Carpe Diem es el título del segundo álbum de Hormigón Armado, banda procedente de Cataluña y en activo desde 2005.

Sus parámetros encajan perfectamente en la definición de metal pero sin decantarse hacia subgénero alguno, nutriéndose, principalmente, de perfiles procedentes tanto del thrash como del hardcore, con alguna superflua concesión de influencia “numetalera”.

Destaca sobremanera el corrosivo sonido de los riffs guitarreros y su dinámica marcada por los trazos de textura rugosa. Ambas características conceden a Carpe Diem una compacta aspereza, tal como se puede comprobar desde el inicio con la trilogía compuesta por “Siempre Hubo Alguien”, “Radiació” (uno de los tres cortes que cantan en catalán) y “El Monstruo De Mi Armario”.

“Fart”, otro de los temas en catalán, en el que colabora Juanra de Kop, mantiene las mismas premisas que los anteriores aunque con una orientación más acelerada; mientras que en “Carpe Diem”, también en catalán, Hormigón Armado demuestran que saben introducir variaciones para evitar la reiteración de fórmulas; primero por la introducción de partes vocales limpias contrastando con las agresivas y, segundo, por el aporte solista de la guitarra, sin menospreciar su pegadizo ritmo, algo que también encontramos en la vitalista y fugaz “¡OJalá!”.

La dualidad vocal vuelve a estar presente cuando le toca el turno a “En Punto Muerto”, otra pieza en la que la guitarra solista cuenta con su momento de protagonismo; mientras tanto, en “Tarde De Garaje” la batería deja una permanente huella tanto con el bombo como con los tambores, además de aparecer una delicada melodía acústica de guitarra que impone un inciso de sosiego dentro del dominio de los rasgos abruptos.

Las excelentes vibraciones que destila el álbum ganan consistencia en el tramo final, donde se localizan, quizá, las mejores composiciones de la grabación. “Ansiedad”, con una excelente labor vocal compartiendo espacio con la visceralidad instrumental, cuya “vuelta de tuerca” la encontramos seguidamente en “El Juicio Final”, donde un persistente riff se funde eficazmente con el desgarrado registro vocal y sugestivas partes solistas de guitarra, todo arropado por un ritmo incesante y contagioso; receta que repiten y mejoran en la despedida con “Resurrección”, con sorpresa final a descubrir si se tiene paciencia.

Un trabajo punzante de sonoridad cavernosa apuntalado en una expresiva crudeza, sin menospreciar desviaciones creativas de construcción disciplinada, en el que se detecta la sintonía de Hormigón Armado con bandas del tipo Ktulu.

CALIFICACION: 7,50/10

GRUPO: Hormigón Armado
TITULO: Carpe Diem
DISCOGRAFICA: Maldito Digital
AÑO: 2011
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

Creados en 1996, Iron Savior surgieron como un proyecto paralelo que implicó la presencia de Kai Hansen hasta 2001, cuando le fue imposible al guitarrista germano continuar junto a su amigo Piet Sielck (voz y guitarra) debido a sus obligaciones con Gamma Ray, al igual que sucedió con el batería Thomen Stauch, en aquellos momentos vinculado a Blind Guardian.

The Landing, constituye su álbum número siete, sucesor del más que interesante Megatropolis, publicado hace ya cuatro años y que marca el regreso de Jan-Sören Eckert al puesto de bajista, ocupado por Yenz Leonhardt de 2003 a 2011, mientras que Thomas Nack y Joachim Küstner, en el grupo desde 1999 y 2000, respectivamente, se mantienen en sus puestos.

Las características de Iron Savior encajan dentro del power metal aunque se deben hacer las necesarias puntualizaciones ya que no se trata de una banda que de decante hacia los sonidos excesivamente tecnificados. Más bien, lo que sus miembros exhiben, y les desmarca de las típicas referencias del estilo, es una efectiva crudeza, tanto en lo que se refiere a su dinámica rítmica como al sonido de la guitarra, sin olvidar el punto desgarrado que destila la voz de Piet.

Naturalmente, sus composiciones se nutren de galopantes desarrollos guitarreros arropados por una solvente y extenuante presencia de la batería, además de los pertinentes aportes de corte melódico, estribillos incluidos, fácilmente evidente en “March Of Doom”, una acelerada pieza que simboliza perfectamente la personalidad de Iron Savior.

Sus vínculos con el heavy metal más tradicional, de raíces “ochenteras” cercano a grupos como Accept, pueden descubrirse en “Heavy Metal Never Dies”, con su portentoso riff y su marcado ritmo, algo apreciable también en cortes como, “The Savior” y “Starlight”, está última impregnada de una arrebatadora aureola épica de connotaciones accesibles.

El interés del grupo germano por desmarcarse de los tópicos queda reflejado en “Moment In Time”, un tema donde el bajo de Jan cuenta con un protagonismo determinante, así como Joachim, soberbio con las baquetas y el bombo, además de la inclusión de un injerto solista de guitarra que completa otra de las más vibrantes aportaciones del álbum.

Con “Hall Of The Heroes”, vuelven a fusionar con efectividad elementos épicos de coros accesibles con la rudeza del riff de guitarra marcando los tiempos, muy presente también en las vibrantes “R.U, Ready” y “Faster Than All”, otras demostraciones de heavy metal de la vieja escuela convenientemente dotadas de argumentos actuales.

En definitiva, un trabajo de heavy colérico, con sus cuotas de velocidad administradas con eficiencia en un entorno de power explosivo, que muestra a unos Iron Savior con pilas recargadas para mantener su trayectoria en un nivel ascendente.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Iron Savior
TITULO: The Landing
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2011
PAIS: Alemania

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Beyond The Fragile Horizon, es el álbum debut de la banda italiana The Ritual, en activo desde 2022, liderada por el guitarrista Marco Pastorino, y compuesta, además, por Marco Obice (voz, guitarra), Liuk Abbott (bajo) y Luca De Vito (batería).

Su propuesta incursiona en el thrash metal de ritmos desbocados y melodías inflamadas, donde también tienen cabida coros armoniosos y registros vocales solistas dotados de cierta agresividad pero sin llegar a extremos exagerados.

Posiblemente, la característica principal de The Ritual sea su eficaz habilidad para compaginar una actitud combativa con elementos melódicos conectados con el heavy metal y algún que otro toque de carácter progresivo.

Lo cierto es que, a lo largo de la grabación, se detecta una simbiosis estilística que, tras la oscura intro que da título al disco, nos sumerge en un universo heterogéneo en el que convergen ejercicios solistas de consistente arquitectura, entramados instrumentales de evidente complejidad y una cadencia rítmica por momentos accesible, tal como podemos comprobar en “Show Me What You Can Do”, “Jason On The River” e “Histeria & Madness”, tres consistentes composiciones que describen perfectamente la capacidad de los italianos.

Al llegar el turno de “Shoot Me”, con su riff de influencias procedentes de Megadeth, etapa Rust In Peace, ya no nos quedan dudas sobre las habilidades guitarreras de Marco así como de los recursos del grupo para ofrecer toda una lección de versatilidad, además de sus adicionales “coqueteos” con el prog metal como queda de manifiesto en “The Liar”, principalmente, con un excelente aporte de la batería y una intervención categórica de la guitarra solista.

En conclusión, un primer trabajo con mucha sustancia para “degustar” y descubrir con las suficientes escuchas, con sus dosis perfectas de contundencia y musicalidad; que dice mucho de la creatividad que atesora The Ritual.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: The Ritual
TITULO: Beyond The Fragile Horizon
DISCOGRAFICA: Bakerteam Records
AÑO: 2011
PAIS: Italia

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Con 20 años de trayectoria y cinco álbumes editados, contando el último titulado Bost, el grupo de Bermeo Ost puede presumir de haber alcanzado la experiencia necesaria para facturar una grabación dotada de un compacto caparazón metálico, a partir del cual desarrollan unas pétreas composiciones donde el continuo rugido del riff de guitarra marca las pautas a seguir.

Desde el tema inicial, “Lotería Beltza”, descubrimos un álbum visceral, de ambientes corrosivos envueltos en cierto grado de oscuridad. Los efectivos desarrollos guitarreros y unas voces que mezclan los registros agresivos con coros melódicos terminan de conformar las características principales del sonido de Ost.

La atmósfera sombría permanece impregnada en temas como, “Ilargiarenak”, “Errespetua” o, “Galderak III” siempre acompañados de giros estructurales en los que el trabajo de Jabi e Iker a las guitarras resulta decisivo en el contexto global, exhibiendo un amplio margen de recursos que evitan la dependencia de la recurrencia rítmica.

Dentro de un entorno donde prevalece el trazo brusco y los parámetros extenuantes, se pueden destacar canciones como “Ostikada”, con una dinámica rítmica que puede recordar a Candlemas en determinados momentos; “Bost” con sus delicadas armonías iniciales asaltadas seguidamente por un desequilibrante frenetismo o, “Nongoak?” envuelta en una aureola de dramatismo, el mismo que podemos descubrir en “Kasualitatez” y su brumoso magnetismo experimental en lo que resulta una brillante despedida.

También debemos tener en cuenta la posición en la que permanecen las voces, evitando los primeros planos para encajar en el entorno pero sin dominarlo, lo cual determina una mayor prestancia de las partes instrumentales sin por ello perder protagonismo.

