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Entrevista a Mikael Åkerfeldt (Opeth)

mer149 — Sun, 04 Dec 2011 23:04:16 +0000

“La integridad musical significa mucho más que pertenecer a un género determinado”

De cerca, Mikael Åkerfeldt es una persona seria, o al menos eso parece cuando empieza a hablar de su música. Su actitud cara a cara poco tiene que ver con su forma de entenderse con el público una vez que sube a un escenario. Pero en la corta distancia, Mikael Åkerfeldt también es una persona muy simpática, interesante y educada, capaz de disculparse sin ningún tipo de ego cuando llega tarde.

El sábado 19, en plena jornada de reflexión, tuvimos la oportunidad de hablar con el líder de Opeth, que en septiembre sacó su décimo álbum, Heritage, y que esa noche iba a presentarlo en la madrileña sala Penélope. Por problemas de tiempo e incidentes varios, tuvimos que compartir la entrevista con The Breathless Sleep y éste fue el resultado de la experiencia conjunta.

Casi al mismo tiempo Steven Wilson, Pain of Salvation y Opeth os habéis alejado del metal progresivo. Steven Wilson explicaba con Grace for Drowning que para él la manera de recuperar la emoción y la espiritualidad que el metal progresivo había perdido era tomar las influencias jazzísticas de las bandas de los setenta. En tu caso, ¿de qué manera has tratado de recuperar esa emoción?

Yo no he tenido que plantearme demasiado cómo expresar mis emociones en la música, nunca he tenido problemas con eso. Para mí es una cuestión de intereses musicales, porque realmente no tengo el mismo estado de ánimo que cuando tenía veinte años, cuando estábamos empezando nuestra carrera en la escena del metal extremo, por decirlo así. El cambio, o como se le quiera llamar, en este nuevo álbum tiene que ver con mis gustos musicales, con cómo quiero expresar mis emociones a través de mi música.

Si querías grabar un disco así desde hace años, como has declarado muchas veces, ¿por qué ahora y no con Watershed u otros álbumes?

No es que estuviera fingiendo que era feliz con los discos anteriores, era lo que queríamos hacer en ese momento y aún sigo muy contento con esos discos. No siento que mis capacidades como compositor disminuyeran porque supuestamente perteneciéramos a cierto género haciendo esos discos. Yo quería hacerlos y con este nuevo álbum pasa lo mismo, es sencillamente lo que quería escuchar. Las canciones salieron de esta manera, son cercanas a la música que escucho a diario. Es lo que queremos tocar ahora mismo.

¿Cómo te las arreglas para mezclar estilos tan diferentes como el heavy, el death metal, el jazz o la psicodelia en una misma canción?

Simplemente lo hago. Creo que ése es uno de los problemas que tengo con el metal actual, el hecho de que muchos grupos no tengan una mentalidad abierta hacia la música en general. Muchos grupos de death metal sólo escuchan a otros grupos de death metal. Para mí eso les hace sonar predecibles y aburridos, para ser sincero.

Yo creo que nosotros hicimos canciones de death metal muy interesantes en el pasado y es porque como compositor soy un producto de mis influencias, sin ellas no habría sido capaz de hacer nada de eso. Pero he estado escuchando diferentes tipos de música desde que empezamos y para mí es natural mezclarlo todo. Eso es lo que me gusta, quiero que siga siendo interesante para mí mismo y afortunadamente habrá otras personas en el mundo que también lo encontrarán interesante.

Ahora que te has desmarcado de la agresividad propia del metal, ¿qué intentas expresar con tu música?

Mis emociones. La agresividad todavía está ahí, pero supongo que de una manera más sutil. Creo que este nuevo álbum es muy intenso, de una forma en la nunca lo habíamos sido antes, y es algo que tiene mucho que ver con la producción de sonido del disco. Yo nunca he sido una persona agresiva. Con los primeros discos, al hacer las canciones más extremas nunca me sentí como: “qué alivio, si no las hubiera hecho tendría que ir a matar a alguien”. Es simplemente música en la que antes estaba metido, pero en la que ahora ya no estoy realmente. No he encontrado grandes discos de death metal desde Domination de Morbid Angel.

¿Crees que volverás al metal extremo alguna vez?

Tal vez, no lo sé. Ahora mismo me parece difícil creer que de repente recuperaré el interés por las formas más extremas de música por las que he pasado. No estoy seguro de lo que me queda por descubrir con ese tipo de música, pero es posible, no estoy cerrando puertas a nada. Quiero que Opeth esté en la posición de saltar entre géneros de la manera que nos apetezca. Haciendo eso obviamente estamos poniendo a prueba a nuestros fans y su paciencia, pero para mí la integridad musical significa mucho más que pertenecer a un género determinado o jugar las cartas que la gente quiere que juegues.

Con este nuevo álbum me preguntan mucho: “¿vais a volver?”, y yo pienso que eso depende de lo que signifique volver. Es posible que volvamos si es lo que queremos hacer, pero no vamos a volver porque lo que hagamos ahora sea un fracaso.

Intentas llevar la música cada vez más lejos y por eso has dicho en varias ocasiones que has dejado de hacer guturales, porque te dejaban pocas posibilidades para la experimentación. ¿Es difícil encontrar tu propio estilo vocal en ese mundo tan grande como es el de las voces limpias?

Es mucho más interesante para mí, porque nunca me he visto a mí mismo como cantante. Yo quería ser guitarra solista, pero no tenía la paciencia para practicar. Acabé componiendo canciones. Con un álbum y una gira como ésta de repente me veo forzado a ser cantante y es mucho más interesante para mí ahora mismo. Con lo de los guturales fui bastante bueno durante un tiempo y todavía me encanta hacerlo a veces, cuando tocamos las canciones antiguas, como hicimos este verano en los festivales, pero lo he llevado tan lejos como podía.

No puedo desarrollarlo más, pero sí todo el resto de mi capacidad musical: la composición, incluso la guitarra, mis voces limpias… También ser mejor batería en mi cabeza, componer mejores ritmos de batería, mejores teclados y cosas así. Todavía estoy aprendiendo con eso, pero con los guturales he llegado a mi cumbre y ahora sólo puedo ir hacia abajo.

No fue raro que durante tu adolescencia entraras en el metal, pero ¿cómo descubriste el progresivo?

Entré en el rock progresivo mirando en tiendas de discos de segunda mano. Básicamente buscaba grupos que se parecieran físicamente a Black Sabbath en Paranoid, que abriera el vinilo y tuvieran una pinta tan guay. Así encontré a Genesis, King Crimson… En esa época, a finales de los ochenta y principios de los noventa, todo el mundo estaba deshaciéndose de sus colecciones de vinilos por la llegada del CD, así que pude comprar esos discos por casi nada, un euro. Compré muchísimos. Cuando era pequeño no podía comprar vinilos, pero en ese momento ya tenía un trabajo y algo de dinero, y así descubrí muchos grupos, gracias al coleccionismo.

¿Recuerdas cuáles fueron los primeros vinilos de rock progresivo que compraste?

Pawn Hearts de Van Der Graaf Generator fue uno de los primeros que compré, y pensé algo así como: “Oh, es jodidamente diabólico”. También In the Wake of Poseidon de King Crimson. Estaba entonces trabajando en una tienda de guitarras y había un hombre mayor y le dije que había comprado ese álbum. “Si te gusta eso, escucha a Camel”, me dijo, así que aproveché el descanso para comer y compré un disco de Camel, Mirage.

Entonces fui descubriendo a través del coleccionismo todos los subgéneros, la música que les había influenciado. Fui comprando discos de cantautores, de jazz, de fusión… Pero también he coleccionado siempre discos de heavy metal. Me encanta Judas Priest, por ejemplo, pero no puedo tener una edición de Holanda, necesito tener la edición inglesa original de Judas Priest, porque son de Inglaterra, y con Kiss necesito la versión estadounidense. Siempre estuve coleccionando discos de metal, nunca dejé de escuchar metal.

[Después de la entrevista, a la pregunta de si había estado comprando vinilos por Madrid, Mikael contestó que no, pero que ya tenía su vinilo español favorito: el disco homónimo de los catalanes Tapiman. También comentó que le gusta mucho Fusioon]

Gracias a tu camiseta de Comus, mucha gente ha descubierto a esta gran banda de folk y rock progresivo británico. ¿Podrías recomendarnos tres grupos desconocidos de los sesenta y los setenta que pienses que todo el mundo debería conocer?

Linda Perhacs sería una. Es una cantante y compositora que hizo un disco en 1970 y después se hizo dentista. Su disco se llama Parallelograms y es una música bella e inolvidable. No es similar a Comus, pero tiene la misma frescura. Hay algo perturbador en ese álbum y es tan bello que te hace llorar.

Night Sun de Alemania, hicieron un disco en 1972 [Mournin’] y es casi como death metal. No tiene guturales, pero es tan extremo y fuerte… Es un disco de hard rock tan jodidamente grande que todo el mundo debería descubrirlo.

Hay también un grupo llamado Cressida. Sacaron dos discos en el sello Vertigo, el mismo que Black Sabbath, en 1970 y 1971 [Cressida y Asylum]. Es una banda de jazz rock, podría decirse, y de hecho se han reunido ahora. Me han pedido que me involucre, porque llevo años hablando de ellos, así que me puse en contacto con el batería, que vino a ver nuestro concierto. Me dio las gracias por ayudarles y eso fue genial para mí. Ahora van a hacer un concierto en Londres. Son una banda fantástica y su música es muy hermosa si te gusta el rock progresivo con mucho órgano.

Una de las canciones de Heritage, Slither, está dedicada a Ronnie James Dio. ¿Fue algo premeditado o algo más bien espontáneo?

Tengo en casa una Stratocaster conectada a un ampli y simplemente estaba tocando. Me salió este fraseo y cuando tienes una Stratocaster y eres un gran fan de Rainbow como yo… Simplemente estaba haciendo el tonto y me salió este riff, que pensé que sonaba bien. Acabé componiendo una canción. Se la puse en el coche a Axe, nuestro batería, porque jugábamos a bádminton y siempre me tocaba recogerlo porque él no tiene carné de conducir. Me dijo: “me encanta”.

Era algo entrañable de alguna manera, pero decidimos ponerla en el disco porque le daba un sentido dinámico y nunca habíamos hecho una canción así. Cuando Ronnie falleció fue obvio que íbamos a dedicarle la canción a él, porque su música ha sido muy influyente para mí desde que era pequeño, hasta el punto de que compuse esa canción casi sin pensarlo. Pero además la canción podría decirse que es un tributo a Blackmore. La hemos puesto en el disco porque sentimos respeto por él.

Con el resto de canciones, ¿sueles pensar más en lo que compones?

No pienso en nada, la verdad. A veces cuando escucho algunas cosas que hemos tocado… ayer en la prueba de sonido, por ejemplo, estaba contento con el sonido, así que bajé del escenario y escuché a nuestro teclista tocando algunos de nuestros riffs y pensé: “¿cómo se me ocurriría a mí esto?”. Me parece tan sorprendente que yo haya compuesto algunas de esas cosas… No quiero ser pretencioso, pero a veces es casi como que estás en trance. Compongo cosas, sigo adelante y luego me olvido, así que no pienso mucho.

Además de Blackmore, ¿qué otros guitarristas te inspiran?

Me gustan los clásicos del hard rock. Me gusta K.K. Downing de Judas Priest y Glenn Tipton. David Gilmour es grande para mí, Andrew Latimer de Camel, Jeff Beck… No aspiro a ser tan bueno como ellos; intimida escuchar a estos tíos, te hace querer dejar de tocar. Pero como me gusta rodearme de buenos músicos, ahora Fredrik es el guitarra solista y él es muy bueno. No necesito tomar ese rol tanto como antes, me he convertido en un compositor.

Parece que también encuentras la inspiración en la oscuridad y la melancolía, que son una constante en todos tus álbumes, sean más progresivos o más extremos. ¿Es parte de la esencia de la banda?

