Supongo que en un intento de no limitarse a la primera y mejor etapa y así abarcar más ampliamente la carrera de Dio. De lo contrario, no se entiende la ausencia de “Rainbow In The Dark”, “Holy Diver”, “We Rock” o, “The Last In Line”.

Foto: Cristel Brouwer

También se aporta una pequeña cuota de su etapa en Rainbow con “Kill The King”, aquí sí con excelente visión, así como de Black Sabbath, con un meddley protagonizado por “Lonely Is The World” y “Letters From Earth”.

Como suele ser habitual en las producciones de Frontiers, el sonido es impecable, mientras que el trabajo a las guitarras de Jgor Gianola (UDO) y Tore Moren es simplemente brillante, rescatando el vibrante espíritu dinámico que contienen las canciones originales y que les otorga un plus de intensidad renovada.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Jorn
TITULO: Dio
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Noruega

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Hubo un momento entre la década de los 90 y los primeros años del nuevo milenio en que la trayectoria de Exodus parecía encaminarse a su definitivo final. Solo la determinación de Gary Holt pudo con los diversos problemas (enfermedades y muertes) que afectaron la estabilidad de la formación norteamericana, una de las piezas básicas en las que se asentó el thrash metal procedente de la Bay Area de San Francisco.

No fue hasta el 2004, con el lanzamiento de Tempo Of The Damned, cuando Exodus volvió a dar sensación de un esperado resurgimiento. A partir de entonces la banda californiana comenzó a experimentar una auténtica recuperación que se vio ratificada con álbumes altamente competitivos como Shovel Headed Kill Machine (2005) y The Atrocity Exhibition (Exhibit A) (2007), hasta llegar a la actualidad con Exhibit B: The Human Condition, trabajo donde, a una formación plenamente asentada formada por Gary Holt (guitarra), Rob Dukes (voz), Lee Altus (guitarra) y Jack Gibson (bajo), se ha vuelto a unir Tom Hunting, batería original, tras superar ciertos problemas personales.

Una cosa es cierta, en los últimos años, Exodus ha logrado tal estado de eficacia que sus discos se han convertido en sólidos tratados de puro thrash metal, donde los riffs de guitarra alcanzan un predominante protagonismo, así como la subordinación a la agresividad vocal. En segundo término, la batería aporta el músculo y consistencia necesarios para reforzar las estructuras, quedando el bajo como complemento al que se le conceden puntuales momentos de vistosidad, algo que se puede apreciar en la instrumental “A Perpetual State Of Indiference” o en el inicio de canciones como, “Democide” y “Downfall”, tema que en determinadas partes se sale del hermético dinamismo al que están expuestos los esquemas que subyugan todas y cada una de las canciones. De hecho, la eficiencia es tan aplastante que da la sensación de que Exodus fuerzan la maquinaria hasta el límite de sus posibilidades.

Quizá las falte algo de la frescura de sus inicios pero, a cambio, han ganado una firme cohesión que, apoyada en la tecnología actual y la excelente producción de Andy Sneap, les permite desarrollar atmósferas asfixiantes por donde galopan guitarras de hiriente desenfreno y demoledores ritmos. En el fondo, son necesarias varias escuchas para disfrutar de la experiencia e ir reconociendo las numerosas cualidades del álbum, así como la capacidad de todos los músicos implicados.

En cierta forma, aún manteniendo sus coordenadas originales como inalterable ADN, han introducido injertos de metal contemporáneo para acomodarse a los tiempos y no depender totalmente de su pasado. Se podría afirmar que, en la actualidad, hay algunos grupos que suenan más a los Exodus de los 80 que ellos mismos.

De un álbum que, como quedó dicho, hay que disponer del suficiente tiempo como para apreciarlo en su debida dimensión, destacan composiciones como, “The Ballad Of Leonard And Charles”, “March Of The Psicophants”, “Nanking”, “The Sun Is My Destroyer” o, “God Riddance” aunque, en el fondo, lo que prevalece es la sensación de conjunto, de la entrega un puñado de canciones absolutamente consolidadas en unos parámetros de erosiva contundencia.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Exodus
TITULO: Exhibit B: The Human Condition
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Formados en 2004, los suecos Enforcer se sitúan en ese universo de bandas de nueva generación que rescatan el pasado reciclando el heavy clásicamente “ochentero” y al que le añaden residuos del casi olvidado speed metal. Bajo estas premisas debutaron en 2008 con Into The Night, consiguiendo llamar la atención de la prensa especializada, y que ahora ratifican con Diamonds, un álbum donde han soltado lastre en cuanto a velocidad para centrarse más en los medios tiempos.

Este leve pero perceptible cambio de orientación los sitúa en estos momentos en unos esquemas más encajados en el heavy metal que en cualquier otra tendencia, con los primerizos Iron Maiden como influencia definitiva, principalmente en las armonías de guitarra y en el protagonismo que se le concede al bajo, tal como se puede apreciar en, “Midnight Vice”, “Roll The Dice” o la instrumental “Diamonds”.

Algunas composiciones tienen un acercamiento al heavy más pegadizo, como “Katana” y “Running In Menace”, esta última con ciertos reflejos propios de Scorpions, quizá motivado también por el agudo registro del vocalista Olof Wilkstrand, al estilo de Claus Meine. Esto en lo que tiene que ver en su vertiente más melódica porque, cuando pisan el acelerador, se transforman en un combo speed al estilo de agrupaciones menores que, sin embargo, editaron un buen puñado de álbumes en la década de los 80, tipo Whiplash, Hallows Eve, Razor o Exiter, evidenciado en temas como, “High Roller”, “Nightmares” y, sobre todo, en “Live For The Night”.

Una formación más, al estilo de White Wizzard y Cauldron (también vinculadas a Earache Records), a sumar a la moda retro del heavy metal más genuino, antes de que se tecnificara en excesivo y perdiese parte de su frescura; solo es necesario escuchar atentamente las partes de batería de Diamonds para transportarse a la crudeza primigenia del estilo.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Enforcer
TITULO: Diamonds
DISCOGRAFICA: Earache Records
AÑO: 2010
PAIS: Suecia

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Tras dos décadas de actividad, los componentes del grupo segoviano Lujuria han tenido la inteligente idea de realizar un particular tributo a los músicos pioneros del rock español quienes dejaron la vida en el camino.