En definitiva un disco de matices crepusculares, de textura rugosa y apuntalado en la solidez de sus robustas estructuras.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Ost
TITULO: Bost
DISCOGRAFICA: Maldito Digital
AÑO: 2011
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Posiblemente, fichar por Nuclear Blast sea la justa recompensa para el guitarrista Honza Kirk Behunek, único miembro fundador del grupo checo Seven cuya perseverancia ha posibilitado su subsistencia desde hace alrededor de una docena de años, sorteando las dificultades que entraña proceder de un lugar “periférico” en la que respecta a asuntos de metal, además de la diversas deserciones que le obligaron a reestructurar la formación.

En la actualidad, acompañan a Honza, el vocalista Lukas Pisarik, el bajista Thomas Kuchta y el batería Lukas Kunes, quienes han contribuido a que Freedom Call, séptimo álbum de la banda, muestre a un grupo en alza con unas características en las que se pueden encontrar elementos específicos que definen su sonido.

Uno de esos componentes especiales es el corrosivo riff de guitarra que impregna gran parte de las composiciones, lo que, de entrada, hace que el álbum tenga un decisivo atractivo. Además, los eficaces desarrollos guitarreros y la particularidad vocal, con su tono desgarrado pero sin llegar a la agresividad, completan una propuesta seductora como se puede comprobar en la trilogía inicial, con la potente “Freedom Call”, “Brian Eater” con sus cambios estructurales y un estribillo pegadizo y, “Get It” con un ritmo que engancha con facilidad.

Las premisas anteriores quedan ratificadas en temas como “So Scarred” , “Suicide Fall”, “To Hell” o, “No Surrender” donde sigue presente el riff erosivo compartiendo espacio con armonías sugestivas y un excelente trabajo vocal de Lukas.

“The Road”, es una apuesta algo más densa con su punto dramático, algo que se intensifica en la balada “Abandoned”, en la que, a pesar de todo, termina por surgir el peculiar riff marca de fábrica de Seven.

La versatilidad del grupo checo queda reflejada también en “Wild In The Night” un desequilibrante corte que, en ciertas partes, recuerda a Anthrax etapa Jon Bush o, la más oscura “The Jocker” en la que las guitarras se acercan a la zona fronteriza propia de Black Sabbath, sin dejar de lado “You Steal My Breath”, que combina momentos acelerados con partes sosegadas en las que Honza exhibe sus atributos con las seis cuerdas respaldado, de nuevo, por el buen hacer de Lukas con su garganta.

En conclusión heavy metal aderezado con perfiles thrash y algún que otro vínculo de conexiones progresivas con suficientes argumentos como para proyectar a Seven hacia un mayor y merecido reconocimiento internacional.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Seven
TITULO: Freedom Call
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2011
PAIS: Rep. Checa

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Los estadounidenses Revocation facturaron en 2009 Existence Is Futile, un álbum abrumador en el que, soterradas bajo los vértices del metal extemo, exponían una serie de cualidades que escapaban a cualquier imitación, exhibiendo una personalidad definida a base de recursos imaginativos y un creatividad que rompía moldes preestablecidos.

Dos años después estos fantásticos músicos demuestran que su capacidad no fue “flor de un disco” sino que su ADN cuenta con unas particularidades muy singulares que hacen del grupo procedente de Boston “único en su especie” como queda plasmado en esta nueva maravilla denominada Chaos Of Forms.

Dave Davidson (voz y guitarra), Anthony Buda (bajo) y Phil Dubois (batería), formaron la banda en 2006 y en tan solo seis años han cubierto un brillante expediente, al que se unió en 2010 un segundo guitarrista Dan Gargiuolo, para dar aún más consistencia a su sonido. Solo es cuestión de tiempo que algún directivo “espabilao” descubra el potencial de Revocation y, al igual que paso con Mastodon, Relapse Records tenga que dejar marchar a otro “diamante” pulido bajo su protección.

Los argumentos expuestos quedan reflejados nada más comenzar a desmenuzar el contenido, cuando las guitarras infecciosas dan paso a la frenética “Cretin” o cuando “Cradle Robber” deja al descubierto los infinitos recursos de la banda al mezclar los ritmos contundentes con melodías propias del heavy metal incluyendo un final convulsivo.

Un inicio que marca las pautas para que, a continuación, destapen sus desequilibrantes esencias y expongan en “Harlot” su visceralidad salpicada de un injerto funky con el bajo como protagonista, acompañado de vibrantes guitarras. “Dissolution Ritual” ratifica definitivamente las señas de identidad de Revocation dejando salir la funcionalidad más inverosímil en un combo de metal extremo con aportaciones pseudo ambientales incrustadas en una cambiante y exuberante dinámica rítmica.

A modo de interludio temporal “Conjuring The Cataclysm” empieza con un sosegado punteo acústico que da paso a un ambiente cercano al black para, en un giro inesperado, introducir unas guitarras cargadas de dramatismo. “No Funeral” nos envuelve en un ambiente thrash con reminiscencias de Megadeth, mientras que “Fractal Entity” y el tema título nos imponen un rabioso cromatismo de voces desquiciantes y guitarras retorcidas.

El tramo final de la grabación sigue guardando sorpresas con “The Watchers” y la aparición surrealista de un órgano Hammond, o el riff “a lo Judas” de “Beloved Horrifier”, para dejarnos completamente alucinados con “Dethroned” y “Reprogrammed”, dos nueva andanadas de metal heterogéneo y camaleónico en el que las texturas avasalladoras comparten espacio con desarrollos instrumentales dotados de una expresividad compleja y, a la vez, embriagadora.

Revocation es una de esas bandas imposibles de definir completamente con palabras, su música es un “mundo paralelo”; sino se convierten en la nueva “gran banda de metal” es que no hay justicia en el universo y a los dioses del Olimpo solo les gusta el pop.

CALIFICACION: 9,50/10

GRUPO: Revocation
TITULO: Chaos Of Forms
DISCOGRAFICA: Relapse Records
AÑO: 2011
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Sin Tregua es el debut de larga duración del grupo asturiano Boneshawk, creado en 2005 y que actualmente cuenta con una formación compuesta por, Rubén (voz), David (guitarra), Rober (guitarra), David (bajo) y Mario (batería).

Las premisas por las que se rige la música de Boneshawk están encuadradas dentro del metal contundente aunque con la presencia de ciertos matices que, además de resultar atractivos, dan un toque de distinción con respecto a las formaciones del estilo.

De esta forma, Sin Tregua, se desmarcada de los convencionalismos sin renunciar a los perfiles propios del metal. Otra de las características que determina la solvencia del álbum es la calidad de la producción, llevada a cabo en Estados Unidos por Alberto Ardines y Manuel Ramil, responsables del sello Triple A Metal.

Respaldados por la solidez que transpira el apartado técnico, los componentes de Boneshawk, han aprovechado las circunstancias para demostrar la categórica destreza que poseen facturando una grabación de vértices erosivos aunque sin olvidar la melodía. En el fondo, Sin Tregua incursiona en terrenos difíciles de encasillar; por una parte, suena demasiado demoledor para considerarlo simplemente como heavy metal pero, por otro lado, contiene ingredientes que lo desligan del metal puro y duro.

Lo anterior significa que Boneshawk han conseguido plasmar cierta originalidad a su propuesta donde se perciben algunos elementos decisivos como la compacta y rítmica pegada de la batería, la efectividad de las partes vocales combinando los registros guturales y agresivos con otros más melódicos y la eficiencia de las guitarras a la hora de apostar por los riffs desequilibrantes, además de colocar variaciones armoniosas para conseguir distinción, elegancia y vitalidad, tal como podemos descubrir en “Tatuado En Mi Alma”, una de las piezas más competentes del disco que incluye la presencia de violines y teclados para redondear su enigmático encanto.

No obstante, el trabajo realizado brilla más por su conjunto que por las individualidades como podemos comprobar al escuchar el hipnótico inicio con “Marionetas” que marca las directrices que nos vamos a ir encontrando sucesivamente en otras aportaciones como “Oscura Luz” y “Paranoia” o la más accesible “Quiero Perderme” y su estribillo molón, poniendo de manifiesto claramente la fusión entre agresividad y sutileza que, en definitiva, es lo que diferencia a Boneshawk de los grupos que simplemente dedican sus esfuerzos a machacar neuronas sin piedad. Sin Tregua aporta componentes adicionales que revalorizan su contenido, como queda constatado en el suave comienzo de “Quatro Años Más” y su consiguiente mutación hacia horizontes abruptos donde tampoco quedan exentos los injertos guitarreros de recorrido melodioso, al igual que se puede apreciar en determinadas partes de “Marcado En Vida” o, en la despedida con el oscuro y desgarrado dramatismo de “Jack 1888”.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Boneshawk
TITULO: Sin Tregua
DISCOGRAFICA: Triple A Metal/Avispa
AÑO: 2011
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

Larga es la trayectoria de los brasileños Krisiun, en activo desde 1990 y con once álbumes facturados desde 1993, contando esta última entrega titulada The Great Execution, en la que los hermanos Kolesne Camargo, Alexandre (voz y bajo), Moises (guitarra) y Maximiliano (batería), apuestan por solidificar su sonido marcando ciertas diferencias con respecto a sus anteriores trabajos.

Con la siempre respetable y eficiente producción de todo un experto como Andy Classen, Krisiun han dotado a su visceral death/thrash de unos parámetros más ordenados en su dinámica, sin por ello perder su característica fuerza.