Definitivamente, no soy de música alegre. Me gusta que sea sombría y miserable, por alguna razón es mi estilo. Siempre ha sido así. Con alguna excepción como la jodida “Dancing on the Ceiling” de Lionel Richie, nunca me han gustado las canciones alegres. Aunque en mi música a veces hay algunos acordes mayores.

Siempre me ha gustado el lado más sombrío de las cosas, también en el cine. Me gustan las películas más oscuras, como El cazador o The Road. Aunque ni siquiera me atreví a ver Anticristo, porque además tengo hijos y esas películas luego las recuerdas más de lo que te gustaría.

Se han creado muchas expectativas en torno al disco que vas a sacar con Steven Wilson, Storm Corrosion. Para terminar, ¿podrías describirnos alguna canción del álbum?

Son muy diferentes, encajan juntas como una secuencia. La canción más bonita, por ahora mi favorita, que de hecho la escuché ayer con una copa de vino, es una canción llamada “Ljudet Innan”, qué básicamente significa “el sonido de antes” en sueco. Es la última canción que compusimos. Es dolorosamente bella. No lo digo porque yo sea parte de ella, pero ni siquiera Steven pudo contenerse.

Cuando grabábamos, él decía: “sí, está muy bien”, pero con esa canción tocaba el teclado y estaba como: “guau” [hace como que toca con cara de éxtasis]. Fue uno de sus momentos… Es locamente bello, bastante perturbador también. No es extremo en el sentido de fuerte, es bastante tranquilo, pero es… genial.

Texto: Rocío Garrido y Miguel E. Rebagliato

Fotos: Patricia Herrero

Entrevista a Lee Agnew (Nazareth)

pablomb — Thu, 22 Sep 2011 15:11:22 +0000

“Me parece bien comprar por internet una canción suelta, es como elegir tu propio single”

Con el lanzamiento de Big Dogz, los veteranos escoceses Nazareth han retornado a la primera línea del hard rock europeo. Desde el fallecimiento de Darrell Sweet las baquetas de la banda están en las manos de Lee Agnew, hijo del bajista original de la banda Pete Agnew. Nos ponemos en contacto con Lee para preguntarle sobre los detalles del nuevo disco.

Tras 22 discos y más de 40 años en la música mucha gente sospecharía que Nazareth no iba a hacer nada novedoso en su último disco, pero os habéis reinventado volviendo a las raíces del blues y el soul con un sentimiento blues muy marcado, ¿qué os motivó a hacer esto?
Estamos motivados simplemente por la bendición de poder vivir de esto, sabíamos que queríamos un disco con este tipo de sonido y afortunadamente lo conseguimos sin mayores problemas. Mientras todo vaya bien tendremos la oportunidad de hacer otro disco en el futuro, y mientras la gente quieras escucharnos nosotros tendremos motivación para hacerlo.

¿De quién fue la idea de escribir y grabar el disco en Praga?
Una vez que decidimos grabar un nuevo disco miramos varios estudios. Pete (Agnew) y Dan (McCafferty) visitaron un estudio en la República Checa que les gustó mucho, Sono Studios es un gran lugar, está en un pueblo a 20 minutos en coche de Praga, así que tienes la ventaja de vivir en el estudio sin distracciones, pero pudiendo salir si teníamos una noche libre. Praga es una ciudad maravillosa.

¿Cómo fue la experiencia?
El estudio tiene un gran ambiente, muy espacioso con mucha luz natural, ¡no es como estar en una caja todo el día!, tienen una gran sala para grabaciones en directo y mucho equipamiento vintage que es difícil de encontrar en otros sitios. Desde el punto de vista económico las tarifas son muy razonables, el mismo estudio en Londres o Nueva York hubiera sido diez veces más caro. Además los propietarios y trabajadores lo conocen bien y obtienen buenos resultados muy pronto… y hay un pub justo al lado del estudio, ¡perfecto!.

Creo que sólo os llevó dos semanas grabar este disco, ¡impresionante!, ¿cómo fue el trabajo previo?, ¿cuánto pasó desde que iniciasteis el proceso hasta tenerlo completado?
Nazareth sigue manteniendo un calendario de conciertos muy exigente, así que montar las canciones para este disco a veces fue un poco complicado. Realmente no tuvimos la oportunidad de entrar en una habitación juntos y trabajar en las canciones hasta que llegamos al estudio.

Algunas canciones fueron escritas en casa, en nuestros ratos libres, otras en la carretera, y una o dos directamente las escribimos en el estudio. Luego empleamos un tiempo hasta que cada uno aprende su parte y salen los arreglos. Después de esto lo que hacemos es grabar el acompañamiento de día y las voces por la noche. Descontando el tiempo en escribir las canciones, la grabación nos llevó sobre seis semanas.

Considero que en ‘Butterly‘ Dan canta magistralmente, ¿hace algo especial para cuidar de su voz?, no creo que sea el whiskey escocés…
¡¡No es el whiskey escocés!!, aunque a veces se toma una copa de cognac (risas). En mi opinión la voz de Dan es un don, no puedes enseñar a alguien a cantar así, o lo tienes o no lo tienes. Me sorprende que pueda cantar así noche tras noche, hacemos giras que castigarían la voz de una persona de la mitad de edad que Dan, pero es todo un rockero, aunque tenga la garganta cansada o dolorida sale al escenario y da lo mejor de sí mismo, ¡es mi héroe!.

En la canción ‘Butterfly‘ realmente logró una conexión emocional con la letra y se nota en la interpretación, recuerdo cuando grabó esa canción en el estudio, fue un momento mágico.

¿Qué o quién es el perro grande (Big Dogz)?
Es el jefe, el tipo importante, el rey de la montaña!, pensamos que sonaba bien y teníamos la primera canción que se llamaba ‘Big Dogs Gonna Howl‘, así que decidimos que sería un buen título para el álbum, añadimos la Z porque así parecía más rockero.

La portada muestra cuatro perros muy fieros (¿sois vosotros?), y en pose amenazante, ¿qué pensáis de la amenaza que para algunos sellos discográficos es tener que vender la música a través de internet?, ¿y de la posibilidad de comprar canciones individuales y no el disco entero?
Me alegra saber que te gusta la portada, no está basada en nosotros, ¡pero me gusta la idea! (risas). Respecto a la música en internet, es mejor que las compañías se acostumbren, porque es algo que no va a cambiar. Por lo menos ahora los artistas estamos viendo algo de beneficio cuando se venden nuestra música online, no como cuando la gente se lo descargaba gratis.

Si alguien quiere comprar sólo una canción me parece bien, es como poder elegir tu propio single. Si tengo un interés pasajero por una banda así sólo podré descargar la canción que me ha gustado cuando la oí en la radio o en un concierto, pero si soy un gran fan de la banda seguro que me compraré el álbum entero. Las descargas son una parte enorme de la música que se vende hoy en día y no hay razón para quejarse sobre ello.

Cuéntanos un poco sobre la grabación en 2000 de las canciones acústicas que vienen en el bonus CD, ¿por qué las habéis incluido?
El set acústico lo grabamos en la habitación que está encima del Sinky’s Pub en Dunfermline, Escocia, que es dónde solíamos ensayar. Nuestra compañía Edel quería sacar una edición especial y nos preguntó si teníamos material adicional, entonces nos acordamos de esas canciones. Nadie pudo recordar porqué las grabamos, pero sonaban realmente bien, y a Edel también le gustó, por eso han salido en el bonus CD.

Estas grabaciones son una buena muestra de la banda haciendo algo que está un poco alejado de lo que solemos hacer, como versiones alternativas de canciones antiguas. ‘Love Hurts‘ es una elección evidente, pero hay otros temas menos conocidos como ‘Open up Woman‘ que también suenan muy interesantes cuando adoptamos este enfoque (acústico). Es el tipo de cosas que nuestros fans deberían querer añadir a su colección.

El disco ha sido top 15 en las listas de ventas de Rusia, algo sorprendente teniendo en cuenta que es un disco que para apreciarlo en su totalidad necesita varias escuchas, ¿esperábais una acogida tan buena?
Tenemos muchos fans en Rusia, y no sólo del material antiguo, es gente a la que realmente le gusta lo nuevo. Cuando giramos con nuestro álbum anterior The Newz, la reacción del público ruso a las nuevas canciones fue fantástica, así que con Big Dogz espero que pase lo mismo. Me encanta que el nuevo disco tenga tan buena respuesta en Rusia, estaremos tocando allí a finales de año y lo espero con impaciencia.

Muchas bandas han sido influenciadas por vuestra música (Axl Rose, Brian Johnson, Sammy
Hagar….), pero ¿qué bandas influyen actualmente en la música de Nazareth?
Nos halaga cada vez que alguien nos cita como influencia. La formación actual de Nazareth tiene gustos muy diversos, y no sólo de otras bandas de rock. A Dan y Pete les gusta todo el rock and roll antiguo, todos los artistas del sello Stax, grandes cantantes como Otis Redding o Sam & Dave. Hace poco conseguimos un disco en directo del cantante escocés Frankie Miller que hemos puesto mucho en nuestro autobús de gira. Jimmy, nuestro guitarrista, ama a los Beatles, y también a Deep Purple y mucha gente más, demasiados para nombrar a todos. Todos apreciamos el trabajo de cantautores como James Taylor, Randy Numan, Neil Young o Bob Dylan. También hay músicos de country, reggae y jazz que han sido una influencia para la banda.

Yo soy un poco más joven que el resto del grupo, así que crecí escuchando a gente como Axl Rose cuando estaba en Guns N’ Roses, puede que Nazareth le haya influido, pero también me ha influido a mí y ahora estoy en Nazareth, ¡así que se ha completado el círculo!. Hay nuevas bandas ahora que están haciendo grandes cosas, Kings Of Leon, por ejemplo. El hip hop tiene elementos que encuentro interesantes y que puedo utilizar, sólo tienes que escuchar a Rage Against The Machine para ver los caminos tan atractivos que pueden surgir si mantienes la mente abierta. Toda música que te gusta será una influencia para tí de alguna forma u otra.

En cierta manera sois embajadores del rock escocés, ¿qué lugares de tu país recomendarías para que visite un aficionado al rock?
¡Es genial que creas que somos como embajadores!, a pesar de que Escocia ha tenido excelentes bandas, ninguna de ellas ha durado tanto como Nazareth, supongo que es por eso por lo que nos consideran embajadores.

En las ciudades escocesa pasa como en las de todo el mundo, encontrarás fans de música rock, y éstos son prácticamente iguales en todas partes, es como una gran hermandad, algo realmente impresionante. Al final todo es por la música y por pasarlo bien, en los conciertos y festivales de rock siempre hay muy buen ambiente, aunque la música sea agresiva los fans suelen ser geniales, y me encanta.

Acerca de Escocia, es un país pequeño, los grandes espectáculos suelen ser en el SECC de Glasgow, y es en Glasgow donde está la mejor escena de música en directo, hay muchos locales pequeños que programan conciertos regularmente, The Cathouse siempre es una apuesta segura, The Garage en la Sauchiehall Street o The Solid Rock en Hope Street, siempre lleno de gente.

Edimburgo también está muy bien, probad The Black Bull en la parte este de Princess Street o dirigíos hacia la zona de Cowgate para tomar algo en Bannermans Bar. The Jazz Bar en Chambers Street está abierto hasta tarde y no sólo ponen jazz, he visto grandes jams de funk rock allí, especialmente entre medianoche y las 3 de la mañana. También hay un recinto más grande, el HMV Picture House en Lothian Road, la última vez que estuve allí actuaron Zappa Plays Zappa, fue genial.