El álbum lleva por título Llama Eterna y ha contado con la producción de José Garrido y Daniel Melián. Además, se adjunta un emotivo y completo libreto, con profusión de fotografías, en el que cada banda implicada aporta unas frases recordando a los compañeros desaparecidos.

Es un disco de versiones, pero un disco de versiones distinto a cualquier otro, desarrollado de tal manera que, a la vez que lleva impresa las señas de identidad individual de cada grupo, muestra las características habituales en las grabaciones de Lujuria. Es decir, estamos ante un álbum de heavy metal enriquecido con las particularidades del estilo de los homenajeados.

También han grabado un tema inédito, “Estrella del rock”, con el que Lujuria honra la memoria del que fuera popular manager Javier Gálvez, bajo cuyo espíritu el disco ha tomado forma. Asimismo, se incluye “Destrucción” canción dedicada a la memoria de Osvaldo Civile, del grupo argentino V8, en un representativo acercamiento a Latinoamérica.

La relación de temas restantes es la siguiente: “Esta es una noche de rock and roll” (Barricada), a la memoria de Mikel Astrain; “El heavy no es violencia” (Bruque), a la memoria de Pedro Bruque; “La fuerza del rock” (Goliath), a la memoria de Javier Ponce; “Después del concierto” (Topo), a la memoria de Terry Barrios y Víctor Ruiz; “Balada para una viuda” (Burning), a la memoria de Toño, Pepe Risi y Arturo Terriza; “No hay piedad para los condenados” (Santa), a la memoria de Azuzena; “Necesito un trago” (Tequila), a la memoria de Manolo Iglesias y Julián Infante; “Tu frialdad” (Triana), a la memoria de Jesús de la Rosa y Tele Palacios.

Cada composición tiene su toque distintivo aunque, en opinión personal y subjetiva, destacaría especialmente las de Barricada, Santa y Triana.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Lujuria
TITULO: Llama Eterna
DISCOGRAFICA: Maldito Records
AÑO: 2010
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Afincada en Granada, Blindfall es una formación compuesta por miembros procedentes de España, Francia y Alemania. Tras editar el EP Drown (2005) y el álbum beSide (2007), irrumpen con categórica inspiración en 2010 con su nuevo álbum Scars And Secrets, grabado en los estudios La Sala de Máquinas, con Manuel Torroglosa y producido por Francois Maigret (alias Shanka).

Además de la habilidad mostrada por todos los músicos, el excelente tratamiento técnico detrás de los controles permite disfrutar de un sonido envidiable donde todos los instrumentos aparecen en un mismo nivel de protagonismo y dotan a la grabación de un equilibrio fundamental en sus complejas pero también asimilables estructuras.

Blindfall, tiene la ventaja de contar con elementos cuya capacidad se reparte con equitativo mérito. Inga Roser, aporta una sugestiva sensibilidad en las partes vocales de suaves registros y potente caudal; Chema (bajo) y Vincent (batería) dominan los entresijos rítmicos con resolutivos recursos, mientras que Julien (que junto con Vincent aportan las partes de voz agresivas), exhibe una inventiva desestabilizadora.

Definitivamente, Scars And Secrets es uno de esos discos de etiqueta incierta imposible de encajar en una tendencia concreta. Se trata de un trabajo de atmósferas diversas con un recorrido expuesto a sentimientos adaptables a desarrollos libres de vínculos estilísticos.

“Black Dolls”, es un inicio representativo, con bajo, guitarra y batería creando un ambiente enredado del que sobresale el particular registro de Inga mezclado con gritos de fondo. Esta misma característica encontramos en “Deep Inside”, pieza oscura provista de una marcada sensibilidad. A continuación, un punteo de bajo nos introduce en “Other Lives”, canción donde la dualidad suavidad/brutalidad forman una atractiva dicotomía con sus repentinas pausas y subsiguientes arremetidas rítmicas. Algo de lo que también podemos disfrutar en “Crossing Minds”, de nuevo con Inga haciendo un espléndido trabajo y de cuya delicadeza podemos disfrutar plenamente en “Truth Left Behind”, la canción más sencilla del disco junto a “Suspiro”, y que está orientada hacia el aspecto vocal.

La versatilidad de Blindfall queda plasmada de forma concluyente en “Lost Children”, con unas partes de guitarra a modo de “guiño” a los “spaghetti western” así como sus momentos de ritmos fronterizos con el punk y, en “The Question Song”, tema que penetra con soltura en el terreno de Rage Against The Machine, locuras guitarreras incluidas.

En conclusión, un álbum sin ataduras en el que sus composiciones incursionan en un universo donde prevalece la libertad de esquemas y la creatividad como elementos desequilibrantes; así lo atestigua el tema título y su frenético final. De lo mejor que se facturado en tierras españolas en 2010, aunque con una formación internacional.

CALIFICACION: 9,25/10

GRUPO: Blindfall
TITULO: Scars And Secrets
DISCOGRAFICA: Autoeditado
AÑO: 2010
PAIS: Plurinacional

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Tras editar un par de EP’s y un álbum, los alemanes Callejon dieron un trascendental paso en su trayectoria al firmar con el poderoso sello Nuclear Blast, compañía para quien no pasó desapercibido el potencial de la banda procedente de Colonia.

Con su impronunciable debut con el sello germano, Zombieactionhauptquartier, aparecido en 2008, las expectativas fueron respondidas en gran medida puesto que los parámetros de Callejon, además de encajar en un desenfrenado metal extremo, añadían ciertas características que marcaban diferencias como la mezcla de ingredientes vinculados al screamo, al metalcore y al metal melódico; todo ello, regado con algún guiño electrónico y rematado con una producción competente que extraía un sonido técnicamente perfecto dentro de unas aristas abruptas que rozaban el caos.

Bien, pues dos años después de su anterior trabajo Callejón repiten fórmula sin excesivas variaciones y con la misma consistencia a través de un trabajo de título menos complicado, Videodrom, en el que combinan desbocadas arremetidas de candente energía con delirios de chispeante armonía. En definitiva desmadre instrumental sujeto a determinadas concesiones accesibles.

En todo caso, se nota una mayor apuesta por las atmósferas melódicas y menos virulencia en los ritmos, en general, aunque no signifique haber perdido contundencia. Callejon sigue tratándose de una banda de esquemas epilépticos, con unas voces que, por momentos, escupen desquiciantes gritos de furia para mutar hacia formas armoniosas buscando un equilibrio que evita el agobio.