The Great Execution está repleto de riffs corrosivos, voces guturales y ritmos turbulentos, encuadrados en un ambiente denso y oscuro. Bajo estas premisas, Moisés va construyendo desarrollos solistas de nítida e hiriente sonoridad para dotar a la grabación de cierta variedad en un entorno dominado, en diversas fases, por la recurrencia rítmica.

Otro aporte que añade un toque especial es la participación de Marcello Caminha, todo un experto en guitarra acústica, en un par de composiciones, la inicial “The Will To Potency” y “The Sword Of Orion”, esta última con un recorrido de cerca de 8 minutos que aborda distintos pasajes.

Otra colaboración especial es la del vocalista de los veteranos Ratos De Porao, Joao Gordo, quien exhibe su estilo punk/hardcoriano en el tema “Extinçao Em Massa”, cantando en portugués.

Grabado en analógico para conservar las esencias del pasado, el sonido de The Great Execution, resulta de una resolutiva crudeza, totalmente orgánico y alejado de la frialdad que en ocasiones transmite la tecnología digital.

En definitiva, un disco de composiciones extensas, que no bajan de los cinco 5 minutos, en el que Krisiun expone sus mejores virtudes, controlando el caos habitual para mutar hacia perfiles más definidos y claros, lo que permite apreciar con una perspectiva distinta su habitual solvencia en piezas que conjugan la velocidad desgarrada como el mencionado “The Will To Potency” o, “The Great Execution”, “The Extremist” y la frenética “Violentia Gladiatore”, con otras de esquemas mas remarcados como se puede comprobar en “Blood Of Lions”, “Descending Abomination” y “Shadows Of Betrayal”, que rubrica el fin del álbum con más de 8 minutos de duración en los que los tres componentes del grupo aprovechan para exponer sus habilidades.

CALIFICACION: 7,50/10

GRUPO: Krisiun
TITULO: The Great Execution
DISCOGRAFICA: Century Media
AÑO: 2011
PAIS: Brasil

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Tras comenzar como un proyecto personal del compositor y vocalista ucraniano Max Morton, quien se dio a conocer poniendo a disposición del público en general para su descarga gratuita un EP titulado Grimoire, compuesto, producido e interpretado por él mismo, ahora, ya como banda, Morton publican su primer trabajo de larga duración, Come Read The Words Forbidden, con una formación que, además de Max, incluye a Roman Skorobagatko (guitarra), Alexander Rudnev (guitarra), Andrey Karpov (bajo) y Dmitry Smotrov (batería).

Se trata de una banda cuyos parámetros encajan perfectamente en el power metal melódico, enriquecido adicionalmente con perfiles de carácter sinfónico así como acercamientos al gothic, en un marco donde la épica melodramática termina por construir exuberantes composiciones de ritmo frenético donde la batería acapara la atención con su desequilibrante y constante pegada, apreciable en piezas como “Calling For The Storm”, “Eaglemark” u “Oblivion”, en las que también destaca la impecable vocalización de Max, así como una perfecta sincronización de las guitarras, tanto en lo que respecta a dominar los ritmos recurrentes como a la introducción de injertos solistas, sin olvidar los sugestivos teclados esparcidos con ingenio.

Sin desvirtuar el potencial energético que transpira todo el álbum, “Brotherhood Of Light”, surge como una de las canciones con más gancho de todo el álbum, propiciado por su estribillo accesible y unas armonías guitarreras de seductora presencia, además del brillante aporte de Max en el apartado vocal, el mismo que podemos disfrutar en “Sleeping King”, dentro de unas coordenadas más clásicas aunque introduciendo alguna variación guitarrera.

Come Read The Words Forbidden, destaca por mantener una base rítmica en constante efervescencia aunque también hay espacio para momentos más tranquilos como “We Are The Shades”, tema de vértices delicados para lucimiento vocal de Max quien también acapara el principal protagonismo en la oscura “Grimoire”.

En definitiva, una grabación dominada por turbulencias rítmicas, intensas guitarras, atmósferas envolventes y una voz de jerarquía, como se puede comprobar en cortes funcionales de frondosas armonías y temperamental dinámica tipo, “Burning Prisoner”, “Werewolf Hunt” o “Black Witch” y con un final tenebroso protagonizado por “Azrael” y “Weeping Bell”, que muestran la capacidad de inventiva del grupo ucraniano.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Morton
TITULO: Come Read The Words Forbidden
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2011
PAIS: Ukrania

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Se termina el año y se hacen obligatorios los repasos a lo mejor que ha dado el 2011 en sus diversos apartados. En el caso que nos ocupa, se trata de efectuar una selección de los mejores discos nacionales teniendo como referencia grabaciones decantadas hacia el hard rock y el heavy metal, así como a la numerosa variedad de etiquetas de corte más agresivo cuya denominación siempre pasa por contener la palabra metal. Consultados los redactores de Musicópolis sobre cientos de discos reseñados, el resultado queda reflejado a continuación en nuestro particular Top Ten.

1. Morphium – La Era De La Decadencia

Los componentes de Morphium tuvieron que trabajar lo suyo para sacar adelante su debut discográfico pero el esfuerzo realizado ha quedado plasmado en unas composiciones de gran nivel, envueltas en ingeniosos desarrollos de estructuras cambiantes. Un álbum de metal versátil y horizontes abiertos con vínculos con el death, el thrash y el gothic.

2. Hamlet – Amnesia

Una vez más Hamlet ha dejado constancia de que, a pesar de los años, su nivel como grupo siempre mantiene altas cotas de calidad en cada nueva grabación. Amnesia pone de manifiesto que la madurez puede ser una ventaja si se aprovecha para ratificar una trayectoria consistente, mejorando, en lo posible, las esencias que les han llevado a ocupar un lugar destacado dentro del metal estatal.

3. Regresión – Santa Decadencia

El entusiasmo y las ganas de seguir delante que poseen los componentes de Regresión han posibilitado la autoedición de un álbum completísimo cuidado hasta el último detalle pero sin olvidar que la música es lo principal. De esta forma, nos han entregado un trabajo de hard rock dotado de esencias actuales y horizontes abiertos.

4. Crisix – The Menace

Impactante debut el de Crisix, formación que se sube al carro de la nueva generación thrash con una calidad envidiable, facturando un trabajo desequilibrante de influencias fácilmente reconocibles aunque tratadas desde una perspectiva cuyas huellas personales se desmarcan de los tópicos para ofrecer una renovada y aplastante visión del estilo.

5. Cobra – Thriller

Los vascos han conseguido mantener el nivel de su debut The Strong Arm Of The Rock, inmersos en su mundo asociado al cine con un trabajo de perfiles robustos. Su rock contundente de referencias clásicas y algún que otro toque sureño encajado en un caparazón metálico les ha dado excelentes resultados.

6. The Eyes – Hold Your Axes Rip Their Guns

The Eyes se han superado a sí mismos con una grabación que rezuma solidez y vitalidad. Han profundizado en los perfiles del metalcore para dejar de lado el death metal, además de añadir una serie de matices decisivos que, ayudados por la impecable producción, resaltan aún más las virtudes de las canciones.

7. 037Leo – Los Fuertes Sobreviven

Leo Jiménez e Ix Valieri, consolidad su proyecto donde el grupo muestra una concluyente capacidad para afrontar todo un abanico de posibilidades, editando un trabajo versátil repleto de giros estructurales con el hard y el heavy como materia prima moldeable en la que se combinan ritmos simples con esquemas de cierta complejidad.

8. Soziedad Alkoholika – Cadenas De Odio

Con la experiencia por bandera, Soziedad Alkoholika mantiene la senda fijada desde hace tiempo y que es la de mantenerse aliados con el hardcore y el rock de vértices contundentes, esencias inseparables de su trayectoria que también incluye su compromiso social en cuanto a las letras. Puede notarse un retorno a sus raíces tras su ultra agresivo Mala Sangre.

9. Leather Boys – Real Leather

Otro grupo que encuentra en la autoedición la forma de dar salida a su creatividad. Olvidado su “desliz eurovisivo” y metidos en cosas más serias, nos muestran su facilidad para entablar vínculos con los sonidos hard rock ochentero interpretado con irreverente chulería. Un trabajo que destila positivas vibraciones.

10. The Buzzos – Nowhere Train

Su apuesta por las atmósferas setenteras transmite frescura dentro de unos esquemas donde se imponen las guitarras de texturas orgánicas, baterías que apuestan por la diversidad y una dinámica rítmica desenfadada. Suficientes elementos para convencer de que The Buzzos han realizado un decisivo esfuerzo creativo

Aquí os dejamos otros discos interesantes que no han entrado entre los 10 primeros pero que cuentan con el suficiente atractivo como para merecer una mención especial.

Berri Txarrak – Haria
’77 – High Decibels
Mister Machin – The World Is a Stage
Moby Dick – Campo y Cama
Koma – La Maldición Divina
Descarga – Desde Cero
Heldar – R.E.M.
Shinova – La Ceremonia De la Confusión
Hollow – Las Estaciones De La Conciencia
Alkhemit – Ultimatum

En 2011 se han publicado en Musicópolis casi 500 reseñas y más de 200 entrevistas y artículos, con el objetivo de mantener informados a nuestros lectores de las novedades musicales más interesantes del panorama musical nacional e internacional, junto con reportajes especiales sobre diversas temáticas musicales. Esperamos que disfrutéis con estas líneas tanto como lo hemos hecho nosotros preparándolas y, por supuesto, que nos contéis vuestras impresiones: ¿nos hemos dejado algún álbum que debería estar?, ¿habéis descubierto algún disco interesante con esta lista? ¿Cuál sería vuestro Top Ten? Además, este año podéis participar en nuestro concurso en el que sorteamos tres lotes de discos y votar el mejor disco del año.
Gracias por vuestro apoyo y esperamos teneros de nuevo por aquí el año próximo. ¡Felices fiestas a tod@s!