Texto: Dave Garia, www.portalesquizofrenia.com

Entrevista con Ktulu:”Nunca hemos renunciado a seguir adelante a pesar de los cambios”

locky — Wed, 07 Sep 2011 14:56:49 +0000

Ktulu lleván 25 años de trayectoria. Su formación ha sufrido amplias remodelaciones pero su esencia permanece ligada irremisiblemente al metal. Hace algunos meses el grupo barcelonés publicó Visión En La Casa Del Canibal, un trabajo dividido en tres partes que resume sus últimas actividades. Ahora, afrontan nuevas perspectivas con la entrada de dos nuevos componentes, el bajista Franklin y el guitarrista Jess, quienes se suman a los más veteranos Blai (batería), David (guitarra) y Wylly (vocalista), único componente que permanece de la formación original. Con todos ellos hablamos para que nos explicasen algo del pasado de Ktulu, cómo afrontan el presente y qué esperan del futuro de la banda.

Sois una banda que en 2011 cumple 25 años de historia, durante todo este tiempo, ¿cuál es vuestra valoración de lo más positivo y lo más negativo que os ha pasado?
Wylly: Lo negativo han sido las temporadas de altos y bajos en cuanto a audiencia de los conciertos y en la actitud de la gente de cara a la música metal y el que no puedan ir a un concierto como desearían; hay ganas pero los tiempos de crisis no acompañan. Y lo positivo es que, después de tantos años, la banda quiere más logros, seguir trabajando y continuar adelante. Y aunque ahora no somos los mismos, algunos de los que se han ido siguen estando de una forma tácita, han colaborado en los últimos videos, han venido a vernos actuar…

Partiendo de los inicios, Ktulu nunca ha parado de evolucionar. ¿Cuál consideráis que ha sido el cambio más radical que ha sufrido la banda?
Wylly: Creo que en todos nuestros discos, desde las primeras maquetas hasta el último disco, ha habido cambios. Al estar tocando durante varios años la misma música llega un momento que te apetece cambiar. No concebimos tocar siempre lo mismo, aunque haya excepciones tipo AC/DC que son de admirar, pero nosotros somos inquietos, nos gusta ir investigando.

¿Vuestra colaboración en la película El Día de la Bestia os supuso un aumento de popularidad?
Wylly: Bueno, fue un aumento de popularidad pero en lo que respecta a gente que no era estrictamente aficionada al metal, que escuchaba cualquier tipo de música. En la época de Orden Genético nosotros ya teníamos una importante base de seguidores afianzada que nos seguía y compraba nuestros discos.

¿Qué motivó vuestra larga etapa de silencio?
Wylly: Hubo mucha presión en cierto momento. Habíamos compuesto alrededor de 35 temas pero tuvimos problemas con el management, además, la presencia de público había bajado bastante, no teniamos muy clara la dirección musical que tomar y hubo gente del grupo que abandonó. Fueron muchas cosas después de 15 años de estabilidad y decidimos parar porque no queríamos hacer ninguna cagada. No dimos un año de descanso y al volver solo yo quería seguir adelante. El resto tenía trabajos estables, compromisos adquiridos, familia, hijos… y era muy difícil combinarlo con la banda.

¿Es complicado grabar un disco en directo para una banda como Ktulu, con los samplers y bases pregrabadas…?
Blai: Lo difícil no fue grabarlo ya que lo hicimos durante el concierto del Razzmatazz, lo complicado fue coordinarlo todo con el equipo de gente que nos ayudó y el tema de postproducción. También fue divertido ensayar el repertorio de 31 temas y que salieran bien. Luego, elegir los que se quedaban también fue difícil ya que para nosotros todos eran importantes.

Junto a los temas en directo que componen La Visión en la Casa del Canibal, ofrecéis además un DVD con diverso material. Esto parece que ya es algo habitual entre los grupos… ¿es la solución, para contrarrestar la descarga del disco por Internet?
Wylly: Básicamente ha sido combinar tres proyectos en uno ya que se hacia difícil poder publicarlos por separado, el disco en directo, el de versiones realizadas por otros grupo y el DVD con las imágenes. No nos hemos puesto a pensar si en un futuro podríamos volver a hacerlo pero, rotundamente no, no ha sido para paliar el tema de Internet ya que, en el fondo, todo se puede piratear. Queríamos combinarlo así y ofrecer un producto más completo.

¿Cómo surgió la idea de contar con grupos que realizaran versiones de vuestras canciones?
Wylly: Fue algo recíproco. Al principio contábamos con 34 grupos con versiones nuestras. Pero poco a poco se fueron descartando algunos porque, o estaban ocupados grabando su disco, o no estaban preparados para involucrarse en el asunto. De todas maneras no hubiera cabido tanto material. Finalmente quedaron 16 y escogimos a quienes ya tuvieran experiencia y entre su repertorio contaran con un tema de Ktulu. Es una forma de rendir tributo a las bandas que nos han tomado en cuenta en algún momento y ayudarnos entre todos a que el metal sigua adelante.

¿Qué puede encontrar el seguidor de Ktulu en el documental que se adjunta en el DVD?
Blai: Pues son 17 temas de audio en directo que suenan brutales y luego el DVD consta de 3 apartados; hay 14 cortes de imágenes recogidas de la misma actuación que el audio que expresa toda la agresividad de Ktulu en directo; luego está un documental de media hora que recoge los últimos tres años de gira registradas de diversos lugares donde hemos tocado y, la tercera parte, son las versiones que han hecho distintos grupos de nuestros temas.

¿Cuales de vuestras experiencias en directo han sido las más gratificantes?
Wylly: Pienso que cualquier concierto es gratificante solo con ver que la gente se divierte. Pero como experiencia especial debo reconocer la del Dr. Music Festival del 98, delante de 20.000 personas. La estábamos liando tanto que el manager del grupo que tocaba después, del que no me acuerdo el nombre, prácticamente nos acortó el set list y nos sacó del escenario. Ese fue un gran momento para nosotros. Todavía éramos unos chavalillos de barrio haciendo sus cosillas y que todo un manager se asustara de esa forma y quisiera que nos largáramos fue algo alucinante. A parte de eso, todos los bolos que conectas con el público son geniales.

¿Por qué se acabó vuestra relación con Dro/Eastwest?
Wylly: Simplemente por cuestión de ventas. Durante el tiempo que duró nos entendimos perfectamente. Nos sentimos muy alagados por estar con ellos desde 1995 hasta el 2001, período en el que salió la remasterización de Orden Genético con la inclusión del tema de El Día De La Bestía, “Apocalipsis 25 D”, además de 2078, Confrontación, las remezclas bajo el nombre de El Latido Del Miedo y Ktulu.

Cuando en determinado momento de vuestra carrera se os vinculó con el nu-metal ¿qué os pareció?
Wylly: Estoy de acuerdo en que hay un par de temas del álbum Ktulu de 1999, que iban por ahí. Lo encuentro algo normal, fue un estilo que pegó fuerte una nueva manera de entender el metal, siempre son necesarias las renovaciones y mirar hacia adelante es bueno, posiblemente alguno de nuestros temas de esa época sonaran como nu metal, pero solo eso.

¿Puede que Ktulu tenga en la actualidad ciertas influencias de Slipknot?
Franklin: Yo pienso que no, Ktulu tiene su estilo y aunque puede paracer que este influenciado por bandas como Slipknot, lleva su trayectoria desde hace muchos años. Puede haber alguna coincidencia pero ni mucho menos está hecho a propósito.
Blai: Nosotros vamos componiendo tal como nos sale, sin poner referentes particulares. Puede que de un grupo nos gusten las voces o de otro la batería, pero solo como forma de sonar. Tenemos nuestra identidad propia después de muchos años de trayectoria y ahora sería algo “chungo” si tratáramos de parecernos a Slipknot o a cualquier otro grupo que esté de moda. A mí, como batería, me ha influenciado mucho más Sepultura que Slipknot, por poner un ejemplo. Y también pienso que el contenido de Roots influyó en muchas bandas posteriores a Sepultura.

¿Una vez más, registráis cambios en la formación, ¿qué podéis comentarnos sobre los motivos de la salida de los anteriores
Wylly: La salida de los anteriores basicamente es que una banda como Ktulu requiere de mucho tiempo y dedicación y en el momentro que algún miembro ve que no puede estar al nivel necesario ha optado por decir hasta luego, pero no siempre hasta nunca, mucha gente que ha salido de Ktulu, excepto un par, si les necesitáramos seguramente nos ayudarían. Es muy difícil no tener un trabajo fijo, estar siempre pendiente de la banda, tambien hay obligaciones familiares, es duro. Pero nosotros nunca hemos renunciado a seguir adelante a pesar de los cambios. Quizá otras bandas dejan de funcionar cuando algún elementos les deja pero pienso que es un camino equivocado, si aún hay gente que tiene ganas de continuar no puedes tirar todo el trabajo que has realizado.

¿En qué medida han podido incidir en la trayectoria de la banda esos cambios?
Wylly: De cara el público siempre repercute, la gente quiere ver a los componentes de siempre, a veces comentan que ya no somos los mismos pero no se ponen a pensar que en Ktulu siempre ha habido cambios, algo que arrastramos desde los mismos inicios del grupo, antes de sacar Involución. Y si entonces hubiésemos decidido dejarlo no habríamos llegado hasta donde estamos.

¿Cómo veis el futuro de Ktulu, cual es vuestra percepción de cómo puede seguir evolucionando vuestro sonido?
Jess: Queremos que lo próximo de Ktulu sea de nivel internacional. Nuestro objetivo es hacer algo realmente importante tanto en sonido como en composición. Estamos planificando el enfoque de todos los instrumentos de manera que podamos competir con lo requerimientos de solicitan las discográficas más importantes y buscar nuevos rumbos ofreciendo más calidad. Creo que por trayectoria Ktulu se merece un respeto y en ocasiones observo que se le ha criticado en exceso. También creo que falta cultura musical, no se acude a los conciertos como algo habitual, aunque reconozco que la actual crisis tampoco ayuda mucho.

¿Cómo observaís la actualidad del metal estatal, creeis que evoluciona de forma correcta?
Wylly: Creo que las cosas se estan enfocando bastante mal. Debido a la crisis, hay promotores de otros tipos de música que se están introduciendo en el mundo del metal y eso es perjudicial porque ha de ser la gente que entiende del metal y se mueve hace años por ese mundo quien lleve el asunto adelante y que se vaya viendo la cultura del metal. Hubo unos años, entre 1995 y 1998, que fue increíble. Muchas de las bandas involucradas en el metal pensamos que íbamos a ser capaces de crear nuestra propia cultura, pero a partir del 99 todo cayó en picado, no llegó a cuajar y se perdió una gran oportunidad.

¿Y en cuanto a los grupos…?
Blai: En lo que es realmente metal creo que está bastante floja, muchos grupos que se catalogan como metal no lo son. Los hay de muy buenos que son desconocidos y luego están los conocidos que no son tan buenos como se dice. Hay gente que suele hacer sondeos y si ve que puede introducirse en el metal, aunque no lo sea, colocan la etiqueta de metal y… adelante.
David: Para los que son buenos y no se les conoce, no hay público, y cuesta muchísimo tirar hacia delante. Al final hay tantos grupos “supuestamente” de metal que no hay público para todos.