También siguen manteniendo su postura de compaginar las letras en inglés y alemán, así como dar la suficiente importancia a la imagen como complemento transgresor, como se puede observar en la portada del disco, fotografías y videos de la banda.

Una buena manera de afrontar el metal del futuro en un universo donde ser diferente cada vez cuesta más imaginación.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Callejon
TITULO: Videodrom
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2010
PAIS: Alemania

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Y&T llevan, por derecho propio, la etiqueta de “grupo clásico” marcada en su historial. Discos como Earthshaker, Black Tiger y Mean Streak, facturados en la década de los ochenta los catapultaron hacia la fama de manera más que merecida.

Los vaivenes de las modas dejaron al grupo californiano fuera de foco durante un largo tiempo. Ahora, nada menos que trece años después de su último lanzamiento, el vocalista y guitarrista Dave Meniketti y el bajista Phil Kennemore, únicos miembros originales que permanecen en la banda, han unido fuerzas con los más nuevos, John Nymann (guitarra) y Mike Vanderhule (batería), para reactivar su carrera discográfica y demostrar que siguen teniendo el suficiente “feeling” como para que sus seguidores disfruten de unas composiciones que destacan, ante todo, por sus crudos perfiles, probablemente debido a haber realizado la grabación en directo en el estudio para capturar un sonido orgánico, alejado de tecnicismos artificiales.

Precisamente, y por venir de Frontiers, un sello donde la producción se cuida al máximo, sorprende la opción de Y&T de buscar la naturalidad ante todo. Aunque eso signifique sacrificar la sonoridad de la batería en diversas composiciones.

Como ha sido habitual en el contenido de sus grabaciones, las partes melódicas, con estribillos pegadizos protagonizan la mayor parte del álbum, con momentos que pueden catalogarse de convencionales. De hecho el disco, pese a comenzar con una energética “On With The Show”, transcurre por cauces bastante previsibles durante un largo primer tramo, solo rescatable por las habilidades guitarreras de Dave y su capacidad para realzar cualquier canción, como sucede con su aportación en “I Want Your Money”, “Shine On” y “If You Want Me”, en esta última con ciertos aromas blueseros.

No obstante, tendremos que esperar hasta el noveno tema, “Hot Shot”, para que Y&T nos convenzan de que su creatividad no está falta de ideas. A partir de aquí, el álbum gana en consistencia, en riesgo y en imaginación, con un riff que recuerda al “Hot Blooded” de Foreigner mezclado con ritmos marcados al estilo AC/DC y un desequilibrante solo de guitarra como culminación.

Seguidamente, con “Blind Patrol” se apropian del espíritu de Ritchie Blackmore para facturar una canción intensa y repleta de dinamismo, con nuevas y desestabilizadoras contribuciones solistas de guitarra.

El disco continua ganando méritos con “Don’t Bring Me Down” y su sensible inicio de guitarras acústicas, sus fraseos grooves y su emotivo cambio de ritmo.

Y si hablamos de momentos emotivos con carisma, “Gonna Go Blind”, con su pegadizo estribillo y sus flirteos blueseros, los refleja con suficiencia.

Para terminar de distinguir lo más atractivo de Facemelter, “One Life” aporta interesantes momentos de batería a juego con nuevas intervenciones guitarreras de calidad contrastada.

Finalmente, mencionar el excelente desempeño de Dave Meniketti en el apartado vocal, con un registro que con los años ha ganado en madurez y versatilidad.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Y&T
TITULO: Facemelter
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tres años han pasado desde que Black Majesty nos sorprendieran con aquel excelente Tomorrowland, donde exponían sus virtudes dentro de un marco de power metal de vinculaciones clásicas pero, a su vez, dotado con ciertos ingredientes desestabilizadores que les otorgaban un adicional toque de distinción.

Bien, pues, los australianos, mantienen aquellas premisas en su nuevo álbum, In Your Honour, título dedicado a todos sus seguidores quienes han sido, a fin de cuentas, los que han permitido que una banda procedente de aquellas lejanas tierras haya podido tener una repercusión a nivel internacional sin ajustarse a los parámetros del sonido AC/DC, camino que han seguido la muchos de sus compatriotas.

Black Majesty, han optado por otras premisas, por referencias ligadas a bandas como Iron Maiden, Queensryche, Helloween o Judas Priest, aprovechando el potencial de la garganta del vocalista John Cavaliere, muy en la onda de Bruce Dickinson o Geoff Tate, junto con las habilidades guitarreras de Steve Janevski y Hanny Mohamed, a quienes se añade la contundente labor del batería Pavel Kornvalinka.

Apoyados en la excelente producción de Roland Grapow (Masterplan, ex Helloween), quien de power metal sabe un mundo, Black Majesty desarrollan unas composiciones repletas de mágicas armonías, sugestivos solos, intrépidos ritmos y voces de sobrado caudal, como demuestran desde la inicial “Far Beyond”, ligada irremediablemente a los mencionados Iron Maiden aunque aquí sin protagonismo del bajo, algo que cambia en el último tramo de “God Of War”, donde sí se nota la presencia de las cuatro cuerdas, aportadas de forma anónima ya que no cuentan con un bajista fijo.

Puede ser que al álbum recoja los tópicos inherentes al estilo pero, si en algo se desmarcan Black Majesty de muchas de las bandas de similares características es en aportar un sonido más crudo de lo habitual.

“Break These Chains”, por ejemplo, abraza las atmósferas épicas dentro de una dinámica de marcado acento power, con un sensacional aporte de Cavaliere, mientras que en “Further Than Insane” nos muestran su lado más colérico con veloces riffs dentro de un entorno frenético con pausas para dejar que las guitarras dibujen intrincados entramados; mientras que “End Of Time” diversifica argumentos de uno y otro lado, con un potente riff haciendo de puente entre ambientes enérgicos a la vez que armoniosos.

Epica, contundencia y, de nuevo el espíritu Maiden, encontramos otra vez en “Wish You Well”, además de un giro estructural de ingeniosa creatividad.

Vibrante y repleta de exhuberancia, “Follow” es una recopilación de todas las excelencias de los australianos… voz pletórica, guitarras afiladas y baterías resolutivas, mismas características que se aprecian en “Witching Hour”, la despedida con un John más intenso que en el resto de canciones y unos fraseos de guitarra desequilibrantes.