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Se termina el año y se hacen obligatorios los repasos a lo mejor que ha dado el 2011 en sus diversos apartados. En el caso que nos ocupa, se trata de efectuar una selección de los mejores discos internacionales de hard rock y heavy metal, así como a la numerosa variedad de etiquetas de corte más agresivo cuya denominación siempre pasa por contener la palabra metal. Consultados los redactores de Musicópolis, sobre cientos de discos reseñados, el resultado queda reflejado a continuación en nuestro particular Top Ten.

1. Symphony X – Iconoclast

Si con Paradise Lost dieron un paso cualitativo en su trayectoria, con Iconoclast, Symphony X han ratificado en 2011 su capacidad para superar etapas y alcanzar un nivel creativo espectacular, convirtiéndose en una de esas bandas de apuesta segura, de las que no decepcionan. Liderados por el guitarrista Michael Romeo y el vocalista Russell Allen, facturaron un álbum altamente competitivo.

2. Rival Sons – Pressure & Time

Grata sorpresa la de los californianos Rival Sons y su compromiso con el hard rock de sonidos “setenteros”, con la particular aportación de su versátil cantante Jay Buchanan, arropado por unos compañeros que saben recrear con destreza esencias del pasado para ponerlas de nuevo de actualidad, aportando imaginativas composiciones.

3. Anthrax – Worship Music

Tras ocho años de espera y difíciles circunstancias para sacar adelante su nuevo álbum debido a los conocidos problemas para contar con el vocalista adecuado, Anthrax no han decepcionado a pesar de tener que recurrir, finalmente, al bueno de Joey Belladona quien, por otra parte, ha realizado un trabajo fabuloso, sacando partido a unas composiciones alejadas de los convencionalismos.

4. Arch Enemy – Khaos Legions

Los hermanos Amott, Michael y Christopher, aliados con Angela Gossow, han parido uno de los mejores álbumes de metal extremo del año, precisamente, al combinar con eficacia las sonoridades agresivas con otras más clásicas pero sin perder nada de su habitual contundencia para entretener desde el principio hasta el final.

5. The Haunted – Unseen

Unseen ha marcado el alejamiento definitivo de The Haunted de sus parámetros más extremos para evolucionar hacia horizontes cuyas perspectivas abrazan otro tipo de perfiles. Para sus seguidores más radicales ha sido nefasto pero, sumarse a su nueva propuesta, nos transporta hacia universos igual de interesantes, solo que plasmados en un dimensión distinta.

6. Mastodon – The Hunter

Otro grupo que ha arriesgado mucho en su último trabajo, abrazando la complejidad sin perder fuerza para desarrollar canciones en un marco de carácter progresivo aunque no exento de vitalidad. La embriagadora atmósfera de The Hunter y sus complicados entramados han dotado a Mastodon de una evidente madurez, manteniendo su personalidad a salvo a pesar del giro estilístico registrado.

7. Anvil – Juggernaut Of Justice

Quien iba a decires a Steve “Lips” Kudlow y a Robb Reiner, después de todas las vicisitudes por las que han pasado, que en 2011 grabarían uno de los álbumes de heavy metal más interesantes del año. Su persistencia y entusiasmo ha tenido la recompensa adecuada. Posiblemente, uno de los mejores discos de su carrera.

8. Machine Head – Unto The Locust

Superar The Blackening era tarea de titanes, sin embargo Robb Flynn y sus Machine Head, evitando las comparaciones inútiles, han aguantado el tipo de forma excelente, grabando otro sólido tratado de metal, sin bajar la guardia y tratando de mantener los perfiles exitosos del pasado sin caer en la repetición de esquemas.

9. Children Of Bodom – Relentles Reckles Forever

Al igual que otros casos, la evolución hacia parámetros distintos de los habituales no ha sentado demasiado bien a sus seguidores más inmovilistas pero, dejando la pasión de lado, Children Of Bodom han facturado un álbum variado donde la velocidad ya no es el factor decisivo sino la versatilidad de sus composiciones, sin por ello perder energía.

10. 9 Chamber – 9 Chambers

Sin acaparar tanta atención de los medios como otros supergrupos, el proyecto que ha involucrado al guitarrista Ed Mundell (ex Monster Magnet) y a Greg Hampton, todo un veterano ligado a nombres como Alice Cooper, Lita Ford, Tommy Bolin y otros artistas, y que también incluye al bajista Jorgen Carlsson (Gov’t Mule) y al batería Vinny Appice, ha debutado con un trabajo brillante del que rebosa creatividad.

Aquí os dejamos otros discos interesantes que no han entrado entre los 10 primeros pero que cuentan con el suficiente atractivo como para merecer una mención especial.

Voodoo Circle – Broken Heart Syndrome
Zero Illusions – Oblivion
Sebastian Bach – Kicking & Screaming
Uriah Heep – Into The Wild
Vicious Rumors – Razorback Killers
Pagan’s Mind – Heavenly Ecstasy
In Flames – Sounds Of A Playground Fading
Evile – Five Serpent’s Teeth
White Wizzard – Flying Tigers
Saxon – Call To Arms

En 2011 se han publicado en Musicópolis casi 500 reseñas y más de 200 entrevistas y artículos, con el objetivo de mantener informados a nuestros lectores de las novedades musicales más interesantes del panorama musical nacional e internacional, junto con reportajes especiales sobre diversas temáticas musicales. Esperamos que disfrutéis con estas líneas tanto como lo hemos hecho nosotros preparándolas y, por supuesto, que nos contéis vuestras impresiones: ¿nos hemos dejado algún álbum que debería estar?, ¿habéis descubierto algún disco interesante con esta lista? ¿Cuál sería vuestro Top Ten? Además, este año podéis participar en nuestro concurso en el que sorteamos tres lotes de discos y votar el mejor disco del año.
Gracias por vuestro apoyo y esperamos teneros de nuevo por aquí el año próximo. ¡Felices fiestas a tod@s!

 

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POR LOCKY PEREZ

 

Almah, proyecto paralelo que inició en 2006 el vocalista de Angra, Edu Falaschi, quien en un principio reunió para su álbum debut homónimo a una serie de invitados de lujo como, el guitarrista de Nightwish Emppu Vuorinen, el bajista de Stratovarius Lauri Porra y el batería de Kamelot Casey Grillo, tomó forma de banda en 2008 cuando Edu contó con una alineación estable para su segundo álbum Fragile Equality: Marcelo Barbosa y Paulo Schroeder (guitarras), Marcelo Moreira (batería) y Felipe Andreoli, compañero de Edu en Angra, al bajo, la misma que ha participado en la tercera grabación denominada Motion.

Sin abandonar los parámetros del power metal inherentes a la carrera de Edu, Almah aporta algunas diferencias con respecto a Angra, algo obvio, de lo contrario no tendría razón de ser. Las dos principales diferenciaciones son, la incursión de Falaschi en terrenos más agresivos y la apuesta por un sonido más crudo. Una vez establecidas estas premisas también hay que resaltar el constante dinamismo de las composiciones, más directas y con menos filigrana que en Angra y, además, el decisivo trabajo de los guitarristas, ambos sobrados de recursos y con una capacidad creativa apabullante.

Todas estas circunstancias se ven reflejadas, por ejemplo, en la vitalista y rítmica pieza inicial, “Hypnotized”, donde Edu muestra un sorprendente registro de tonos graves, bastante alejado de su habitual timbre, lo que hace difícil reconocerlo. En una línea parecida está “Living And Drifting”, aquí con el cantante acercándose en el estribillo a Bruce Dickinson; mientras que “Days Of The New” muestra la versatilidad de la banda desarrollando estructuras mutables así como la efectividad de los fraseos solistas y los riffs de concluyente carisma. En este punto hay que resaltar también la encomiable tarea de Marcelo dando empaque y volumen a los temas con una pegada concisa a la vez que heterogénea.

En “Bullets Of The Altar” aparecen más armoniosos, abandonando la fiereza del principio para exhibir texturas más dóciles con algunos interludios de piano inclusive, pero con “Zombies Dictator” recuperan el tono agresivo tanto en lo que respecta a las voces (con colaboración en la partes guturales de Victor Cutrale de Furia) como a las partes instrumentales, aunque Edu introduce coros melódicos para crear un sugestivo contraste; cuenta también un espectacular giro esquemático de trasfondo progresivo donde las guitarras y la batería lucen sus cualidades, algo que nuevamente queda resaltado en “Trace Of Trait” y “Soul Alight”, esta última con presencia de sugerentes teclados.

Después de seguir exponiendo su talento en la algo más tranquila “Late Night In ‘85” así como en la vibrante “Daydream Lucidity”, se despiden en clave acústica con “When And Why”, para lucimiento de Falaschi
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En conclusión, un trabajo diversificado en cuanto a formas y con presencia de estilos que incluyen referencias heavys, power, progresivas y hasta cercanas al thrash, para acaparar cierto grado de personalidad en conjunto así como mostrar una serie de músicos altamente cualificados en el plano individual.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: Almah
TITULO: Motion
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2011
PAIS: Brasil

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Estamos tan acostumbrados a la dominación que determinados países ejercen en el mundo del metal que, en ocasiones, bandas procedentes de lugares menos tradicionales pueden escaparse de nuestra perspectiva injustamente y solo nos fijamos en ellas de forma casual, como puede ser el caso de los italianos Necrodeath, unos veteranos con años de experiencia y con un trayectoria irregular pero con significativos logros, como este trabajo titulado Idiosyncracy.