En vuestro caso particular, haciendo un balance de la irrupción de Internet ¿os ha perjudicado o beneficiado?
Wylly: Ha sido un cambio total, no solo a nivel musical sino en general. No sé si ha sido para bien o para mal pero ha influido en las pautas del comportamiento humano, la gente se tira horas y horas delante del ordenador, no salen de casa. Se ha creado una adicción peligrosa y nosotros nos hemos acoplado como hemos podido. La pena de todo esto es que hay grandes músicos que no tienen salida y que tienen que estar sirviendo cafés para ganarse la vida. Creo que llegará un momento en que el músico cobrará por el master y punto porque, de otra manera, no le veo salida.
Jess: Creo que a nosotros nos ha perjudicado porque con toda esta corriente, en lugar de estar centrados en componer música de calidad hay que estar atentos a todo lo que rodea Internet. Antiguamente un grupo vivía para la música sin tener que preocuparse por otras cosas. Sacabas un producto, la gente lo compraba, iba a tus conciertos y alargabas la atención sobre el grupo. En la actualidad no es así y eso es lo que veo negativo. Ahora, muchos grupos se basan más en el marketing, la imagen, una buena distribución… y la música queda en un segundo plano. Los grupos que no entran en ese juego van perdiendo público e influye en sus ventas. Cada vez se está más por el tema visual que por la música. Antes el oyente tenía una mayor cultura y respetaba más a los grupos y eso se está perdiendo. La gente no paga por un disco, le cuesta pagar por ir a un concierto… Pero, eso sí, en casa que no falte la pantalla de plasma.
David: También está que las discográficas están dejando de apoyar a los grupos porque no se vende lo suficiente y la calidad de las grabaciones baja considerablemente. Luego le exigen al músico que pague por un MP3 como si fuese de igual calidad que un disco normal.
Blai: Hay quienes se conforman con ver un video en directo por Internet y ya se piensan que es lo mismo que estar en el concierto. Y no tiene nada que ver, no son las mismas sensaciones.

¿Cuáles serán vuestros próximos pasos?
Wylly: Bueno, tanto Jess como Franklin han estado muy activos dedicados a la producción, tenemos alrededor de 40 temas por revisar y queremos componer unos 20 más para un próximo disco que intentaremos que salga este año junto a una nueva edición remasterizada de Show Canibal como regalo que está quedando fenomenal. Y, mientras tanto, vamos haciendo bolos donde se nos requiere.

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

Entrevista con Max, Víctor y Alex de Morphium: “En España hay grupos de metal de gran nivel pero falta apoyo”

locky — Wed, 27 Jul 2011 19:33:38 +0000

Tras años de esfuerzo, posiblemente, Morphium, grupo procedente de Girona, ha publicado uno de los discos de metal más interesantes en lo que llevamos de año, La Era De La Decadencia. Para que nos hablaran de todo el esfuerzo que ha supuesto finalmente tener el disco en la calle, así como de las sensaciones que conlleva, establecimos un encuentro con tres de sus componentes, los guitarristas Max y Víctor y el vocalista Alex. La formación la completan, Lur (teclista y vocalista), Eugen (bajo) y Mori (batería).

Junto con los 13 temas que componen La Era De La Decadencia, ofrecéis además un DVD con diverso material (entrevistas, concierto en directo, making of, videoclip…) Esto parece que va a ser algo habitual entre los grupos… ¿es una manera de contrarrestar las descargas ilegales?
Alex: Evidentemente, contra más atractivo hagas el producto que quieres vender, mejor será para el público. Puede que en parte pueda paliar las descargas ilegales pero nosotros tenemos detrás unas discográficas que no se fijan en las descargas sino en las ventas y para vender hay que dar contenidos que gusten.
Max: Se trata de intentar contrarrestar todo el tema de Internet añadiendo contenidos extra donde la gente también pueda descubrir la esencia de Morphium.

¿Cuáles fueron los motivos para elegir a Carlos Kreator como productor y los Rockstudios de Bilbao para grabar?
Víctor: Bueno, Carlos Kreator es uno de los mejores productores de este país; habíamos escuchado trabajos suyos elaborados en esos estudios y nos encantaba la calidad del sonido. Consideramos que su manera de trabajar era la que más se parecía a lo que nosotros buscábamos y no nos equivocamos porque acabamos muy contentos con el resultado, además del trato recibido y la experiencia que pasamos durante las dos semanas que estuvimos en Bilbao.

Max, Víctor y Alex

Contarme cómo se desarrolló el proceso de grabación. ¿Quién tiene más peso específico en el aspecto compositivo?
Max: Nuestra manera de trabajar se basa en que cada componente aporte sus detalles y su parte creativa en el proceso de composición. Luego, la iniciativa la llevamos entre los dos guitarras y, en ocasiones Lur, la teclista del grupo. Después, cuando se empiezan a pulir las canciones cada componente añade su parte. Independientemente de quién haya sido el compositor principal de la canción acaba sonando a Morphium porque cada cual pone su toque personal. Y, en cuanto a la grabación, primero grabamos las baterías en Girona, nuestro lugar de residencia, concretamente en unos estudios de Salt, con Luis Costa y posteriormente nos desplazamos a Bilbao donde grabamos el resto de instrumentos así como las mezclas. Aprendimos mucho durante nuestra estancia rodeados de excelentes profesionales, fue un constante aprendizaje.
Alex: De hecho, todo el proceso se puede apreciar en el making of que está incluido en el DVD.

Y en cuanto a las letras…
Max: Normalmente los dos vocalistas son quienes escriben la mayoría de las letras. A la hora de escribirlas miramos que sean abiertas y que cualquiera pueda sentirse identificado
Alex: De vez en cuando Max también aporta alguna… depende mucho de la inspiración. En mi caso, hay temporadas que estoy muy inspirado y escribo bastante, en otras temporadas es Lur la que aporta más. En lo que respecta al contenido, mis letras hablan de conflictos personales y, sobre todo, de superación.

Víctor

Vuestra música contiene muchos matices, ¿hubo alguna parte más laboriosa o complicada a la hora de grabar?
Víctor: Partiendo de la base de que entrar en un estudio ya es complicado, quizá la parte que nos costó más fueron, según mi opinión, las baterías. Encontrar el sonido perfecto nos llevó muchas horas.
Alex: Tuvimos que simplificar para que todo cuadrara mejor y fuese más compacto. A veces, cuando compones, quisieras meter cantidad de detalles y luego en la práctida te das cuenta de que no todo funciona y que puede resultar mejor un ritmo sencillo pero eficaz que hace que el tema fluya, que no una virtuosidad aislada.

Desde vuestra propia percepción, ¿Cómo definiríais la música de Morphium?
Víctor: Esa es la pregunta del millón (risas). Nuestra música tiene una gran variedad de matices porque cada miembro de la banda proviene de una escuela, algunos somos más clásicos y otros más modernos. Nuestro estilo tiene thrash, tiene death, también cosas góticas así como del metal industrial. Intentamos meter todo lo que nos gusta. No nos cerramos a ninguna influencia. Puede que el death metal melódico sea el estilo al que más nos acercamos, aunque con tintes góticos.
Max: De hecho, a la hora de formar el grupo, si quieres ir en serio, desde mi perspectiva hay dos posibles caminos. Después de una primera etapa de aprendizaje, puedes elegir, o seguir lo establecido, o intentar cosas nuevas aunque la gente no esté tan acostumbrada. Este último camino es el que hemos elegido Morphium. Puede que tengamos un lado algo comercial pero también muy diverso, pretendemos que nuestra música no se pueda encasillar en una etiqueta concreta.

Sin duda vuestro estilo encajaría perfectamente cantado en inglés, os daría una imagen más internacional ¿por qué la decisión de hacerlo en castellano?
Alex: Creo que cuando uno quiere transmitir algo, ante todo, tienes que entenderlo y saber expresarlo. Mis idiomas son el catalán y el castellano, podría hacerlo en cualquiera de los dos pero hemos escogido el castellano. De esta manera puedo expresar mejor mis sentimientos porque pienso que es importante que se entienda lo que pretendo transmitir. Queremos que la gente, además de disfrutar con las melodías y tal, también se identifique con las letras. Esto tampoco quiere decir que no busquemos un público fuera de España.
Víctor: Esto no significa que en un momento dado no pueda salir La Era De La Decadencia en inglés, no cerramos ninguna puerta lo que pasa que no te puedes expresar igual en un idioma que no es el materno.
Max: Hay un ejemplo muy claro aquí en Europa que son Rammstein, es una banda que canta en su idioma natal y, aunque al principio les cerraban muchas puertas, a base de insistir, cantar en alemán no les ha privado de triunfar internacionalmente.

Alex

¿Qué implica el título La Era De La Decadencia… es una visión negativa del mundo actual?
Víctor: Es una crítica a todo lo que estamos viviendo en los últimos tiempos en la sociedad, guerras, delincuencia, la perdida de valores…
Alex: También se puede mirar desde el punto de vista de nosotros mismos, de Morphium. Que cueste tanto sacar adelante un producto que pienso que es de gran nivel, que puede que guste más o menos pero, que resulte tan difícil sacarlo al mercado, con años de esfuerzo, horas invertidas, dinero… es que algo no está funcionado bien. Esto también influye en nuestra particular visión del mundo.
Max: También puede haber influido la edad que teníamos cuando empezamos a componer las canciones, cuanto más joven eres, más crítico con la sociedad de vuelves. Esa rebeldía es la que queríamos expresar en este disco

Encuentro que habéis creado un disco muy homogéneo y visceral. ¿Hay alguna canción de la que os sintais más satisfechos por algún motivo especial?
Alex: Es difícil ya que el disco es como nuestro bebé. Hay canciones con toques más comerciales que entran a la primera y otras más complicadas, puede que estas últimas tengan más mérito desde mi punto de vista, precisamente por eso por contener más detalles. Aunque, en el fondo, está claro que disfrutamos tocando todos los temas.
Víctor: A veces, las canciones que pasan más desapercibidas por el público son las que uno tiene un cariño especial. También están las canciones que más se parecen a lo que uno escuchaba en sus inicios, las que te han dejado huella.

¿Una vez finalizado todo el proceso y con el disco ya listo, que sensaciones pasan por la cabeza de los creadores?
Víctor: Una sensación de felicidad total. Es un trabajo de años, hemos vivido todo el proceso, componerlos, trabajarlos ensayando continuamente, tocarlos en directo para ver la respuesta de la gente, decidir cuáles debían ir finalmente en el disco… Luego se resume todo en una cajita que nos hace inmensamente felices. Nuestro sueño era sacar un disco y lo hemos conseguido.
Max: También te pasan por la cabeza todos los momentos de duda, cuando pensabas si valía la pena tanto esfuerzo, tantas horas invertidas en las que tus familiares y tus amigos te preguntaban si no estabas perdiendo el tiempo. Pero a base de insistir lo hemos logrado.
Alex: Estamos contentos porque el resulta final ha sido excelente. Esto cuesta dinero y muchos grupos, después del esfuerzo que supone todo este proceso, no invierten lo suficiente y el resultado no es el que hubieran deseado, no quedan contentos. Ese no es el caso de Morphium.

Max

¿Contar con dos cantantes, hombre y mujer, fue parte de vuestra idea inicial al formar la banda o surgió sin premeditación?
Max: Cuando comenzaron los primeros esbozos para formar Morphium queríamos que la voz femenina tuviera el principal protagonismo y que la masculina fuese secundaria. Lo que pasa es después de cambiar algunos miembros la evolución del grupo provocó que la voz masculina finalmente tuviera más relevancia.

¿Cómo observaís la actualidad del rock estatal, creeis que evoluciona de forma correcta?
Víctor: Pienso que en España hay un gran nivel en los grupos actuales a pesar de que aquí se suele subestimar al producto nacional. Eso me da mucho coraje. Hemos tocado con muchos grupos nacionales que no tienen nada que envidiar a los extranjeros. La gente joven que sube está muy cualificada y debería de haber más oportunidades para todas las bandas.
Alex: El metal español, por desgracia, es muy underground. Hay bandas que llevan mucho tiempo funcionando y no salen a la luz porque no hay facilidades. De acuerdo en que hay buenas bandas pero también existen muchos impedimentos, no hay una infraestructura que los apoye.
Max: Otra cosa es que en España no hay una tradición de ir a conciertos comparándola con otros países de Europa, no hay un público formado que respalde de forma adecuada a las bandas de metal.