Un álbum de power metal en el que la agresividad y la sutileza se fusionan con evidente eficacia.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Black Majesty
TITULO: In Your Honour
DISCOGRAFICA: Limb Music
AÑO: 2010
PAIS: Australia

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Pablo M. Beleña – www.portalesquizofrenia.com

 

 

Solventadas las diferencias entre Roland Grapow y Jorn Lande, que provocaron la salida de este último de Masterplan en 2005 y, tras una experiencia no del todo positiva con el vocalista de Riot Mike DiMeo quien puso las voces en MK II su anterior disco, guitarrista y cantante han unido fuerzas de nuevo para sacar adelante el cuarto álbum de la formación alemana de power metal, en la que también figuran el portentoso Mike Terrana (batería), Axel Mackenrott (teclado) y Jan S. Eckert (bajo).

El disco, se ciñe a los parámetros habituales del grupo, atmósferas de relativa grandiosidad, sin llegar a lo pomposo, excelentes aportaciones de teclados, la hábil intromisión guitarrera del ex Helloween y, por supuesto, la inconfundible presencia de Jorn desparramando su colosal caudal de voz con grandes dosis de generosidad, sin olvidar la experimentada participación de Terrana dando consistencia con su dura pegada.

El disco, abarca composiciones de distintos perfiles aunque siempre dentro de los cánones inherentes a la trayectoria de la banda. El comienzo, con “Fiddle Of Time”, es trepidante y desestabilizador, con Jorn exhibiendo su registro más cercano a Ronnie James Dio, unos teclados sumamente expresivos y un riff de vibrantes formas. Seguidamente las revoluciones bajan algunos enteros con “Blow Your Winds”, pieza más encauzada hacia el medio tiempo de vértices melódicos. Algo más movido pero continuando la estela del anterior, aparece “Far From The End Of The World”. Con “Time To Be King” el disco recupera emociones más intensas repartiendo dinamismo junto a giros más marcados, así como un atractivo fraseo obra de Roland.

Por otra parte, “Lonely Winds Of War” nos envuelve en un ambiente más épico, con ritmos algo densos y voces cargadas de dramatismo, el mismo que impregna “The Dark Road”, tema que alterna momentos sosegados con irrupciones energéticas. Cuando la cosa parece ponerse algo aletargada, el grupo despierta los sentidos del oyente de vuelta al tremendismo con una sensacional, “The Sun Is In Your Hands”, donde la maquinaria de Masterplan retoma su senda más intensa.

Ya en el tramo final “The Black One”, sin perder potencia, contribuye a colocar algo de magnetismo además de rescatar del anonimato a Jan, quien demuestra que el bajo también tiene sus posibilidades de explotación si se le deja el espacio suficiente.

“Blue Europa” y “Under The Moon”, igualmente consistentes y cargadas de energía a la vez que sensibilidad, ponen punto final a un álbum que, como ha quedado dicho al principio, destaca por su versatilidad y por el equitativo reparto de protagonismo (salvo el bajo) incluyendo a un Jorn Lande más oculto de lo habitual entre las partes instrumentales. Cosas de la producción, supongo, que no desvirtúa el resultado final.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: Masterplan
TITULO: Time To Be King
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2010
PAIS: Alemania

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

With Flesh Unbound, es el debut de Syn:Drom, una banda sueca de corta trayectoria, formada en 2005, y alineada con los parámetros propios de formaciones como Morbid Angel, Nile o Vader, es decir death metal con ciertos rasgos de la escuela clásica a los que añaden ingredientes contemporáneos que podríamos catalogar de vanguardistas, sobre todo, en lo que respecta a las partes de guitarras, con vinculaciones al estilo de los polacos Decapitated.

Jonny Pettersson, se encarga de dotar al disco de la necesaria “mala leche” aportando la correspondiente ira vocal; mientras que Daniel Mikaelsson, contribuye a solidificar las estructuras en base a un continuo y demoledor aporreamiento de bombos y tambores, ayudado en la parte rítmica por el bajista Daniel Asén, en la medida de lo que la producción le permite,.

Pero la fuerza intrínseca de With Flesh Unbound radica en los recursos guitarreros de Roger Bergsten y el solista David Karlsson. El primero surtiendo a la grabación de corpulentos riffs y el segundo haciendo auténticos malabarismos con las seis cuerdas en su sentido más retorcido y envenenado, con momentos suficientemente inspirados como para ofrecer algo de variedad en unos esquemas bastante rígidos. En este aspecto, “The Marked One” destaca por los requiebros dinámicos de las guitarras y sus hirientes injertos chirriantes.

Todas estas premisas unidas, conforman un compacto tratado de metal desestabilizador no exento de abundante técnica y perfiles desquiciantes que se distribuyen equitativamente de principio a fin, sin apenas concesiones melódicas, en todo caso, alguna que otra armonía asociada a la brusquedad del entorno genérico, como se puede apreciar en cortes como “Obsolete Gods” o “Trapped Beyond”.

En conclusión, un desenfreno total canalizado a través de brillantes dosis de tecnicismo instrumental.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Syn:Drom
TITULO: With Flesh Unbound
DISCOGRAFICA: Vicisolum Productions
AÑO: 2010
PAIS: Suecia

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

El trío canadiense Triumph, formado por Rik Emmett (guitarra y voz), Mike Levine (bajo y teclados) y Gil Moore (batería y voces), se suma a los regresos gloriosos que, periódica e inexorablemente, se vienen realizando en el mundo del rock.

Después de disfrutar de un notable éxito en la década de los 70 y parte de los 80, con álbumes tan representativos como Rock And Roll Machine (1977), Just A Game (79), Progressions Of Power (80), Allied Forces (81) o Never Surrender (83), Rik abandonó en 1988 dejando al grupo algo “tocado”, aunque continuó sus actividades con el guitarrista, y también teclista, Rick Santers, incorporado en 1984, así como con el guitarrista Phil X, quien estuvo durante el último año de funcionamiento de la banda hasta que en 1993 cesó sus actividades.

En 2008 la formación original se reunió de nuevo para participar en el Sweden Rock Festival y parece que la química funcionó porque, ahora, bajo el apoyo de Frontiers Records editan esta colección de grandes éxitos con la particularidad de haber sido remezclados con el consiguiente mejoramiento de su sonoridad.