Con una formación que ha sufrido algunos cambios pero que encontró cierta estabilidad con la incorporación del guitarrista Pier Gonella en 2008, perfectamente integrado junto a Flegias (voz), GL (bajo) y el carismático batería Peso, Necrodeath nos presenta una obra conceptual basada en los principios del bien y del mal dividida en siete partes que se van entrelazando de principio a fin.

Durante un recorrido de alrededor de 40 minutos, los italianos despliegan toda una serie de pasajes encajados en el marco del metal vinculado tanto al death como al black, con un inicio sorpresivo en el que los rugidos de un perro rabioso se mezclan con cantos gregorianos para continuar con la irrupción de perfiles instrumentales que pueden recordar a Slayer y Metallica.

Pero, las características de Necrodeath no se centran solo en recrear sonoridades procedentes de bandas de reconocida aceptación. Su imaginativa puesta en escena nos sumerge en un absorbente y desgarrador universo donde las variaciones esquemáticas brotan en el momento menos pensado, como en la segunda parte de la canción, cuando bajo y batería acaparan el protagonismo en un inciso rítmico ralentizado al que, poco después, se suman unos desequilibrantes desarrollos de guitarras así como los aterradores registros vocales de Flegias, para dar el relevo a la tercera parte en plena efervescencia y, acto seguido dar un giro radical y envolvernos en una atmósfera tétrica donde, mientras la voz va narrando la historia, es arropada por una serie de riffs vigorosos e injertos solistas desequilibrantes que nos transportan hacia la cuarta parte, en la que, de nuevo bajo y batería retoman el protagonismo con un ritmo sostenido para introducirnos de lleno en un entramado de parámetros de horizontes progresivos, demostrando Necrodeath una imaginativa capacidad de mutación.

A pesar lo inusual de la propuesta, al mantener una dinámica constante, sin respiro entre canción y canción, Idiosyncrasy resulta de una majestuosidad abrumadora, sustentándose sus virtudes en un oscurantismo desolador y en una implacable exhibición de elementos asfixiantes y siniestros.

Un álbum que no da tregua y que atrapa por su sombrío magnetismo y sus robustos perfiles, rematado con una portada cuyo diseño está inspirado en la película Reservoir Dogs de Quentin Tarantino.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: Necrodeath
TITULO: Idiosyncracy
DISCOGRAFICA: Scarlet Records
AÑO: 2011
PAIS: Italia

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

Los finlandeses Insomnium, a quienes pudimos observar en directo en 2010 a su paso por España como invitados en la gira de Dark Tranquillity, pertenecen a esa categoría de bandas que van construyendo su carrera sin demasiados excesos pero con un trabajo evolutivo constante que les ha permitido ir ganando adeptos con el transcurso del tiempo.

Formados en 1997, la alineación actual está compuesta por, Niilo Sevänen (voz y bajo), Ville Friman (guitarra) y Markus Hirvonen (batería), todos en el grupo desde sus primeros tiempos, además de Ville Vänni (guitarra), vinculado en 2011. Cuentan en su haber con cuatro álbumes y un EP, lo que significa que One For Sorrow es su quinta grabación de larga duración.

Sus características están vinculadas directamente con el death metal melódico y el doom, así como relacionadas con formaciones como Katatonia o Cult Of Luna. En este contexto Insomnium desarrolla unas composiciones decantadas hacia las sonoridades melancólicas profusamente instrumentadas, creando una atmósfera efervescente pero incrustada en los tonos sombríos de sugestiva embriaguez.

One For Sorrow comienza bajo las sensibles coordenadas de la hipnotizante “Inertia” para subir el tono hacia cotas de medio tiempo con “Through The Shadows” y sus armoniosos perfiles, tanto guitarreros como en lo que respecta a los coros, contrastando con una aguerrida garganta solista. Al llegar a la tercera canción, “Son Of The Blackest Bird” los finlandeses exhiben sus armas más apoteósicas, acelerando la dinámica rítmica a la vez que recargan el ambiente de turbulencias electrizantes aunque, en determinados momentos la calma tensa vuelve a recobrar parte del protagonismo.

A partir de aquí ya hemos descubierto los fundamentos sobre los que se asientan las directrices musicales de Insomnium, como queda corroborado en la vitalista “Only One Who Waits”, posiblemente la pieza más desequilibrante y energética, donde destaca la consistencia de la batería y su concisa pegada; en “Unsung” y sus cambiantes pasajes cargados de dramatismo o, en “Every Hour Wounds” y su excitante exhuberancia.

Ya en el tramo final “Decoherence” insufla algo de sosiego a una grabación que mantiene sus oscurantistas premisas instaladas en las melodías frondosas y los entornos brumosos de canciones como “Lay The Ghost To Rest”, “Regain The Fire” y “One For Sorrow”.

En conclusión, un disco denso y algo agobiante, aunque dotado de una suntuosa majestuosidad que le otorga un carisma especial. Sin duda, no apto para caracteres depresivos.

CALIFICACION: 08/10

GRUPO: Insomnium
TITULO: One For Sorrow
DISCOGRAFICA: Century Media
AÑO: 2011
PAIS: Finlandia

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

The Menace, el debut de larga duración de los catalanes Crisix para Kaiowas Records, no ha podido ser más afortunado. Impregnado totalmente de los perfiles del thrash metal old school de la Bay Area, nos presenta a una formación dotada de un carácter apto para competir a nivel internacional.

El retorno del thrash clásico es algo ya constatado en los últimos tiempos. La cuestión a plantear es la de si las bandas de nueva generación que apuestan por el estilo son capaces de ofrecer los suficientes argumentos como para captar la atención de los seguidores.

Aquí no se trata solo de recuperar unas señas de identidad sino de exhibir condiciones creativas para no repetir excesivamente unos esquemas ya explotados en su momento. En el caso de Crisix, a los reconocidos parámetros del estilo se añade la habilidad técnica y el ingenio necesarios para dejar constancia de su capacidad como músicos.

Es evidente que su apuesta no consiente deslices excesivos, sin embargo, su destreza para reinventar una fórmula de sobras conocida nos permite disfrutar, por ejemplo, de un inicio absolutamente desequilibrante con “Ultra Thrash” y un riff que recuerda a los suizos Coroner, además de contener un cambio de dinámica magistral, pasando del speed hacia un ritmo más denso y marcado con el ADN de Metallica incrustado en sus notas.

“Internal Pollution”, con su desestabilizador ritmo de batería, el pequeño protagonismo del bajo en determinado momento y la aparición de un incendiario ejercicio solista, ratifica las magníficas cualidades de Crisix, algo que salta a la vista a lo largo de un álbum temperamental, construido a bases de sonoridades vertiginosas pero perfectamente definidas gracias a una producción excelente.

Llegados a este punto, no podemos dejar de lado la labor de Juli a las vocales, encajando su desaforado registro con precisión, ya sea aportando agudos desgarrados o vehementes grooves.

The Menace es un trabajo de punzante crudeza expresiva, una convulsa amalgama de ritmos coléricos canalizados a través de los trazos extenuantes de una brusca arquitectura que construye absorbentes piezas de la talla de, “Flesh Collector”, “Holy Punishment”, “Dead By The Fistfull Of Violence” o “Spaw”.

Además, la amplitud de recursos de Crisix puede manifestar variaciones asombrosas como, “Brutal Gadget” con su sorprendente inicio funky y su humorístico final de inspiración latina o, “Mummified By Society” y su inciso en clave oriental y el posterior punteo de guitarra insertados en medio de paranoicas coordenadas.

En definitiva un álbum pletórico en el que Crisix, además de revelarse como una perfecta máquina de fabricar adrenalina, deja constancia de poseer un certero talento.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: Crisix
TITULO: The Menace
DISCOGRAFICA: Kaiowas Records
AÑO: 2011
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

Cuando Ed Mundell dejó de formar parte de Monster Magnet y desapareció de los “focos” de la actualidad las incógnitas respecto a su futuro artístico no se hicieron esperar. Ahora, descubre sus “nuevas cartas” irrumpiendo con 9 Chambers, una formación con la etiqueta de supergrupo adosada inevitablemente, no en vano acompañan al ilustre guitarrista en esta aventura profesionales de “largo recorrido” como el vocalista y guitarrista Greg Hampton, todo un veterano asociado a nombres como Alice Cooper, Bootsy Collins, Lita Ford y el malogrado Tommy Bolin, además del bajista Jorgen Carlsson (Gov’t Mule) y toda una leyenda viva de la batería como Vinny Appice (Black Sabbath, Dio, Heaven & Hell).

Con semejante “materia prima” es prácticamente imposible decepcionar, a pesar de que nadie está libre de cometer errores. Por suerte para los seguidores de este puñado de celebridades, su álbum debut homónimo contiene un encanto embriagador que nos transporta hacia sonidos del pasado, sin renunciar a las contantes vitales propias de la actualidad, exhibiendo una serie de esquemas estilísticos donde tienen cabida el hard rock de aromas “setenteros”, resonancias stoner y pinceladas psicodélicas, además de un trasfondo soterrado de connotaciones “blueseras”, tal como se puede apreciar en el arranque del disco con la magnífica “Life Moves On”, de trepidante dinámica e hirientes guitarras con un Ed Mundell desplegando sus señas de identidad con total soltura y marcando las distancias con respecto a su trabajo con Monster Magnet.