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

Entrevista con Tony y David de Regresión: Lo tenemos montado de una forma que, gastando lo menos posible sacamos el máximo rendimiento

locky — Tue, 28 Jun 2011 19:20:25 +0000

Con el lanzamiento de Santa Decadencia, el grupo barcelonés Regresión ha conseguido aumentar las expectativas con respecto a su futuro. A su mezcla de hard rock y heavy metal le han añadido unos toques de sofisticación que le ha hecho un gran favor a una propuesta que ha dejado de ser amateur para situarse a un nivel profesional. Para que nos hablasen de su nuevo álbum, de esa ciudad del pecado reflejada a lo largo de todas sus canciones, de su forma de trabajar y de las dificultades que entraña formar parte de una banda de rock, quedamos con Tony (guitarrista) y David (bajista), interlocutores en ese momento de una formación que se completa con Pedro (voz), Pablo (guitarra) y Jose Ignacio (batería).

¿De dónde surgió la idea para hacer de Santa Decadencia un trabajo conceptual?
Toni: Fue por casualidad, hablando un día con David pensamos en hacer un tema que tratara sobre una persecución policial, luego surgieron otros temas que vimos que también encajaban en el contexto de una ciudad problemática, decidimos afrontarlo y hacer todo un disco que, sin tratarse de una opera rock, sí tuviese un marco común y tratasen sobre una ciudad.
David: Fuimos ligando ideas poco a poco, no fue de un día para otro y al final surgió así.

Santa Decadencia es una ciudad imaginaria, de película… podría ser Gotham por ejemplo, o la del videojuego, GTA San Andrea, pero, sospecho que también hay algo de experiencia real… podría vuestra propia ciudad, Hospitalet…
David: Hay un poco de todo, mezclamos la ficción con la realidad. Lo que queríamos es que la gente se sintiese identificada; ya fuese un tío de México, de Vallecas o de Hospitalet. Centramos la idea en una ciudad apócrifa donde pasa de todo y lo exageramos. Y claro, la inspiración… nos gustan los comics, los videojuegos… y se van ligando ideas. En un principio tenía recelo de que la gente pensara que estábamos copiando Sin City, más que las que has mencionado tu, pero no ha sido así.

El resultado final es un mensaje pesimista, las cosas nunca cambian… como decís en el tema que da título al disco.
Toni: Precisamente, el último tema, “Santa Decadencia” es una visión global de la ciudad, resalta que no hay solución y quien se quede en ella no tiene futuro.
David: El mensaje es negativo porque pasan los años, evolucionamos en muchas cosas pero en otras seguimos igual, problemas de drogas, prostitución… La humanidad en algunos sentidos no ha mejorado, hay más tecnología y mejor calidad de vida en algunos aspectos pero también hay problemas sin solucionar que ya existían hace 30 ó 100 años atrás.

La historia del tema “Sin Final”, se puede aplicar a muchas bandas que tratan de abrirse paso, entre ellas Regresión, ¿Es complicado subsistir en España como grupo de rock?
Toni: Muy complicado, pero te las ingenias para que sea lo más llevadero posible. Nosotros nos lo hemos montado de una manera que aunque económicamente no sea rentable, el asunto es gastar lo menos posible. Cada uno de nosotros tiene una función que hace que nos podamos ahorrar dinero. Pero es difícil subsistir porque hay muchos grupos, más oferta que demanda, se tiene que pagar a las salas para poder actuar, y luego, intentar recuperar lo que has invertido si es que ha acudido suficiente gente al concierto.
David: Hacemos un poco de promotores, nos lo organizamos todo nosotros y de vez en cuando consigues que te contrate alguien. Pero quienes más contratan son los ayuntamientos y al rock no lo tienen muy en cuenta por muy socialistas que sean. El rock es molesto, decimos cosas que no quieren oír. Las salas también se aprovechan ponen precios abusivos… aunque ahora parece que están bajando las cotizaciones porque, claro, los grupos no pueden pagar. Nosotros, como dice, Toni, lo tenemos montado de una forma que, gastando lo menos posible sacamos el máximo rendimiento; se puede decir que funcionamos como una pequeña empresa. Tony se encarga más del tema de composición ya que tiene estudios y mayores conocimientos en ese campo y puede producir, hacer arreglos etc.; en cuanto al tema de diseño… flyers, carteles y demás, ya me encargo yo; Pablo lleva el tema de Internet ya que es webmaster y diseña nuestra página oficial, y Jose, tiene a su cargo el tema de logística, todo lo que hay que tener en cuenta para organizar los conciertos.

¿Cómo surgieron las colaboraciones de Frank (Mago de Oz) y Mariano Muniesa?
Toni: Con Frank teníamos una amistad cosechada en diversas etapas en bares de Barcelona, Zaragoza, Madrid… En el tema “Diabólica Trinidad” necesitábamos una voz gruesa que contrastara con la de Pedro y como Frank suele hacer con Mago de Öz alguna vez voces graves se lo comentamos y cuando le dijimos que el personaje era un cura fiestero y putero le encantó la idea. Y con Mariano, lo conocíamos de sus actividades tanto en radio como en medios escritos; luego con Revolución, nos hizo una entrevista y entablamos una pequeña amistad y como necesitábamos a un locutor de radio para el inicio del tema “Santa Decadencia”, pensamos que con su voz y experiencia encajaría muy bien y así fue.

¿Según vuestra propia opinión qué diferencias existen entre vuestro anterior disco y Santa Decadencia? A mi me ha sorprendido el sonido de la batería…
Toni: Este es un disco más elaborado, más producido. Puede que le hayamos dado un sonido más heavy. Sobre la batería, bueno… a nosotros siempre nos gustó el sonido que aparecía en el Black Album de Metallica, que es más bien agudo pero tiene contundencia e intentamos acercarnos a ese sonido. Por otro lado, Pedro canta con más registros, sigue siendo agresivo pero también aporta tonos melódicos. Al bajo le metimos algo de distorsión y con las guitarras utilizamos varios “amplis” por cada lado. En Revolución era todo más directo y con Santa Decadencia hemos hecho un trabajo mayor en cuanto a producción.
David: Las voces están mucho más trabajadas. La diferencia también está en que hicimos bocetos y en el anterior no, con Revolución fue todo más rápido. Con este también íbamos apretados de tiempo pero estábamos más preparados y trabajamos mucho las partes de melodía, coros y estribillos, además de la instrumentación con sus partes orquestadas.

¿Cómo desarrolláis el proceso de composición de las canciones?
Tony: Disponemos de nuestro propio estudio donde creamos un 70 por ciento de la composición. Exceptuando las voces y las mezclas, todo lo que es instrumentación lo hacemos ahí. Comenzamos con bocetos y demos y cuando tenemos una estructura más o menos definida me dedico a los arreglos… coros, teclados… Lo bueno de disponer de un estudio propio es que puedes controlarlo todo hasta el final, así luego no te encuentras con sorpresas.
David: Primero nos dedicamos a la música y luego pasamos al proceso de encajar las letras utilizando frases en inglés que se acoplen lo mejor posible. Preferimos complicarnos la vida en el tema de las letras que hacerlo con la música. En un principio lo hacemos en un inglés imaginario y después tratamos de que la traducción al castellano sea lo más cercana posible, sin desvirtuar su esencia. También tienes que ser consciente de tus posibilidades, no puedes crear cosas que después resulte imposible llevarlas al directo.
Tony: En el estudio puedes ser muy creativo, utilizar varios coros, diversos arreglos y quedar en plan Queen pero… luego tienes que ser capaz de hacerlo en directo y ahí está la dificultad. A la hora de componer siempre tienes que tener en cuenta que luego has de tocar ante el público.

Con “El teatro de los Olvidados”, no seguisteis esas reglas…
Tony: Fue todo un reto, resultó bastante “chungo” porque queríamos hacer algo sinfónico que en cierto modo recordase a Queen grupo del que somos admiradores. Pero llegó un momento en que me quedé estacado entre tanta orquestación, fue Pedro quien aportó una buena idea y lo sacamos adelante porque, algo importante para nosotros es que, aunque somos un grupo que se mueve entre el hard rock y el heavy metal, nos gusta probar cosas nuevas. Como músicos, tenemos inquietudes, no se trata de ser siempre directo y cañero, puede haber variaciones más épicas y eso creo que es bueno para llamar la atención de la gente y que se fije en el contenido del disco. Si haces un disco del mismo palo, tienes que ser una banda tipo Judas Priest, que son unos maestros o puedes caer en la monotonía. Regresión seguirá haciendo discos variados porque es nuestra manera de componer y es lo que nos gusta. Tengo que añadir que aunque soy el encargado de la producción, todos tenemos derecho a tomar decisiones y a veces cosas que propongo son desechadas, soy víctima de la censura (risas). Y en cuanto a las voces, Pedro ha colaborado mucho, prácticamente las hemos compuesto entre los dos.

Tony, tu has participado en gran parte de grabación y mezclas, además de hacer los arreglos y colocar teclados y acústicas ¿Te ves en el futuro metido de lleno en temas de producción?
Tony: Esa es mi intención, cuando se pueda, ampliaremos el estudio que tenemos para tratar de producir a otras bandas. De hecho, tengo algunas cosas habladas, pero nada concreto. Me gusta todo el tema de grabar, el haber estudiado música y saber como funciona un estudio, además de la experiencia adquirida en el proceso de Santa Decadencia, me permite plantearme el asunto, lo que pasa es que requiere una inversión en material.

¿La decisión de confiar la masterización a Yves Roussel a qué se debió?
Tony: Es un chico francés afincado en Barcelona del que nos pasaron algo de su trabajo y nos gustó. Trabaja con material de primera y sabe cómo utilizarlo. Además nos hizo un buen precio y el resultado fue excelente. La gente tiende a pensar que es mejor masterizar fuera de España pero el asunto está en conocer lo que hay aquí. Me quedó claro que no necesitábamos enviar nuestro material a Finlandia, a los Finnvox de Mika Jussila.

ENTREVISTA + FOTOS LOCKY PEREZ

REGRESION – SANTA DECADENCIA
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Entrevista a Total Death: “La era de la información ofrece grandes posibilidades a los grupos pero hay que saber adaptarse”

locky — Thu, 26 May 2011 15:04:49 +0000

Los valencianos Total Death son unos auténticos pioneros en España dentro del death metal, sus actividades comenzaron en el lejano 1988. Desde entonces, su formación ha sufrido muchos cambios, siendo el bajista Jorge Vila el único que se ha mantenido inamovible. Con el vocalista César Soriano a su lado desde 1991, forman la pareja de veteranos y a quienes se suman, Gabo Escribano (guitarra, desde 2009), José Manuel González (batería, desde 2010) y Boro Metal (guitarra, desde 2010). Todos juntos iniciaron una nueva etapa cuyo primer trabajo es Santa Muerte. De su dilatada carrera, de su nuevo disco y del futuro hablamos con César y Jorge.

Con 23 años de trayectoria, sois una formación pionera dentro del metal extremo estatal. Después de este largo recorrido, ¿qué es lo más positivo y lo más negativo que os ha pasado?
Lo más positivo sin duda las experiencias vividas, la gente que ha pasado por el grupo, la que hemos conocido en el camino, los sitios que hemos visitado… Lo peor, la gente que está en este mundillo para aprovecharse de la ilusión de los grupos. Aunque si lo pones todo en una balanza es mucho más lo positivo que lo negativo.

¿Qué novedades tiene Santa Muerte con respecto a vuestros anteriores discos? En términos de estilo, ¿hacia dónde habéis evolucionado?
Lo cierto es que realmente llevamos una línea de progresión bastante homogénea. Para este disco hemos utilizado algunos recursos diferentes, pero lo principal está en nuestra línea habitual. Seguimos explorando los límites que nos permiten nuestro estilo y nuestra forma de tocar y hacer los temas.

Con la entrada de tres nuevos miembros en 2010, dos guitarristas y el batería, ¿se puede decir que es un nuevo comienzo para vosotros?, ¿en qué ha influido su entrada en la banda con respecto a vuestro sonido?
Pues sí, realmente es como un nuevo comienzo. Se ha notado, sobre todo, en una mayor frescura e ilusión, en la puesta en escena y en la implicación general del grupo. Se han integrado con mucha facilidad en nuestra forma de trabajo y es como si llevaran mucho más tiempo en la banda. A nivel compositivo se irá notando más en nuestros próximos trabajos ya que para este CD no han tenido mucho tiempo.