Así, Greatest Hits (Remixed), nos ofrece la oportunidad de disfrutar de un puñado de canciones de lo más representativas en la trayectoria de los canadienses, aunque se note determinada preferencia hacia los tema más melódicos con dominio de los medios tiempos y las baladas dotadas de cierta movilidad, como, “Lay It On The Line”, “Follow Your Heart”, “Magic Power”, “Hold On”, “Just One Night”, “Fight The Good Fight”, “Somebody’s Out There” o, la carismática “Never Surrender”, con el brillante aporte del bajo así como de la calidad guitarrera de Rik, quien deja muestra de sus reconocidas virtudes a lo largo del disco.

Aunque en menor cantidad, también aparecen piezas con mayor poder energético como la indispensable y “marchosa” “Allien Forces” junto a las rockeras “I Live For The Weekend” y “Spellbound”.

Mención especial para la resplandeciente “When The Lights Go Wown”, con su atractivo inicio de slide, además de la posterior filigrana guitarrera distorsionada como nueva muestra de la habilidad de Rik.

No falta su himno por excelencia “Rock And Roll Machine”, como el resto de composiciones, realzada de forma cualitativa por la nueva producción.

Un disco para redescubrir las facultades de estos tres tremendos músicos, rescatados del anonimato en el que estaban inmersos tras años de silencio.

El álbum se completa con un tema ajeno, la balada “Love Hurts”, original de los Everly Brothers y versionada por diversas formaciones a través de los años, en ocasiones con importante repercusión como en el caso de Nazareth.

Una pena que se haya quedado fuera la desequilibrante “Too Much Thinking”.

La edición especial cuenta con un DVD en sonido 5.1 y 11 videos, algunos inéditos.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Triumph
TITULO: Greatest Hits (Remixed)
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Canadá

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

The Frozen Tears Of Angels, el nuevo álbum de Rhapsody Of Fire, viene a ratificar las consabidas virtudes de la formación italiana comandada por Luca Turilli (guitarra) Alex Staropoli (teclados) y Fabio Lione (voz), todos con determinado peso específico dentro de las grandilocuentes estructuras que suelen presentar sus grabaciones. Sin olvidar el competitivo trabajo complementario de Patrice Guers y Alex Holzwarth al bajo y batería respectivamente.

Ya con la sólida experiencia adquirida tras más de una docena de años de trayectoria, y sus reconocidas habilidades, un nuevo disco de Rhapsody Of Fire quizá no sorprenda pero tampoco defraudará, a sus seguidores en particular, y a los aficionados el metal sinfónico en general.

Y es que The Frozen Tears Of Angels cuenta con todos los ingredientes inherentes a las propuestas que han ido entregando durante sus años de actividad.

De esta forma, cada composición tiene unas perspectivas en las que, dentro de un entorno general de abrumadora exquisitez, destaca algún punto en concreto. En el inicio, por ejemplo, con la intro “Dark Frozen World” seguida de “Sea Of Fate”, al mismo tiempo que redescubrimos el potente registro vocal de Fabio, reconocemos las huellas de identidad de Luca en diversos e inspirados momentos, con un pequeño lapsus de protagonismo a cargo de Patrice, algo que también notaremos en “Crystal Moonlight”, aquí, además con una potente pegada a cargo Alex, unos sugestivos inicios de teclados y unas vibrantes armonías de guitarra.

En “Reign Of Terror” siguen presentes las mismas premisas, con Turilli exhibiendo facultades en considerables cantidades, dentro de una atmósfera cargada de grandilocuencia operística y unos coros de sublime grandiosidad

Después de una ración de suprema intensidad el panorama cambia por completo con “Danza Di Fuoco E Ghiaccio”, un divertimento de ambiente medieval, con la delicadeza de las flautas apoyando a Fabio en sus desarrollos vocales en italiano y posterior entrada de unas sensibles guitarras acústicas.

“Raging Starfire”, restituye los esquemas suntuosos, las vibraciones rítmicas y las melodías sofisticadas donde teclados y guitarras se fusionan con creatividad, mientras que en “Lost In Cold Dreams”, bajan la intensidad para introducirnos en un momentáneo dramatismo lírico de tramos pausados que desembocan en la versátil “One The Way To Ainor”, canción de contrastes y cambios de ritmo continuos, con un Luca Turilli inspiradísimo en la parte final; para acabar con “The Frozen Tears Of Angels”, que engloba todas las características mencionadas anteriormente.

En la versión especial digipak se incluyen dos bonus, “Labyrinth Of Madness y “Sea Of Fate” (versión orquestada).

Por lo demás, sonido impecable producido por los propios, Luca Turilli y Alex Starapoli, y mezclado por el refutado Sascha Paeth.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Rhapsody Of Fire
TITULO: The Frozen Tears Of Angels
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2010
PAIS: Italia

 

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Después de su debut Ven A Mí de 2008, los catalanes Tabü publican su segundo álbum, Romper Con Todo, grabado, mezclado y masterizado en los estudios Sonido XXI de Navarra por Javier San Martín.

El rock de Tabü se centra en unos parámetros de esquemas accesibles con la voz de David García teniendo un importante protagonismo junto a la imprescindible labor de Oscar Manzano en las guitarras, ambos apoyados por José Angel Sánchez a la batería en un trabajo que se presume secundario pero que dota a las canciones de la necesaria consistencia.

Romper Con Todo, es un disco cuyos horizontes compaginan dos vertientes distintas fusionadas con inteligencia como son los perfiles melódicos con ciertas intrusiones energéticas que proyectan al disco hacia entornos propios del hard rock. Esto se puede comprobar desde el tema inicial “Hoy Por Ti” y en composiciones como “Quién”, en las que unas vigorosas guitarras comparten espacio con sugerentes voces, en lo que representa uno de los mejores aportes de David por su capacidad para concluir determinadas frases, algo que también se puede observar en “Fuego En La Noche”, un medio tiempo en el que guitarras y partes vocales encajan a la perfección, demostrando que cuando se tienen ciertas virtudes, el rock cantado en castellano no tiene porque sonar forzado.

También se intuyen acercamientos hacia las fronteras del heavy con “Dame” y su efectivo riff que recuerda a Saxon, además de un vibrante ritmo acompañado de sugestivos coros y, que se constituye en lo más potente del álbum junto a “Romper Con Todo” y sus huellas cercanas a Deep Purple con un riff muy propio de Ritchie Blackmore y un excelente solo a cargo de Oscar.