Que estamos ante una labor de equipo lo constata “Majick Number”, pieza de ambientación groove donde batería y bajo cuentan con un decisivo protagonismo, del mismo modo que “One Thing Missing” transpira emanaciones psicodélicas irrefutables en otro ejercicio convincente a cargo de Ed, con el esencial apoyo del resto de la banda.

“Know Your Enemy”, puede no resultar tan vistosa aunque el intrincado desarrollo guitarrero que contiene aumenta su valoración; algo parecido sucede con “What’s It Gonna Get U”, “All But Done” y “Bury Yourself” todas composiciones de parámetros cargados de complejidad, difíciles de digerir a la primera pero con una contrastada calidad

9 Chambers, tampoco tienen reparos en incursionar en el entorno sentimental, como se puede descubrir en la balada, “Can’t Turn Your Back”, cargada de dramatismo aunque alejada de los convencionalismos habituales.

“Other Side Of Time”, “Indeed The Sun” y “Use U Up” cuentan, asimismo, con ingredientes que mantienen el atractivo del álbum, ya sea debido a la creatividad de Mundell, al buen hacer de Greg o a la efectividad funcional de Vinny y Jorgen, aportando cada cual su experiencia para desarrollar entramados repletos de cambios de dinámica y giros estructurales.

Ya en el tramo final podemos disfrutar con el frenetismo de “Cut -N- Runn”, uno de los cortes más agresivos del álbum con un Mundell desatado a las seis cuerdas; de la oscuridad de “No Escape”, que puede recordar en ciertos aspectos a Monster Magnet y de la exuberancia de “Darker Side Of Sunshine”.

9 Chambers es un trabajo en el que no encontraremos virtuosismo trasnochado sino a unos músicos capaces de interpretar con imaginativa capacidad canciones dotadas de una prolífica cantidad de matices, contrastes rítmicos y un magnetismo crepuscular.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: 9 Chambers
TITULO: 9 Chambers
DISCOGRAFICA: earMusic
AÑO: 2011
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

A la hora de escribir sobre el nuevo trabajo de Machine Head, es obligado mencionar The Blackening y las dificultades que entrañaba superarlo. Evidentemente, su anterior obra puso el listón muy alto para el guitarrista y vocalista Robb Flynn y sus colegas, sin embargo, Unto The Locust tiene “vida propia” y un contenido que ratifica el camino a seguir de la banda de San Francisco, que ofrece una nueva y gratificante dosis de metal de alto nivel.

Después de las visicitudes por las que pasó la carrera de Machine Head en el pasado, corriendo peligro de disolución, la progresión que ha experimentado en los últimos años ha situado a la banda en un estatus de privilegio dentro de la escena metálica ganándose a pulso el respeto de crítica y público.

Sin entrar en comparaciones con The Blackening, Unto The Locust parece demostrar el gran momento que atraviesa el grupo dirigido por Robb, con un Phil Demmel sobrado de habilidad y una sección rítmica pletórica y compenetrada formada por Dave McClain (batería) y Adam Duce (bajo).

Cuando una banda de metal deja de imponer los ritmos recurrentes y de abusar del doble bombo para incursionar en parámetros más complejos sumergiéndose en la aventura y el riesgo, es el momento en el que abandona su posisición en segunda fila y pasa a formar parte de la élite. Machine Head ocupa en estos momentos ese privilegiado escalafón, como lo corrobora Unto The Locust y sus heterogéneas composiciones; comenzando por el extenso y vertiginoso inicio con “I Am Hell (Sonata In C#)” y su temperamental oscurantismo arropado por un trabajo de guitarras de sobrada técnica y una dinámica apuntalada por un soberbio McClain. No se queda atrás “Be Still And Know” con sus diáfanas guitarras combinadas con arrebatadores grooves mientras Dave expone toda su capacidad como “aporreador” de recursos ilimitados en lo que es, sin duda, uno de los mejores cortes del disco junto al siguiente “Locust”, otra pieza en la que exprimen con eficacia la sutileza de las armonías junto a riff un embriagador y espectaculares giros de dinámica.

Tras la apabullante y compleja trilogía del comienzo, “This Is The End” muestra a los Machine Head más crudos y directos con la presencia de un pegadizo estribillo. Cuando llega el turno de “Darkness Within” nos topamos con unas coordenadas distintas, comenzando por la parte inicial donde la voz de Robb acapara el principal protagonismo hasta que la exhuberancia instrumental va tomando posiciones para recurrir a injertos convulsivos así como a pasajes calmados.

“Pearsls Before The Swine” y “Who We Are”, en los que vuelve a ponerse de manifiesto la resolutiva capacidad de Machine Head con los entramados energéticos salpicados de variaciones esquemáticas, completan un trabajo de expresiva crudeza y desbordante vitalidad.

A modo de bonus tracks el disco cuenta con las versiones de “The Sentinel” (Judas Priest) y “Witch Hunt” (Rush), además de la acústica de “Darkness Within”. Un regalo adicional para aumentar el atractivo de un disco que no lo necesita pero que, seguramente, encantará a los seguidores del grupo estadounidense.

CALIFICACION: 9,00/10

GRUPO: Machine Head
TITULO: Unto The Locust
DISCOGRAFICA: Roadrunner
AÑO: 2011
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Si te apetece huir del frío peninsular nada mejor que disfrutar de unas vacaciones Tenerife.

El álbum número 13 de Megadeth, podría definirse con una sola palabra, “raro”. Dave Mustaine parece haber querido resumir la trayectoria del grupo precisamente en el regreso al estudio del que fuera su mano derecha hasta la publicación de The Worlds Needs A Hero en 2001, el bajista David Ellefson. Aunque en el fondo, después de su paulatina recuperación con United Abominations (2007) y Endgame (2009), Th1rt3en “huele” a final de etapa y a entrega de compromiso para una discográfica con la que no está excesivamente contento.

Para nadie es un secreto que el álbum, además de los temas nuevos, reúne alguna canción ya editada anteriormente y otras que en su momento fueron solo esbozos y que ahora han sido completadas para Th1rt3en. Con todo, la “grandeza” de Megadeth radica en que, a pesar de entregar un álbum “reciclado” sigue teniendo la capacidad de facturar composiciones más que aceptables, unas mejor logradas que otras, pero que, en conjunto, conforman un álbum atractivo aunque no supere sus últimas obras.

De esta forma, Th1rt3en, nos ofrece la oportunidad de reencontrarnos con los perfiles reconocidos a lo largo de la carrera de Megadeth con algunos momentos que recordarán a sus primeros tiempos “ochenteros”, otros a su etapa más exitosa con Rust In Peace y Countdown To Extinction y algún acercamiento a su periodo más mediocre finalizando la década de los noventa. También se debe mencionar la producción de Johnny K que, en algunos casos, adolece de contundencia y claridad con respecto a la más perfeccionada de Andy Sneap en su anterior trabajo.

El disco se abre con “Sudden Death”, pieza que fue grabada en su momento para el videojuego Guitar Hero, con un esquema bastante clásico donde destacan los diversos solos de Chris Broderick, la contundencia rítmica y el recortado riff de Mustaine, además de un estribillo que le da un toque accesible. Le sigue “Public Enemy Nº 1”, tema que ya presentarán en directo y que sigue unas pautas muy habituales en Megadeth, directo en su dinámica, accesible en su estructura y con la acostumbrada vocalización de Dave.

En “Whose Life (Is It Anyways?”, mezclan trazos punks con partes más cercanas al heavy que al thrash, destacando el excelente trabajo solista de Chris pero con una producción discreta que la resta eficacia. “We The People”, con letra de connotaciones políticas acerca de Estados Unidos, no destaca mayormente, mostrando a unos Megadeth menos agresivos y con un pequeño inciso instrumental de referencias orientales. “Guns Drugs & Money”, que trata sobre los narcotraficantes mexicanos, con final de mariachis incluido, tampoco resulta demasiado convincente por convencional.

Por suerte, con “Never Dead”, también compuesta con anterioridad para un videojuego, el nivel de calidad recobra sus virtudes con vertiginosos riffs, solos determinantes y una batería en la que, ¡por fin!, la producción le da el sonido adecuado al pobre de Shawn Drover, el mismo que podemos comprobar en el siguiente corte, “New World Order”, perteneciente a la época de Countdown To Extinction y que, por lo tanto, contiene interesantes huellas de aquella etapa. Los momentos más inspirados continúan con “Fast Lane”, de ritmo marcado y funcional con sus aristas de guitarras cortantes y una batería convulsiva, además de un cambio de ritmo que puede recordar a “Wake Up Dead”.

“Black Swan”, es otro tema conocido ya que fue entregado a los seguidores del grupo que solicitaron United Abominations con antelación. No destaca demasiado, cuenta con una estructura sencilla, un buen aporte solista y un sonido de batería muy limpio, el mismo que encontramos en “Wrecker”, que sigue las mismas premisas que el anterior.

“Millennium Of The Blind”, también rescatada de unas maquetas antiguas, marca un contraste total, con su entorno melodramático y oscuro en clave de balada, con la voz de Mustaine acaparando protagonismo; interesante pero sin acabar de convencer. En su momento fue descartado del Youthanasia. Algo oscuro también resulta “Deadly Nightshade”, donde se nota una mejoría en la producción que deja apreciar de forma categórica tanto la pegada de la batería como la respiración del bajo, así como resaltar la sonoridad de las guitarras. Cuenta con unos pasajes enredados que le otorgan un plus de novedad sobre los típicos ritmos.