¿Cómo se desarrolló el proceso de grabación, estudios, productor… ¿se trata de una autoedición o habéis contado con el apoyo de una discográfica?
Aunque hemos barajado algunas opciones hasta última hora, finalmente será una autoedición, lo que nos permite mayor libertad para mover el trabajo. En cuanto a la grabación fue un poco costosa ya que trasladamos nuestro estudio, donde hacemos todas nuestras grabaciones, y tardamos un tiempo en poner todo en condiciones. Pero esto es como ir en bici, no se olvida, y una vez te pones, todo va como la seda. Hemos recurrido a recursos externos para la mezcla y masterización para obtener una visión distinta de los temas y, de momento, estamos contentos con el resultado.

¿Hubo algún momento complicado en el estudio durante la grabación, o todo resultó perfecto, sin mayores novedades?
Como comentábamos antes, tuvimos el problema de mover el estudio de local y costó un poco ponerlo en marcha por diferente sonoridad, algún problema de ruidos…, sobre todo en las primeras tomas pero, a base de ir subsanando errores e ir eliminando adversidades, pudimos acabar la grabación en un tiempo razonable.

¿Hay alguna canción del álbum de la que os sintáis más satisfechos por algún motivo especial?
Sí, “Santa Muerte” y “Al Amanecer” son los temas en los que más participación de los nuevos componentes ha habido. “Santa Muerte” da título al álbum y es un tema rápido, donde la precisión era muy importante para el resultado final. En “Al Amanecer” hemos incluido el riff principal a 7×4, lo que le da un toque especial y había que estar más pendiente con los compases. Al final hemos quedado muy satisfechos con ambos.

El título, Santa Muerte, ¿obedece al concepto del álbum en general o se trata solo de una canción?
Bueno, aunque se corresponde con el título de uno de los temas, también elegimos este nombre porque armonizaba muy bien con la temática de las canciones y con la idea conceptual que acompaña al grupo desde siempre.

Hubo un momento de vuestra trayectoria que cantabais en inglés… he podido escuchar dos temas de vuestro próximo disco y… ¿apostáis definitivamente por las letras en castellano?
Estamos editando los trabajos desde hace 13 años en castellano, pero no hemos descartado la opción del inglés. Todo depende de dónde quieras mandar el CD. Total Death ha sido siempre una banda sin fronteras, hemos tenido experiencias con discográficas extranjeras en el pasado y no descartamos poder editar un CD en castellano, para España y América latina, y en inglés para el resto del mundo.

Como expertos que sois, ¿cómo observáis la actualidad del rock estatal en comparación con vuestros inicios? ¿Es mejor ahora a pesar del tema de las descargas o preferirías que fuera como antes de la aparición de Internet?
Al margen de nuestras preferencias, está claro que las cosas están así y hay que adaptarse. Realmente pensamos que en líneas generales ha mejorado la situación, los grupos pueden dar a conocer su trabajo sin la necesidad de que alguien lo edite o promocione. La era de la información ofrece grandes posibilidades para todos. Ya no es imprescindible un intermediario que coloque tu grabación en el mercado y que elija, muchas veces sin criterio ninguno, qué banda editará y qué banda no. Nos estamos saltando un intermediario que encarecía mucho los discos, y eso, bajo nuestro punto de vista, es bueno. Ahora existen más bandas que hace 20 años porque también hay más medios y hacerse con un equipo decente es más barato. La situación de la música es mucho mejor en este sentido. Esto no quiere decir que no existan inconvenientes, pero podríamos escribir un libro sobre este tema… ja ja ja.

Me gustaría que me comentarais sobre las influencias que tuvisteis en vuestros inicios y de qué manera habéis ido evolucionando con el tiempo hasta la actualidad.
La música siempre está evolucionando. Aún así de nuestras primeras influencias todavía hay muchas bandas en activo que todavía hoy son de nuestras favoritas (Slayer, Napalm Death, Metallica, Anthrax, Megadeth…). Han aparecido y desaparecido también durante esta época grandes bandas muy interesantes (Pantera sería el mayor ejemplo). Desaparecieron bandas también de gran peso (Death, por ejemplo) y han aparecido en estos veintitantos años otros grupos muy interesantes (Ktulu, Rammstein). Siempre aparecen cosas nuevas interesantes, aunque nuestras raíces están firmemente unidas al metal, al thrash y al death.

POR LOCKY PEREZ

Entrevista a Koma: “No somos un grupo que se autocensure a la hora de plasmar influencias”

locky — Thu, 28 Apr 2011 08:41:11 +0000

Con una formación tan sólida como su intachable trayectoria el grupo navarro Koma arremete con una nueva grabación donde no falta su habitual sarcasmo lírico así como su reivindicación de los perfiles contundentes. En la siguiente entrevista nos apuntan algunos datos sobre La Maldición Divina y su contenido.

¿Cuál es el secreto para haber mantenido vuestra formación inalterable durante toda vuestra trayectoria?
El secreto es aprender a aguantarse las manías y seguir teniendo ideas para componer temas que nos gusten.

¿Después de tantos años, se os hace complicado encontrar nuevas fórmulas para evitar repetiros o, la experiencia suele ser una buena ayuda?
Tenemos muchas influencias y no somos un grupo que se autocensure a la hora de plasmarlas en las canciones. Por ahora seguimos siendo efervescentes en ideas, y que dure.

En estos tiempos de crisis a vosotros no os falta el humor… mira que querer hacer una almohada cervical con las tetas de las suegras… el rosario, las bolas…
Más que humor es ironía. En unos casos más amarga y en otros más dulce, pero sobre todo evitando el panfleto.

A estas alturas… ¿es necesario para vosotros reivindicar que sois una banda de heavy metal?
A estas alturas no necesitamos reivindicarnos como heavys, pero nos traslada a nuestra más tierna adolescencia.

¿Sakeo fue un disco muy desequilibrante y frenético, consideráis que La Maldición Divina sigue esa línea?
Son discos diferentes en la presentación de los temas pero somos los mismos y se nota. Quizá La Maldición Divina tenga más variedad musical y marque el camino a seguir en el futuro.

¿Creéis que en esta oportunidad ha aumentado vuestro sarcasmo en las letras…?
El sarcasmo está presente en las letras de Rafa desde el primer disco y evidentemente es parte de su personalidad.

No sé si en otras ocasiones os habéis metido tanto con el tema religioso pero en La Maldición Divina ya empezáis desde el mismo el título…
Más que de religión los temas hablan de timos: los que hacemos y los que nos hacen.

Si en Sakeo os desmarcabais del metal con el El Sonajero y su toque latino, aquí os atrevéis con Bagare, un tema más cercano a vuestra idiosincrasia. ¿Es una especie de confesión política?
Es un tema que nos gusta a todos y coincidimos con la letra, si eso es una confesión, padre me confieso.

Supongo que el tema de grabar ya lo tenéis cogido por la mano. ¿Alguna canción se os resistió más que otra? ¿No hubo “maldición divina” en el estudio?
Ha sido probablemente la grabación más tranquila de las que hemos hecho hasta ahora y la hemos disfrutado como nunca, sobre todo por la comodidad de grabar en casa y con Miguel Aizpún que nos conoce de toda la vida.

Supongo que en cuanto a letras Rafa seguirá siendo el que se estruja el cerebro…
Por suerte a Rafa le siguen sobrando ideas, y por desgracia, los temas vergonzosos siguen abundando.

En cuanto a la parte instrumental… ¿Cómo os habéis repartido el tema de la composición en esta oportunidad?
En este último hay música de Brigi, Rafa y Natxo y lo hemos trabajado entre los cuatro en la bajera como viene siendo habitual en Koma.

Blanco De Los Nervios tiene unas partes solistas de guitarra geniales… el El Exorcista y Ostia Frontal también… ¿cómo surge la inspiración para recrear esos momentos?
Natxo se graba los temas en la bajera y se lo prepara por su lado. Tiene libertad para trabajar sus partes solistas y las prepara para disfrutarlas en directo.

¿Qué repertorio estáis llevando en la actual gira de presentación?
Tocamos diez temas del nuevo disco y un surtido de todos los demás hasta llegar a las dos horas de concierto. Se nos hace hasta corto y por suerte la gente coincide con nosotros.

LOCKY PEREZ

Entrevista a Henkka Seppälä (Children Of Bodom)

pointer — Wed, 23 Mar 2011 16:50:23 +0000

“Nos sentimos implacables y temerarios”

El pasado 9 de marzo Children Of Bodom editó su séptimo disco en estudio Relentless Reckless Forever y ya han empezado a girar por toda europa para presentarlo. Mientras esperamos su visita a España en el próximo mes de mayo, el bajista de la banda Henkka Seppälä habla sobre el nuevo álbum.

¿Cuál es el mensaje del título del álbum Relentless Reckless Forever?
Es lo que es. Lo que somos nosotros ahora, cómo nos sentimos con este disco. [ndr: el título significa "Siempre Implacables Temerarios"].

¿Qué diferencia hay entre este nuevo álbum y los anteriores?
No lo sé, de alguna manera todos son siempre diferentes. Creo que este es más melódico que los dos anteriores. Me encanta este disco, desde el Hate Crew Deathroll no me gustaban tantas canciones de un disco.

¿Cuál es tu canción favorita del disco?
‘Shovel Knockout‘, o ‘Roundtrip [to hell and back]‘ o ‘Ugly‘.

¿Hay alguna versión?
Si, ‘Party All the Time‘ de Eddie Murphy. En todo caso sólo en algunas partes del mundo y en algunas versiones del disco.

La producción ha corrido a cargo de Matt Hyde, ¿Cómo ha ido la cooperación con él?
Genial. Ya pudo conocer las canciones en los ensayos e hicimos algunos cambios menores, algún detalle, pero importantes. La grabación con él fue maravillosa, sentí mucha confianza con él y eso que nunca estoy a gusto cuando estoy grabando, así que fue genial. Además el sonido es diferente ahora, ¡nuevas cosas en el camino correcto!

Habéis grabado un vídeo de la canción ‘Was it worth it?’, qué podemos esperar?
Jeje, es una canción extraña, es la más simple del disco, sencilla y pegadiza. Queríamos hacer vídeos de dos canciones que fueran diferentes y ‘Shovel Knockout‘ fue la otra. Es una canción totalmente diferente, así que tenemos los dos extremos del disco en los vídeos, la canción sencilla y divertida en ‘Was It Worth It?‘ y luego la rápida, heavy y melódica Shovel.

El skater profesional Chris Cole forma parte del vídeo. ¿Cómo conseguísteis su colaboración?
Nos conocimos hace un par de años, es un fan. Nos fuimos viendo más y ahora Chris y yo somos buenos amigos. Acabo de visitar a él y a su famila durante mis vacaciones en California. Pensamos que sería guay tener uno de los skaters más guays en nuestro vídeo, y lo hizo, ¡esto mola!.

The New York Times escribió sobre vuestro espectáculo “Técnicamente deslumbrante” ¿no es una gran noticia para vosotros?
Jeje, no sé tío, ¡todo eso está bien!.

Vuestra gira europea empieza en marzo. ¿Hay algún país incluído que no hayáis visitado todavía?
Sí, y estamos muy contentos, Turquía, Rumanía y Bulgaria.

La gira os llevará a 23 países de europa. ¿Cómo mantenéis la forma durante la gira?
Bueno, el concierto en sí es como un entrenamiento. Aparte de eso intento mantener mi mente fresca leyendo, también nado un montón. Estas cosas me mantienen en marcha.

¿Qué significa el lema de la gira “The Ugly World Tour”?
Sólo queríamos un buen nombre para el tour y ‘Ugly‘ es una de mis canciones favoritas, y cómo es un tour por todo el mundo, pues entonces es un “world tour”, jaja.