Como grupo cuyas directrices acogen elementos románticos, no desaprovechan esa vertiente para ofrecer sus dosis de sentimiento devenidas en baladas como “Amanecer Sin Ti” y “Tiempo”, que encantarán a los amantes de la delicadeza

Y si hablamos de no complicar las cosas y hacer efectivo lo sencillo, ahí está “Sigues En Mí”, con su riff directo acompañando una estructura sin complicaciones pero tremendamente eficaz, al igual que la pegadiza “Siéntelo”, a la que no le falta un acertado solo guitarrero.

El disco se completa con una versión acústica de “Ven A Mí”, perteneciente a su anterior disco.

Definitivamente, Romper Con Todo es un álbum en el que Tabü han sabido compaginar con imaginación una dualidad en la que la energía en dosis bien definidas fluye con naturalidad en un contexto donde reina la armonía.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Tabü
TITULO: Romper Con Todo
DISCOGRAFICA: Producciones Malditas
AÑO: 2010
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

La firma de los albaceteños Angelus Apátrida por un sello tan poderoso a nivel internacional como Century Media, significó un inmediato aumento de expectativas a nivel estatal, tanto de prensa como de aficionados. Algo lógico si tenemos en cuenta que son contadas las formaciones españolas que tienen la oportunidad de encarrilar su trayectoria a nivel internacional.

Con su anterior álbum Give ‘Em War ya hicieron méritos suficientes para llamar la atención de alguna compañía importante y el premio no tardó en llegar.

Con mejores medios técnicos y sabiendo de antemano la capacidad de la banda no era disparatado pensar en que su tercer disco Clockwork, contuviera una potente dosis de metal furibundo altamente competente. En ese aspecto, Angelus Apátrida no han decepcionado, el disco es auténtica dinamita de principio a fin, thrash metal contundente que en esta oportunidad mantiene como principal referencia a los Megadeth más agresivos, incluido la voz de Guillermo, quien “retuerce” sus cuerdas vocales al estilo de Dave Mustaine con excelente rendimiento y supera notablemente un aspecto que suele ser un hándicap para muchos grupos españoles.

Tras la intro “The Manhattan Project”, el inicio, con “Blast Off”, es aplastante, un tema que parece salido del mismísimo Killing Is My Business…, con unas guitarras hiperaceleradas y la batería de Víctor sacando humo de bombos y tambores; hasta el bajo de José tiene su momento de presencia. A partir de aquí, las composiciones mantienen unos parámetros similares donde la fiereza y el desequilibrio rítmico dominan el entorno de forma absoluta con temas como, “Of Men And Tyrants”, “Clockwork” (en el que también podemos reconocer la respiración del bajo), “Devil Take The Hindmost” o, “The Misanthropist”, con un apabullante solo de guitarra.

En todo caso, hay que tener en cuenta que Guillermo y David ejecutan una encomiable labor a las guitarras, repartiendo riffs demoledores a raudales además de incrustar envenenados e hirientes solos como el tremendo que aparece en “Into The Storm”, por citar un ejemplo. Precisamente, en ese tema, junto con, “One Side One War” y “National Disgrace”, ya en el tramo final del álbum, se nota un ligero cambio con respecto al resto de las composiciones, con algo más de variedad en las estructuras.

Mención aparte para la versión de “Be Quick Or Be Dead”, de Iron Maiden, brillante y arrolladora, dándole un adicional toque de agresividad que encaja perfectamente en el contexto general.

En definitiva, un álbum de thrash metal moderno y convincente, a la altura de muchos de los trabajos que se realizan en la actualidad e, incluso, superior al de otras formaciones con mayor trayectoria y reconocimiento. Con un sonido excelente sacado en los Ultrasound Studios de Braga (Portugal) y producido por Daniel Cardozo junto con la propia banda… se nota que la inversión ha dado su rentabilidad. Angelus Apátrida han tenido su oportunidad y no la han desaprovechado.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Angelus Apátrida
TITULO: Clockwork
DISCOGRAFICA: Century Media
AÑO: 2010
PAIS: España

 

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Ruined Soul, es un proyecto puesto en marcha por el polifacético músico sueco Johnny Johansson, responsable de las guitarras y el bajo, además de ser el único componente fijo de la banda, que ha contado con una serie de colaboradores para dar forma a las composiciones de este debut titulado My Dying Day. La lista es larga: Matias Kupiainen (Stratovarius), Niklas Stålvind (Wolf), Peter Huss (Shining), Jonas Kjellgren (Scar Symmetry), Benny Jansson (Ride The Sky), Marios IIiopoulos (Nightrage), Jonas Hörnqvist (Treasure Land), Janne Stark (Constancia), Olof Mörck (Nightrage), Tobias Jansson (The Law), Patrik Johansson (Arise) y Eric Rauti (Dreamland).

Johnny, también se ha encargado de la producción mientras que de las mezclas y la masterización han corrido por parte del reputado Andy La Rocque.

My Dying Day, es un completo tratado de metal arrollador en el que Johansson descubre su enorme creatividad a las seis cuerdas exponiendo una variedad de argumentos dentro de un sonido compacto, del que igual extrae riffs demoledores como intrincados recorridos por el mástil.

El comienzo, con el tema título, es una muestra del contenido general, una batería arrolladora con mucha presencia, voces desgarradoras y las guitarras combinando enormes cantidades de energía con pequeñas intromisiones de sutileza. “Rivers Of Blood”, aumenta los parámetros desaforados con dominio total de la dinámica rítmica, mientras que en “Destruction” se buscan más los ritmos marcados además de entrar en escena una voz más melódica para contrastarla con los registros virulentos.

A medida que se suceden los temas no hay más remedio que rendirse ante la capacidad de inventiva de Johnny, no solo en los mencionados aspectos guitarreros sino en su habilidad para componer canciones vibrantes que, partiendo de una base similar, en determinado momento son capaces de dar sorpresivos giros para evitar la recurrencia exagerada, como podemos comprobar, por ejemplo, en los casos de “Rewind”, “Bleeding”, “Tears Of Guilt” o, “Inner Peace”, todos potentísimos pero cada cual con su toque de distinción.

Al final, la mezcla de elementos corrosivos de una solidez extrema con injertos de ingeniosa destreza, es lo que prevalece y, en consecuencia, determina la capacidad de crear interés por My Dying Day.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Ruined Soul
TITULO: My Dying Day
DISCOGRAFICA: Suicide Records
AÑO: 2010
PAIS: Suecia

 

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Las excelentes vibraciones que los irlandeses Glyder transmitieron en su anterior álbum, Playground For Life, auguraban positivas sensaciones en sus futuros trabajos y se esperaba con impaciencia nuevo material suyo para ver hacia dónde dirigían sus pasos. Pues bien, ya tenemos su nueva grabación, Yesterday Today And Tomorrow para satisfacer las expectativas creadas.