Mustaine despide el disco con el tema título a modo de repaso intimista haciendo una recopilación de su vida personal, con guitarras acústicas y su voz en primer plano e instrumentación “in crescendo”.

En definitiva, un disco con altibajos que, seguramente, representará un punto y aparte en la carrera de Megadeth. Puede tomarse como una especie de rarezas para completar su discografía con canciones resolutivas mezcladas con otras menos favorecidas, pero con el espíritu de la banda presente en todo momento.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Megadeth
TITULO: Th1rt3en
DISCOGRAFICA: Roadrunner
AÑO: 2011
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Con Insignis, su anterior álbum publicado en 2009, el grupo catalán The Eyes ya dejó patente sus excelentes condiciones para asentarse entre la élite del metal estatal. Ahora, Hold Your Axes Rip Their Guns, ratifica categóricamente la calidad que atesoran exhibiendo madurez, soltura y eficacia repartidas de forma equitativa.

Un aspecto importante que ayuda a valorar de forma positiva el contenido del álbum es la eficiente producción llevada a cabo en la localidad estadounidense de Baltimore, con Paul Leavitt (Darkest Hour, The Bled) haciéndose cargo de la grabación y las mezclas. El resultado se traduce en un sonido a la altura de cualquier producto del estilo, absolutamente internacional.

Ganado el lado técnico, Hold Your Axes Rip Thier Guns muestra unas texturas en las que se puede reconocer con mayor exactitud el trabajo de sus componentes con respecto a Insignis. De esta forma, el álbum permite apreciar los distintos elementos en juego… guitarras de riffs absorbentes y punzantes desarrollos, melodías diáfanas, atmósferas robustas, voces viscerales, coros armoniosos y una sección rítmica de solidez demoledora donde la batería de Guillem se antoja como una pieza fundamental a la hora de construir turbulencias de alta precisión.

Los vínculos del grupo con el metalcore se han profundizado en detrimento de sus referencias death. Esto no significa que hayan perdido energía sino que, estructuralmente, esta canalizada por otros derroteros.

Si bien es cierto que la fórmula melódica del metalcore está sobre explotada, a favor de The Eyes hay que mencionar el decisivo trabajo de Wero y Edgar a las guitarras así como la depurada y temperamental contribución de Jordi a las vocales incursionando en el inglés con soltura además de obsequiarnos un tema en castellano que encaja a la perfección, titulado “Marea Negra” y en el que se puede apreciar la simbiosis entre unas ardientes melodías y las rudas convulsiones rítmicas, sin dejar pasar uno de los mejores ejercicios solistas del disco.

Las mismas premisas podemos encontrar en canciones como “Chants From The Ashes”, “Die To Rise” o “Commitment”, por citar algunos ejemplos de una grabación donde no se puede destacar un tema por encima de otro, aunque haya pequeñas variantes esquemáticas que consiguen desmarcar a The Eyes de la recurrencia en la que caen muchas formaciones de metalcore.

Aquí no encontraremos ritmos dedicados a machacar tímpanos sin piedad, ni gritos instalados en el mimetismo, The Eyes exhiben un plus compositivo convincente como se puede apreciar también en la exhuberancia de “Hold Your Axes”, la contundencia de “Wake Up Steel” y “Jail Invaders” o los sugestivos entramados de “Loyal Traitors”, así como la cruda vitalidad del single “Redemption”.

Más allá de un concepto global totalmente convincente, son los matices, los pequeños pero valiosos detalles, los que determinan que Hold Your Axes Rip Their Guns, supere el nivel de otros productos similares supeditados a la excesiva reiteración de parámetros.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: The Eyes
TITULO: Hold Your Axes Rip Their Guns
DISCOGRAFICA: Kaiowas Records
AÑO: 2011
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

Procedentes de Ventura, ciudad costera cercana a Los Angeles, Warbringer, pese a la juventud de sus componentes, se fueron labrando una reputación dentro de la nueva escena thrash con influencias de la gloriosa década de los ochenta con la edición de dos contundentes álbumes, War Without End (2008) y Waking Into Nightmares (2009), este último producido por el mismísimo guitarrista de Exodus Gary Holt.

Después de la renovación de su alineación, con el regreso de su bajista original, Andy Laux, una vez terminados sus estudios, y el nuevo batería Carlos Cruz, que se suman al vocalista John Kevill y a los guitarristas John Laux y Adam Carroll, Warbringer han puesto toda su capacidad para facturar su tercer álbum, Worlds Torn Asunder, con la esperanza de dar un nuevo paso hacia su reconocimiento internacional.

El álbum, evidentemente, aporta influencias thrash ochenteras pero tiene la particularidad de no limitarse al mimetismo estilístico sino que profundiza en el desarrollo de texturas que marcan un cierto alejamiento de los orígenes del estilo para abrazar esquemas del metal actual.

Una de las ventajas con las que cuenta el álbum es la variedad de recursos que exhiben sus guitarristas aportando desarrollos con cierto grado de complejidad en un marco en el que los ritmos demoledores acaparan gran parte del protagonismo.

Otro elemento que deja notar su impronta es la voz de Kevill, con la suficiente agresividad para encajar perfectamente en el virulento entorno instrumental pero con los matices necesarios para conseguir que sus frases consigan aportar nitidez, evitando la anarquía, tal como se puede comprobar en el desgarrador inicio con “Living Weapon”, “Shattered Like Glass” y “Wake Up… Destroy”, donde ya se pone de manifiesto la capacidad de la banda para dejar espacio suficiente a todos los instrumentos y que tengan posibilidad de contribuir a la producción de un sonido compacto, sin limitarse a la dependencia de la creatividad guitarrera. De esta forma, es normal que el bajo surja en determinados momentos o, que la batería muestre su vibrante solidez.

Por otra parte, canciones como “Futures Ages Gone” y “Treacherous Tongue”, dejan que gran parte del protagonismo recaiga sobre las guitarras, tanto en lo que respecta a los riffs erosivos como a cierto tipo de armonías incrustadas eficazmente en la vorágine marcada por la sección rítmica. Mientras que piezas como “Savagery”, “Echoes From The Void” y “Enemies Of The State” destapan la vertiente más visceral de Warbringer, incluyendo un cambio de registro vocal hacia perfiles más virulentos.

Un disco poderoso sobrado de garra pero no exento de ciertos detalles compositivos que realzan su contenido. Thrash, sí, pero sin limitaciones a la hora de incursionar en nuevas vías de expresión.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Warbringer
TITULO: Worlds Torn Asunder
DISCOGRAFICA: Century Media
AÑO: 2011
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

El grupo asturiano Leather Boys se dio a conocer en su intento de “asaltar” el Festival de Eurovisión participando en la fase previa de 2009. Una vez olvidado ese desliz nos muestran sus señas de identidad con su álbum debut Real Leather, inmerso de lleno en el sonido que en la década de los ochenta facturaron bandas de la escena de Los Angeles como, Guns n’Roses, Mötley Crue, L. A. Guns, y demás formaciones ligadas al sleazy, al glam. Además, los españoles también filtran influencias de AC/DC para completar su paleta de colores musicales.

Obviamente, su propuesta no tiene nada de novedosa, sin embargo, su fuerza radica en la calidad que atesoran tanto unas composiciones interpretadas con irreverente chulería como la excelente producción de Alberto Rionda (Avalanch).

De esta forma, Real Leather nos ofrece altas dosis de riffs guitarreros, voces desgarradas y ritmos crujientes, nada pretenciosos y tremendamente eficaces por la crudeza que exhiben en un ambiente directo así como desenfadado.

Tras una intro de connotaciones eróticas, “Leather Boys Shout Rock”, nos pone en sintonía con la rudeza de sus guitarras, algo que nos va a acompañar durante todo el álbum, además de los estribillos pegadizos, detectables en temas como, “Online Teacher”, “Long Road”, “Searching For A Bad Girl” o “The Valley Of Broken Dicks”.

“Halo Of Hell”, es otro corte de riffs erosivos y rítmica marcada con un inicio de bajo y batería que da paso a un riff musculoso que recrea un ambiente embriagador de oscuras connotaciones, algo que también se aprecia en “Thirsty Of Blood”, de nuevo con presencia de bajo inicial y esquemas con cierto grado de complejidad.

El ritmo sostenido y las reconocibles y típicas guitarras de “Rock And Roll Blowjob” muestran las mencionadas influencias con respecto a la banda de los hermanos Young, con presencia también en “Tunning Girl” aunque aquí camufladas con otras referencias estilísticas.

En definitiva, un trabajo vitalista y repleto de vibraciones energéticas que no solo se aplica en el aspecto rítmico sino que incluye efectivos fraseos solistas esparcidos a lo largo del disco y que coloca a Leather Boys a la altura de muchas formaciones internacionales que practican su mismo estilo.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Leather Boys
TITULO: Real leather
DISCOGRAFICA: Autoeditado
AÑO: 2011
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

Tras el lanzamiento de The Crucible Of Man en 2008, con resultados aceptables pero de esquemas algo repetitivos, Jon Schaffer necesitaba dotar a Iced Earth de ciertos aires de renovación, imprimir algo de frescura a sus composiciones de cara a un futuro álbum. La reiterada deserción de Matt Barlow dio pie a la posibilidad de dar cabida al vocalista canadiense Stu Block y afrontar la nueva grabación con distintas perspectivas.