La mayor parte de la gira tocaréis junto a Ensiferum y Machinae Supremacy, también tenéis algunos conciertos con Amon Amarth en el Reino Unido. ¿Cuál es vuestra relación con las bandas y qué esperáis de ellas?
A la gente de Ensiferum la conocemos desde hace tiempo, son buenos tipos y nos llevamos bien. Se están haciendo grandes en todas partes y es genial tenerlos a bordo. Con Amon Amarth hemos girado un par de veces, realmente buena gente, siempre nos lo pasamos muy bien con ellos y me encanta su trabajo, va a ser muy bueno para la gira. A Machinae no les conozco personalmente, he escuchado un poco lo que hacen y me parece que es la banda adecuada para abrir nuestros conciertos, estoy seguro que la cosa saldrá bien con ellos.

Hace tiempo girásteis con Slipknot y Machine Head, ¿cómo fue la experiencia?
De locos. El tour más grande que hemos hecho. Me sorprendió lo grandes que son Slipknot, porque nunca fui un fan de su música… su directo también es toda una experiencia. Hicimos grandes recintos cada noche y estuvo muy bien. Machine Head son buenos compañeros, nos lo pasamos muy bien con Rob y Phil.

¿Hay algo que quieras decirles a tus fans europeos?
Estamos muy contentos de poder empezar el tour en europa, nuestro continente… y muy contentos de visitar tantos países. Los nuevos que mencioné antes y los clásicos de europa central. También algunos sitios donde hace tiempo que no tocamos, como Grecia. Estoy muy feliz, ¡nos vemos pronto!

Entrevista a Hatenation: “En este país no hay cultura musical, solo existe la radio fórmula”

locky — Tue, 01 Mar 2011 12:43:46 +0000

Blacklist es el álbum debut del grupo barcelonés Hatenation que, sorprendentemente, ha sido editado por un sello extranjero, algo a lo que no estamos demasiado acostumbrados en España aunque poco a poco parece que las fronteras del metal estatal se van ampliando hacia Europa. Donde antes no había posibilidades hoy surgen oportunidades que no deben desperdiciarse. Para que nos contasen su particular aventura nos reunimos con Luis (batería), Carlos (voz), Juan (bajo) y Enrique (guitarra).

Este disco es vuestro debut y lo hacéis con un sello extranjero. Además, también tenéis compañía de “management” extranjera… No es muy habitual en un grupo español…
Luis: Bueno, estuvimos mirando discográficas aquí en España y no hubo alguna que nos llamara la atención y, por cosas del destino, y a base de insistir en la búsqueda, entramos en contacto con la gente de SAOL, les gustó nuestro estilo y concretamos el lanzamiento del disco con ellos. Se trata de una empresa de Hannover que cuenta con dos divisiones, CMM que es la parte de marketing y promoción y SAOL que es la discográfica. Y en lo que respecta al “management”, llegó un momento que nos cansamos de llevarlo todo nosotros y surgió lo de StormBlaze, para así poder dedicar nuestro tiempo a ensayar y tocar. Es una empresa con presencia en toda América, así que nos venía muy bien para promocionarnos allí.
Carlos: Llevan bandas de todo el planeta, la más importante Lizzy Borden.

Esto os ofrece muchas posibilidades de salir a tocar fuera España…
Luis: Sí. Pero primero queremos asentarnos en España y después Europa. Y, bueno, si llega la posibilidad, cruzar el charco hacia Latinoamérica y Estados Unidos.
Carlos: La idea es cuajar primero aquí, ya que hay mucha competencia y es difícil por la infinidad de bandas que hay.

Luis

En cambio, el tema de producción lo realizasteis todo en España…
Luis: Todo fue una cuestión de tiempo. Teníamos solo dos semanas para hacerlo absolutamente todo por cuestiones de lanzamiento y porque había que pasar todos los filtros legales en Alemania. Teníamos que tener el disco listo en agosto y por tema de fechas no encontramos sitios libres salvo Wheel Sound Studio en Cerdanyola del Vallés (Barcelona) del que teníamos buenas referencias. Todo fue un poco precipitado, grabar, mezclar, masterizar y enviarlo a Alemania.

Entonces, el proceso de grabación fue rápido…
Luís: No tuvimos mucho margen de maniobra. Una vez en el estudio nosotros teníamos unas ideas pero la metodología era distinta y tuvimos que cambiar cosas sobre la marcha. Las partes de batería las grabamos en ocho horas, las guitarras en nueve. Además el otro guitarrista que teníamos se marchó y Enrique se tuvo que aprender todas las partes y grabarlas lo mejor posible.

¿Cómo definiríais la música de Hatenation, con qué grupos se os puede asociar?
Carlos: Nosotros lo definimos como metal, englobándolo todo. Pero… bueno, se podría clasificar como thrash de nueva escuela, con muchos toques death metal. También tenemos influencias del metal norteamericano, cosas procedentes del heavy metal, algo de stoner… al fin y al cabo todo es metal. Podríamos catalogarnos como una banda de groove metal entre Lamb Of God y Down, con partes rápidas y otras muy pesadas.
Luís: Algo importante a resaltar es que todos venimos de distintas ramas del metal y eso se refleja en nuestras composiciones. De la mezcla de todo surge el sonido de Hatenation

Carlos

Cantar en inglés es la apuesta necesaria para una mayor proyección fuera de España… ¿Se le da mejor a Carlos?
Carlos: Pues no precisamente. Es la primera vez que canto en inglés y, principalmente, porque sabemos que es necesario para tener una mayor proyección fuera de España. Es una lástima porque, cuando nos llamábamos Afterlife, teníamos las letras en castellano pero con el nuevo nombre y la temática del grupo era necesario el cambio total y, en parte, gracias a ese cambio es que se fija en nosotros la discográfica alemana. Pensamos que si hubiéramos seguido cantando en castellano no nos habrían tomado en cuenta desde el extranjero

El título del disco, Blacklist ¿tiene algún significado global o solo lo aprovechasteis por la canción titulada así? ¿Qué temas tocáis en las letras?
Carlos: Tan simple como que era el nombre que mejor quedaba (risas). Las letras son sobre temas cotidianos pero intentamos que encajen con el nombre del grupo. Tratan sobre el odio existente en la sociedad, los abusos sexuales en el seno de la Iglesia Católica…, la maldad de algunas personas en distintos niveles, ese tipo de temas.
Juan: Pero tampoco queremos enfocarlo como alguna reivindicación política, siempre lo exponemos en tercera persona.

Tanto el nombre del grupo como vuestra música refleja un entorno oscuro y lleno de rabia…
Luis: Bueno, nos ha salido así, no lo hemos hecho a propósito.
Carlos: También hay que decir que hemos ido evolucionando hacia un sonido más agresivo; entonces, las letras han cogido ese carácter rabioso y de odio

Juan

¿Hay alguna canción de la que os sintáis más satisfechos por algún motivo especial?
Carlos: Tenemos muy en cuenta “Blacklist”, pero porque es la que ha gustado más a la gente y nos comentan en los conciertos que es un “temazo”.
Juan: A mi particularmente me gusta “Unknowledge Fields” que trata sobre los campos de concentración.
Carlos: Sí, explica en primera persona vivir la dura experiencia de estar en un campo de concentración; el miedo que representaba estar en un sitio de esos durante la Segunda Guerra Mundial. Es un tema que me encanta y hay mucho para escribir.

¿Cómo sobrevive en la actualidad una banda de rock, con tanta competencia y disminuyendo las ventas de discos debido a las descargas ilegales?
Todos: Teniendo trabajo aparte y pagándotelo todo de tu bolsillo.
Luis: Cuando estás empezando tienes que poner tu la pasta pero, en nuestro caso, que ya tenemos una empresa de “Management”, todo cambia, no van a permitir eso.
Carlos: Una sala nunca va a perder dinero, para eso tienen a los grupos, para cubrirse las espaldas.
Luis: Los grupos noveles lo tienen chungo, no arrastran gente. O tocan en las fiestas de su pueblo o se “comen los mocos”. Es la cultura musical de este país, la de la radio fórmula, no hay más. Si fuésemos los “bisbales”, pero… ni tenemos rizos ni somos guapos. Y el caso es que detrás del disco que hemos hecho hay mucho tiempo, esfuerzo y dinero invertido. Hay ganas e ilusión pero luego, en los conciertos acuden 50 personas y se te queda la cara de tonto. Después está, “esa gente”, que hace playback cobra 80.000 euros por tocar y llenan los recintos. Una pena.

Entonces… ¿creéis que en España puede haber un cambio de mentalidad en el futuro?
Luis: No creo que cambie, y con la crisis menos. No acuden a los conciertos, no hay ganas. Y en una ciudad como Barcelona es peor porque se programan mogollón de conciertos hay tanta variedad que despista a la gente y acaba por ir a la discoteca de siempre.

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

Entrevista a Markus Vanhala (Omnium Gatherum): “Nuestro disco contiene pesca, sauna, bosque, mar y bebida (alcohólica), los ingredientes del clásico albúm finés de metal”

locky — Tue, 22 Feb 2011 10:25:31 +0000

El grupo finlandés Omnium Gatherum publica este febrero su álbum número cinco, New World Shadows, todo un tratado de death metal melódico cargado de dramatismo. En esta entrevista, el guitarrista y principal compositor de la banda Markus Vanhala, nos descubre los secretos de la grabación de una forma un tanto peculiar y desenfadada, con toques de humor y cierto sarcasmo.

A pesar de estar en activo desde 1996, no sois una banda demasiado conocida en España, ¿Podrías hacer un breve resumen de vuestra trayectoria?
Hemos visitado los territorios españoles sólo una vez, cuando giramos con Caliban en unas cuantas fechas en 2007, así que, ahora esperamos conquistar España con nuestro nuevo álbum New World Shadows. Parece que el disco nos mantendrá “rockeando” en el mundo libre con buenas perspectivas. Ya somos una banda relativamente veterana con 15 años desde nuestra primera canción, y con cinco discos y un EP editados. Con el disco anterior, The Redshift, dimos un gran paso en nuestra carrera y despertamos de nuestro letargo para girar mucho más. Hicimos como cien conciertos para apoyar ese disco, parecía que empezábamos a tomar las cosas de la banda más seriamente, sin tomárnoslo realmente demasiado en serio…

Parece que os cuesta mantener la fidelidad a una compañía discográfica, Lifeforce es ya la cuarta…
Lifeforce suena mejor que Candleligt o Nuclear Blast, yeah. Bueno, ya hemos tenido nuestra buena ración de mala suerte en este negocio, y no hay negocio comparable al del espectáculo, ya sabes. Somos gente de la calle, no hombres de negocios… pero ahora la cosa va a mejor.

¿Cómo se desarrolló el proceso de grabación, cuál es vuestra forma de componer?
A altas horas de la noche, y luego ensayando en el bosque… Ambas frases son ciertas, ¿mola eh? Esta vez, compuse y produje el material en el estudio de mi casa, después de que enviase los riffs en bruto y los esqueletos de las canciones a los otros para que separaran el diamante de la mierda. Entonces alquilamos una cabaña en una isla el último verano que funcionó como nuestro local de ensayos. Ensayamos e hicimos los arreglos del disco allí mismo, en medio de los bosques. Metal, pesca, sauna, bosque, mar y bebida (alcohólica), los ingredientes del clásico albúm finés de metal. El proceso de grabación otra vez lo hizo nuestro hombre de confianza en estos temas, Teemu Aalto, y la mezcla y el mastering por Dan Swanö en Unisound studio. Esta vez construimos nuestro propio estudio de grabación con Teemu para mantener las cosas más sencillas y que los horarios fueran más relajados, pero un montón de nuestro equipo de grabación se desintegró durante esas sesiones en unas circunstancias extraordinarias y nosotros escuchamos extraños ruidos por las noches cuando se nos alargaba la tarde… Los fantasmas del metal estaban presentes y guiándonos, creo…

¿Qué tal ha sido trabajar con un productor de la talla de Dan Swanö?
Fue “cool” por supuesto, ya que él es un legendario genio del metal, en el límite de la locura, y nosotros teníamos fe en él, en que tenía los conocimientos de producción que nosotros estábamos buscando. Y, como me dijo Dan, tenemos el mismo tipo de biología musical que él, ¡profundo death metal y rock progresivo! Fue la segunda vez que dan trabajaba con nosotros mezclando y masterizando un disco. Pero, ¡increíblemente!, fue la primera vez que también cantó algunas voces limpias en el disco. Es uno de mis héroes de todos los tiempos y fue un gran guía cuando era un adolescente fan del metal.