Las primeras percepciones corroboran su fidelidad al hard rock de la década de los 70 y aunque el espíritu de Thin Lizzy sigue presente, se nota cierto alejamiento hacia un sonido más personal y, también, más accesible, con la presencia de unas delicadas melodías de connotaciones pegadizas, apreciable desde el inicio con “That Line”, pura sensibilidad arropada por brillantes fraseos de guitarra que, a la postre, son los que enriquecen el álbum y lo dotan de la consistencia necesaria, tal como se muestra en composiciones como las vigorosas “Knockout” y “Make A Change” o las más armoniosas “Innocent Eyes” y “One Of Us”

Sin desmarcarse excesivamente de sus esquemas, encontramos canciones con elementos que pueden recordarnos a otras formaciones como sucede con “Jack Strong” y Z Z Top, “The Bitter End” y Led Zepellin o “Back To The Water”, que podría encajar en algún trabajo de John Lennon. Asimismo, el tema título, también recuerda a los Beatles, además de incluir una colaboración de Dave Meniketti con un interesante solo de guitarra, como corresponde a su categoría.

El álbum se completa con tres bonus “Time To Fly”, “All You’ve Done” y “Elverstown”, en una misma línea de apostar por las melodías sugestivas con determinados arranques energéticos pero se nota que son temas que falta pulirlos.

No creo que el contenido global supere a su anterior disco, han decidido seguir unos parámetros donde la elegancia y los registros suaves de Tony Cullen dominan el contexto, con las sonoridades refinadas alternándose con la inspirada capacidad creativa de Bat Kinane y Pete Fisher.

En todo caso un buen disco que gustará más a los seguidores de la sutileza que a quienes prefieren los entornos electrizantes.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Glyder
TITULO: Yesterday Today And Tomorrow
DISCOGRAFICA: SPV
AÑO: 2010
PAIS: Irlanda

 

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El corte que extrajeron del álbum para ponernos la miel en los labios, “Que te follen”, se sale un poco de la línea del disco, con una voz de Leo más grave de lo habitual y un ritmo que parece de procesión. Y una letra, todo hay que decirlo, más críptica que de costumbre.

Hay un segundo tema que se sale de la línea del disco: el sexto corte, llamado “Impotencia II”, que como su nombre indica es una continuación del tema homónimo en el segundo acto. Y así se abre, con el estribillo de la primera parte. No se olvidan las voces guturales y rasgadas, que toman especial protagonismo en éste nuevo trabajo.

“Un millón de sueños” es un tema quizá más asequible para el no iniciado en la banda. Una balada que parece más propio del proyecto en solitario de Leo que de Stravaganzza, que casi siempre estuvo algo más alejada del mainstream. Ese es el otro punto que se aprecia en Raices: Stravaganzza se ha querido acercar al gran público, o al menos esa impresión da en algunos momentos.

“La Tormenta”, no obstante, supone una pequeña regresión al Réquiem de Stravaganzza. El protagonismo de los instrumentos que no son guitarra, bajo, batería y voz aumenta en éste tema, donde la ambientación orquestal es algo mayor que en el resto del disco. “Máquinas”, undécimo corte del disco, también tiene ésta cierta ambientación a base de teclados. Aunque dicha regresión no dura. “La Cicatriz” supone todo un estallido de guitarras contundentes y ruido de bombos.

“Raíces” supone el cierre del larga duración de los de Fuenlabrada, un tema lento que parece hecho a medida de Leo “La Bestia” Jiménez: le permite moverse entre todos sus registros vocales. Un cierre sin duda magistral y que hace que el resto del disco tenga sentido.

Ciertamente el disco como conjunto me deja un regusto agridulce. Por una parte me sorprendió ese viraje a un sonido más visceral y menos, digamos, pomposo, aunque por otra me dio la impresión de que suena demasiado igual a lo demás. Pese a todo el disco me ha parecido bastante aceptable, y una compra sin duda merecida.

 

Savatage, formó parte de una nueva generación de bandas estadounidenses que renovaron los estamentos de la música rock durante la década de los 80, llevándolos hacia unos parámetros más allá del clásico heavy metal. Sus primeros álbumes, Sirens, The Dungeons Are Calling y Power Of The Night contenían elementos que si bien estilísticamente no les vinculaban directamente con el movimiento thrash/speed metal, encajaban de alguna forma en el contexto reformador de la época. En una evolución evidente e inevitable debido a la particular personalidad de la banda, su apuesta se fue haciendo aún más distante de los perfiles extremos para incursionar en un terreno más elaborado y progresivo.

Still The Orchestra Plays – Greatets Hits Volume 1 & 2, deja de lado sus dos primeros álbumes, así como el cuarto, Fight For The Rock, mientras que del tercero solo se incluye la inevitable “Power Of The Night”, para centrarse en su etapa posterior, cuando Paul O’Neil, productor y compositor se unió a la banda como hombre en la sombra. De hecho, entre O’Neil y Jon Oliva (como compositores principales) han determinado el repertorio de esta entrega de grandes éxitos, convenientemente remasterizada y con un sonido excelente.

Así las cosas, el contenido se centra en obras donde la sofísticación fue acaparando terreno para moldear definitivamente el sonido del grupo como se descubre en los álbumes, Hall Of The Mountain King (1987), Gutter Ballet (1989), Streets: A Rock Opera (1991), Edge Of Torms (1993), Handul Of Rain (1994), Dead Winter Dead (1995), The Wake Of Magellan (1998) y Poets And Madmen (2001), algunos con más presencia que otros, como es lógico.

Sin duda un excelente material para quienes quieran descubrir el lado más complejo y delicado de Savatage, con sus teatrales composiciones y sus brillantes desarrollos de guitarra, aunque tampoco faltan momentos enérgicos como la enorme “Handful Of Rain”

Adicionalmente, como bonus tracks, se añaden tres composiciones acústicas grabadas por Jon Oliva en 2009, “Anymore”, “Not What You See” y “Out In The Streets”.