Jon sigue dotando a Iced Earth de esa imaginativa creatividad de la que siempre ha hecho gala, adaptando al heavy metal temas que siempre resultan atractivos. En esta oportunidad, el guitarrista rinde tributo a la literatura y al cine fantástico con aportaciones relacionadas con Dark City, V De Vendetta y Soylent Green, además de retomar historias relacionadas con sus anteriores discos.

En lo que respecta al apartado vocal, la presencia de Stu resulta de lo más positiva ya que amolda a la perfección su registro, dependiendo del contexto de cada pieza, bien acercando su registro a los tonos de Barlow, bien recurriendo a los agudos propios del tándem Owens/Halford, tal como se descubre en el tema inicial que da título al disco, además de añadir su particular aportación de agresividad procedente de su experiencia con el death metal.

En la parte instrumental, la producción de todo un experto como Jim Morris, nos descubre a unos Iced Earth, más directos que en otras oportunidades, con sus momentos exuberantes pero buscando cierta crudeza propia del heavy metal clásico, desprovisto de los excesos tecnológicos.

Todas las circunstancias reseñadas nos permiten disfrutar de un disco versátil dotado de canciones de variadas estructuras y sobrados recursos. Con momentos épicos de ritmo marcado como “Anthem” y “V”; incursiones de galopantes ritmos como “Boiling Point” y “Equilibrium”, medios tiempos impregnados de sentimiento como “Anguis Of Youth” o, acercamientos al estilo Iron Maiden como “Dark City”, de trepidante ritmo de bajo y batería a cargo de Freddie Vidales y Brent Smedley, una consistente labor de Stu en las voces y sugestivas guitarras rítmicas de Jon, sin olvidar la intervención solista de Troy Seele a quien, por otra parte, hay que concederle el mérito de repartir solos altamente cualificados.

La furibunda “Days Of Rage”, la intensa balada “End Of Innocence” y la marchosa “Tragedy And Triumph”, completan un álbum con el que Iced Earth recuperan su credibilidad tras algunos titubeos.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: Iced Earth
TITULO: Dystopia
DISCOGRAFICA: Century Media
AÑO: 2011
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

El vocalista James Christian sigue apostando por una formación que ha dado excelentes rendimientos a la trayectoria de House Of Lords en los últimos años, con el aceptable Come To My Kingdom (2008) y el brillante Cartesian Dreams (2009) y que está compuesta por Jimi Bell (guitarra), BJ Zampa (batería) y Chris McCarvill (bajo).

Este nuevo álbum marca una línea continuista en la que el liderazgo que ostenta James se deja notar sensiblemente, constituyéndose en una de las principales características del álbum, además de la competente labor de Jimi, sobrado de recursos para exhibir sus dotes de guitarrista. La sección rítmica, con un bajo que deja sentir su presencia de forma clara y una batería sobria pero compacta, contribuye a conformar una base sólida en la que vocalista y guitarrista asentan su cualidades.

Si bien es cierto que las composiciones, en su mayoría, son menos arriegadas que en Cartesian Dreams, el álbum contiene magníficas piezas, como la que da título al disco “Big Money”, con un ritmo marcado de batería, un riff poderoso y la voz de James desarrollando un versátil trabajo, sin dejar pasar el efectivo solo de guitarra o, la continuación, “One Man Down”, de entorno algo oscuro, donde se lucen en sus parcelas James, Jimi y BJ, este último en uno de los mejores aportes del disco.

“Living In A Dream World” con sus aires a lo “Perfect Strangers” de Deep Purple; “Seven”, con su energética dinámica y “Blood”, con su robusto riff pisando el terreno de los mismísimos Metallica y sus coros pegadizos, constituyen los momentos más entretenidos y sugestivos del álbum.

El resto de canciones, “First To Cry”, “Someday When”, “Searchin’”, “Run For Your Life”, “Hologram” y “Once Twice”, están decantadas hacia estructuras más convencionales, predominando los medios tiempos de corte melódico. Aunque no sorprenden tampoco decepcionan por dos categóricas afirmaciones, los apasionados injertos de guitarra solista y la resolutiva pacacidad vocal de James, dos condiciones que evitan que el disco se acomode en los esquemas demasiado empalagosos.

Posiblemente no supere a su anterior trabajo pero deja las suficientes muestras de creatividad como para mantener un alto nivel de calidad.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: House Of Lords
TITULO: Big Money
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2011
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

This Mortal Coil es el quinto álbum de estudio de Redemption, formación estadounidense de prog metal creada en 2000 y cuyo paralelismo estilístico puede asociarse con el de sus compatriotas Dream Theater y Symphony X; de estos últimos, algunos componentes como el batería Jason Rullo formaron parte de la banda en su debut de título homónimo, mientras que el guitarrista Michael Romeo participó en la composición como colaborador.

A partir del segundo álbum entró como vocalista Ray Alder, de Fates Warning, que ya había ejercido de productor en su primer trabajo; pero el principal impulsor de la banda es el guitarrista Nick van Dyk. Completan la formación Bernie Versailles (guitarra), Sean Andrews (bajo) y Chris Quitarte (batería).

This Mortal Coil, es un álbum de complejos desarrollos instrumentales en los que cada componente brilla de forma particular con su aportación de recursos, comenzando por las decisivas guitarras de Bernie y de Nick quien también se hace cargo de los teclados, utilizados con eficacia en momentos clave, siguiendo con la equilibrada batería de Chris y terminando con el bajo de Sean, cuyas sólidas atribuciones contribuyen a potenciar las canciones, como podemos descubrir en temas como, “Path Of The Whirlwind”, “Blink Of An Eye” y “No Tickets To The Funeral”, en lo que resulta una trilogía inicial de auténtico lujo, seguidas de, “Dreams For The Pit” y “Noonday Devil” que completan una primera parte demoledora y exuberante donde los parámetros de las canciones incursionan en vértices abiertos a cualquier posibilidad en el sentido de que las estructuras forman una sucesión de sinuosos pasajes catalizadores de vibrantes y sugestivas sensaciones.

El disco baja en intensidad con piezas como “Let It Rain”, donde la voz de Ray abarca más protagonismo, mientras que “Focus” y “Perfect” cuentan con partes apasionadas aunque con algún momento de languidez esquemática algo que también podemos encontrar en “Begin Again”, antes de que en su tramo final el grupo nos vuelva a deleitar con su apabullante creatividad.

El álbum recobra fuerza con “Stronger Than Death”, su recurrente riff y envolvente dinámica mientras que “Departure Of The Pale Horse”, con sus más de 10 minutos de duración, nos muestra a los Redemption más oscuros y enigmáticos.

En definitiva un álbum de ejecución disciplinada y ambiente abigarrado, con mucha sustancia por descubrir en sus intrincados entramados, mayormente decantado hacia la energía que a la calma aunque con sus momentos reflexivos. Quizá algo menos extenso mantendría la emotividad más constante.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Redemption
TITULO: This Mortal Coil
DISCOGRAFICA: InsideOut
AÑO: 2011
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

¿Quién no recuerda el arranque profesional del combo Fozzy? Olvidados ya los años 90, cuando pensábamos que el heavy se estaba volviendo algo demasiado serio, y que cada vez había menos tiempo para la imaginación o el humor, llegaban estos artistas para demostrarnos que no todo está perdido. Si te gustaban los Spinal Tap y lo que su “legendaria historia” escondía, en esa apertura del nuevo siglo se presentaba una nueva formación nacida en su concepto originario cual proyecto cómico-musical. Cuidado, no mal interpretemos esta expresión, ya que lo que salía de cada corte de Happenstance –y de su anterior Fozzy de 2000– atesoraba tanto calidad como seriedad.

Y es que, tras el éxito de sus versiones de ‘Freewheel Burning’, ‘Mob Rules’, ‘L.O.V.E. Machine’ o ‘Balls To The Wall’ –las cuales, en un saleroso mockumentary, aseguraban que eran piezas originales suyas–, el wrestler Chris Jericho y sus compañeros de aventuras se centraron en dar continuidad ya real para lo que en un principio el nombre de Fozzy pudiese representar. Así aterriza en el mercado de 2005 All That Remains, el primer disco “serio”, por llamarlo de alguna manera. Un redondo con material propio de bastante calidad, que vendió bien pero que la crítica especializada no quiso entender.

Ahora 2011 nos trae un recuerdo a sus siguientes asaltos: Remains Alive (2005) y Chasing The Grail (2010). El primero de ellos nos los enmarca sobre las tablas, captando la intensidad de sus directos y, a la postre, dejando que Jericho demuestre que, sin ser un verdadero talento como vocal, cubre su puesto con gran respeto y garra. Por su parte, Chasing The Grail luce como modernización de conceptos, cual grabación que trae al presente inmediato el metal norteamericano. Un disco compacto del que se llegarían a extraer tres sencillos: ‘Martyr No More’, ‘Let The Madness Begin’ y ‘Broken Soul’. Esta edición se ganaría los mejores piropos desde la casa Iron Maiden, que lo catalogó de “clásico”, mientras que Chris empujaba a sus compañeros de banda a disfrutar del metal progresivo gracias a la extensa ‘Wormwood’. Hoy, y por mediación de Ear Music, subsidiaria de Edel, podemos entender mejor cómo una buena broma privada se puede terminar transformando en algo muy serio, respetable y con carrera a envidiar.

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Sergio Guillén