Además, se ha lanzado una edición con un DVD adicional que contiene un concierto en Japón de 1994, como homenaje al hermano de Jon, Criss, fallecido en 1993 al ser atropellado por un conductor borracho.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Savatage
TITULO: Still The Orchestra Plays – Greatets Hits Volume 1 & 2
DISCOGRAFICA: EarMusic/Edel Records
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

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El grupo barcelonés Kilmara, que ya apuntara interesantes cosas en Hunting Dreams, su primer trabajo de larga duración, ratifica ahora su evolución musical con Don’t Fear The Wolf, un álbum en el que han pulido su sonido para dotar a las composiciones de una notable mejoría en el aspecto técnico. Evidentemente, aquí ha jugado un papel importante el hecho de que hayan contado con Roland Grapow (Masterplan) como productor, en los propios Grapow Studios de Eslovaquia.

Los esquemas siguen siendo los mismos, solo que han sido sometidos a un tratamiento de pulimentado para extraer una brillantez que, en parte, había quedado oculta en su anterior disco.

Tras la tenebrosa intro denominada “Inside The Darkness”, e irrumpir el poderoso riff de “The Dark Inside: Don’t Fear The Wolf”, con la sección rítmica dejando sentir su peso y el registro vocal encajando a la perfección, descubrimos a unos Kilmara portentosos que se tornan admirables cuando la canción da un giro y aparecen unas armonías guitarreras deudoras de Iron Maiden.

Un comienzo que descoloca por su eficacia y que nos señala un recorrido en el que encontraremos mucha más sustancia, con canciones que pueden encajar en un contexto más clásico y directo como “Rock The Night” o “You Won’t Live Forever”, siempre con las guitarras marcando las directrices desde el mismo plano que el resto de elementos o, acaparando protagonismo con electrizantes riffs y fraseos como en las vigorosas “All You Need Is Pray” y “Vampire Of Love”, esta última con aparición de voces femeninas haciendo juego con la de Christian y, que aparecen con mayor profusión en la sentimental “You Left Without A Reason”.

Pero, Don’t Fear The Wolf, muestra otras cualidades e inquietudes como, el medio tiempo “Blindfold” con su atmósfera “in crescendo” y el apoyo de la Orquesta de Cámara de Sant Boi de Llobregat o, el complejo “Let Sadness Be Destiny” con sus elaborados desarrollos, presencia de percusiones latinas, elementos árabes y el bajo que se hace sentir, algo que notaremos también en el lento inicio de “The Dark Inside: You Better Run”, otro tema que cuenta con interesantes cambios de dinámica. “The Deceit” es otro corte de entramados guitarreros complejos, y algo más oscuro; mientras que en “Slow Me The Way”, la parte final de la trilogía “The Dark Inside”, se puede disfrutar de un desequilibrante solo del propio Roland Grapow.

La despedida es con la instrumental “Dakujen Castle” en el que las guitarras de John y Kike ponen la puntilla a su eficaz y versátil labor antes de que, tras unos segundos de espera, aparezcan las voces masculina y femenina al compás de un piano, ahora sí para concluir la grabación definitivamente.

Con Don’t Fear The Wolf, Kilmara, no solo han superado su anterior trabajo sino que han escalado un importante peldaño cualitativo en su trayectoria, logrando equilibrar las partes vocales con las instrumentales, de forma que se complementan con total fluidez. Asimismo, tanto el bajo como la batería, tienen una mayor repercusión en el contexto global, lo que enriquece considerablemente el producto final.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: Kilmara
TITULO: Don’t Fear The Wolf
DISCOGRAFICA: Maldito Digital
AÑO: 2010
PAIS: España

 

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¿Quién dijo que el heavy metal ya no producía combos que valieran la pena? La muestra de que dicho estilo nunca muere sino que mantiene un paulatino reciclaje en el que se involucran nuevas generaciones la encontramos en los alemanes Kissin’ Dynamite, una formación cuyas influencias proceden de diferentes frentes aunque con un denominador común: el heavy metal puro, totalmente limpio de etiquetas adicionales.

En las canciones de su segundo álbum Addicted To Metal, encontramos numerosas referencias vinculantes a un puñado de bandas clásicas. Sin embargo, tienen la precaución de aprovecharlas con un criterio creativo muy hábil, de tal forma que logran alejarse de la copia insustancial para transmitir credibilidad.

Su abanico de canciones abarca desde los perfiles de riffs potentes hasta las armonías pegadizas, es decir desde Judas Priest hasta Def Leppard.

Con estos antecedentes, no es extraño que en el impactante inicio “Addicted To Metal”, en el que colabora Udo Dirkschneider, reconozcamos el toque épico de Manowar, algo que volveremos a descubrir al final del disco con “Metal Nation”.

Guitarras consistentes y melodías de fácil asimilación contienen canciones como “Run For You Life”, con unos coros muy propios de sus compatriotas Scorpions, de quienes también son deudores en “Love Me Hate Me”, con un solo vibrante y el bajo creando ambiente de fondo; así como en la pegadiza “Hysteria”, canción que cuenta con guitarras rítmicas al estilo de los mencionados Judas Priest y en el que aparece uno de los imaginativos solos neoclásicos; los otros los encontramos en “All Against All” y en “In The Name Of The Iron Fist”, donde aparece el espíritu de otros famosos compatriotas, Accept, reconocible además en la adictiva “Supersonic Killer”.

Asimismo, rescatan a los olvidados Damn Yankees con una versión más rockera de “High Enough” y, por supuesto, no podía faltar la balada al uso, “Why Can’t You Hear Me”, para colocar la inevitable nota sentimental. Y si queremos armonías sugestivas en un entorno accesible “We Want More”, es el tema preciso.

Aún reconociendo sus lazos con las bandas nombradas, Kissin’ Dynamite tienen a su favor algunos puntos que acentúan sus particularidades; composiciones versátiles que aportan variedad al disco; un cantante, Hannes Braun, con un registro personal de abundante potencia; dos guitarristas de sobrados recursos, Ande Braun y Jim Miller, además de una sección rítmica precisa y contundente, con el batería Andreas Schnitzer utilizando más los tiempos marcados que los dobles bombos recurrentes y el bajista Steffen Haile aprovechando los huecos con efectividad.

En conclusión, un álbum de heavy metal del siglo XXI facturado por una banda joven que aprovecha el pasado para proyectarse al futuro con inventiva.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: Kissin’ Dynamite
TITULO: Addicted To Metal
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2010
PAIS: Alemania

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