¿Qué diferencias podrán encontrar vuestros seguidores en New World Shadows con respecto a los anteriores discos”
Por supuesto, es nuestro mejor trabajo hasta la fecha; es lo que siempre tienes que decir ante esta pregunta y… en esta ocasión es incluso verdad!! El nuevo disco es definitvamente mucho más epico y melódico, y te atrapa… te atrapa de manera progresiva. Hay realmente una mejor continuidad en el álbum y si lo tomas como una unidad se mantiene desde la primera nota hasta la última. Tiene mucho de esos sentimientos perdidos de los 90, espíritus, ecos del bosque. Esa era la receta que teníamos cuando formamos la banda y la habíamos perdido con el tiempo de tanto experimentar, pero ahora está de vuelta.

¿Cómo definiríais vuestro estilo, con qué grupos se os puede asociar?
Es una nueva orgia de metal llamada adult oriented death metal. Nuestro concepto previo se ha avivado y el nuevo disco está realmente influenciado por el rock progresivo de los 70 y 80 e incluso el AOR. Y está concebido junto al death metal épico. Y en cuanto a grupos, puedo nombrarte a, Unite Edge Of Sanity, Rush, Opeth, Marillion, Dark Tranquillity, Iron Maiden, Anathema y Amorphis.

No es muy habitual iniciar un disco con un tema de nueve minutos, sin embargo vosotros lo habéis hecho con “Everfields”…
Por eso lo hicimos, es una manera genial de empezar y un buen resumen de los nuevos aires de la banda.

En general, todo el disco es muy dramático y oscuro… ¿Os gusta transmitir ese tipo de sensaciones?
Creo que es, sobretodo, por la naturaleza melancólica finesa. Es verdad que mucha gente piensa que es muy oscuro y triste pero yo en cambio también encuentro un montón de esperanza y luz entre las líneas de esa oscuridad… Quiero dar a los que lo escuchan muchos colores diferentes, distintas emociones y sentimientos que lleguen a su mente a través de los paisajes del disco. Es oscuro , melancolico, pero a veces rabioso, enérgico y poético. Espero que estos detalles también se dejen sentir.

¿Cuáles son los temas que tratáis en vuestras letras… Hay una historia conceptual detrás del contenido?
¿No tiene el nuevo mundo su lado oscuro también? El concepto del disco es bastante crítico hacia muchas de las actitudes y creencias de nuestro tiempo. En general tratan temas del ser humano en relación a su entorno. Cómo nos enfrentamos al mundo, que es a la vez completo e incompleto. La humanidad no está teniendo su mejor época, si sólo pensáramos un poco en verlo desde otra perspectiva y por qué tan a menudo la gente no se da cuenta mientras viven en sus vidas tan ocupadas. Ahora viene una época o, a lo mejor, esa época ya ha llegado, donde nos enfrentaremos a que la humanidad va a ahogarse en su propio barro o el planeta explotará antes. El disco contiene cierta cantidad de tristeza, pero todavía está lleno de esperanza. Está el anhelo de que ambas cosas se encuentren. Hay que decirle a la gente que se relaje, respire profundamente y disfrute de lo que tiene.

Creo que “The Distance” aporta los momentos más vibrantes y “alegres”. ¿Un poco de luz entre tanta tiniebla?
Si claro, el mejor adult oriented death metal, algo de piano eléctrico que suena esperanzador, puede que oscura esperanza. Cómo… ¿hasta dónde puedes llegar?

¿Alguna canción de la que te sientas especialmente satisfecho?
Mis favoritas son las dos épicas, “Deep Cold” y “Everfields” pero “Soul Journeys” y “New World Shadows” también me hacen sentir como el orgulloso padre del disco. Parece que me siento épico en este momento ¿eh?

ENTREVISTA LOCKY PEREZ/TRADUCCION POINTER

Entrevista a Jesús Espinosa, guitarrista de Brigantia: “Lo más difícil es compaginar nuestras vidas fuera de la música con la actividad de la banda”

locky — Fri, 21 Jan 2011 12:20:20 +0000

El grupo cántabro Brigantia, en activo desde 2006 publicó al pasado 2010 su primer disco de larga duración, Anima Vitae, del que ya informamos en estas páginas. Ahora, un contacto con uno de los dos guitarristas de la banda, Jesús Espinosa, nos permite descubrir más a fondo las particularidades del álbum así como la idiosincrasia de la banda.

Anima Vitae es vuestro debut discográfico. Contarme el camino que habéis tenido que recorrer hasta poder editarlo. ¿Cuál consideráis que ha sido el aspecto más difícil?
Desde que Brigantia nació allá por finales de 2006 el grupo ha ido definiéndose poco a poco, tanto en su estilo como en su método de trabajo. Los problemas y los momentos de entusiasmo han sido numerosos. Estamos muy contentos de lo hecho hasta el momento. El camino hasta la edición de “Anima Vitae” ha sido duro: cambios de componentes, de locales y demás desventuras. El proceso de composición ha sido concienzudo y también lo ha sido el de ensayos y el de búsqueda de conciertos. Creo que hemos llegado a un punto en el que hemos aprendido mucho tanto en lo musical como en todo lo que se refiere al método de trabajo. Lo más difícil durante esta aventura creo que ha sido compaginar nuestras vidas fuera de la música con la actividad de la banda, además de los escasos recursos que en Cantabria se aportan a todo lo que es cultura musical, un problema que por desgracia muchas ciudades y grupos sufren hoy en día.

Cuando muchos grupos apuestan por lo extranjero en la parte de producción vosotros os aventuráis totalmente por lo nacional. ¿Cuestión económica, confianza en los medios de aquí… contactos…?
Por motivos económicos es complicado poder ir a grabar al extranjero y en las condiciones ideales que uno desearía. Pero creo que es importante destacar que en ocasiones es crucial que durante la grabación estés rodeado de las personas que sabes que trabajan de manera profesional y con las que te entiendes de una manera que quizás con otras no conseguirías. Nuestra decisión no ha estado tan motivada por lo económico, en ocasiones es preferible optar por virtudes que influyen de manera muy positiva en el resultado, aunque los medios sean más modestos. Estamos muy contentos con el disco porque el trabajo en el sonido de Raúl Serrano (nuestro productor), junto con el de Javier Prieto en la masterización, ha sido muy bueno. Efectivamente, hemos tenido una gran “confianza en los medios de aquí”.

¿Habéis quedado contentos con el resultado, cambiaríais algo, visto ya desde una perspectiva fuera de los estudios?
Nosotros como músicos nos exigimos mucho y por eso somos conscientes de multitud de detalles musicales prácticamente imperceptibles para quien no ha estado involucrado directamente en el proceso de grabación. En ese proceso tenemos que desechar algunos giros, ideas y tomas ligeramente diferentes unas de otras, para quedarnos con las que más nos convencen, y por eso siempre queda la duda de haber elegido correctamente algunas cosas, porque podrían haber sido ejecutadas de distinta manera y todas ellas podrían funcionar. Sin embargo, la sensación que ha quedado en Brigantia es la de que hemos hecho un buen trabajo y estamos muy orgullosos del resultado obtenido, y nos alegra coincidir con las críticas que los medios han realizado sobre el disco, que han destacado los aspectos musicales y también han hecho una especial valoración sobre el sonido.

Háblame del proceso de grabación, ¿cómo se desarrolló?, ¿quien lleva en la banda la mayor responsabilidad en cuanto a composición? Y, dentro del estudio ¿cuál fue la parte más complicada? ¿Era vuestra primera vez o ya teníais alguna experiencia anterior?
El trabajo de composición en Brigantia ha sido prácticamente de todos, aunque en algunas canciones haya habido más o menos responsabilidad compositiva de cada uno de los miembros del grupo. Para algunos no era la primera vez que nos enfrentábamos a grabar en un estudio, como sucedía con Armando Herreros, Juan Torre o yo. Pero aún así, para todos fue nuestro primer disco, y resultó bastante novedoso, ya que lo hicimos en condiciones altamente exigentes. Asumimos el hacerlo lo mejor posible y trabajamos para intentar lograr un resultado de calidad. En general, el proceso de grabación fue intenso, pero a la vez estimulante y llevadero, ya que, entre todos, y también gracias a Raúl Serrano, nuestro productor, creamos un ambiente muy positivo y de buen rollo. La capacidad de generar ese ambiente es una de esas virtudes que son imprescindibles para nosotros.

En mi opinión, la música de Brigantia cuenta con influencias de diversa procedencia. Me gustaría que definierais dónde encaja vuestro estilo para que la gente se haga una idea de lo que hacéis.
Como bien has afirmado, nuestro estilo bebe de muchos subestilos del metal. En nuestro caso es difícil definirlo en una etiqueta. En Brigantia practicamos un heavy metal melódico que se intenta alejar en parte de elementos clásicos para introducir motivos más modernos y a su vez pinceladas power e incluso progresivas en momentos puntuales. Intentamos combinar potencia y melodía, y no caer ni en la uniformidad ni en una cadencia similar en todos los temas. La variedad es algo que buscamos a la hora de conformar el conjunto de canciones de “Anima Vitae” porque creemos que aporta un mayor dinamismo a los temas.

Sois una banda cuyas letras pueden apreciarse claramente pero, en cambio usáis un lenguaje indirecto… ¿Es solo poesía, experiencias personales o pura fantasía? En todo caso… ¿cuáles son los temas que soléis tratar?
En las letras intentamos aportar un lenguaje lo más poético posible. Además, aunque escribimos con un sentido, proponemos que el lector saque su propia interpretación de las letras porque de este modo podrá interiorizarlas mejor y dejar volar su imaginación. También pretendíamos que la música acompañara emocionalmente al apartado lírico, que fuera una prolongación del mismo. Las letras se mueven entre la fantasía y las propias experiencias personales de cada uno, pero no existen mensajes evidentes. En el disco el tema de la muerte está muy presente, por eso decidimos titularlo “Anima Vitae” (“Aliento de Vida”). Este título también puede ser interpretado de distintas maneras, pudiendo cada uno leer las letras y el contenido lírico del disco como lo sienta. Creo que es interesante que el oyente haga un esfuerzo creativo interpretando nuestra propia creación musical, haciéndole más participe y activo al escuchar nuestro disco. El álbum no es conceptual, ya que existen otros temas como el desamor, y algunas reflexiones sobre el ser humano. Aun así, fundamentalmente “Aliento de vida” es un canto de esperanza ante algo tan terrible como es la muerte.

En líneas generales, las guitarras y los teclados tiene un sonido moderno pero, hay un momento en “Atrapado” que las guitarras suenan muy “Deep Purple” y encima metéis un órgano Hammond. ¿Es vuestra manera de reflejar las influencias del pasado con el presente?
Esa parte de la canción surgió de manera improvisada mientras componíamos en el local y nos gustó ese cambio tan radical. En Brigantia existe una gran variedad de gustos musicales entre los miembros de la banda. Ese momento del tema es un buen ejemplo de ello. Aunque intentemos escapar de elementos clásicos del heavy metal en la base musical de los temas, si que nos gusta meter detalles musicales variados que puedan tener un aire de lo más “vintage” o de lo más moderno, inclinándonos más por lo segundo. La frescura es nuestro objetivo principal y aunque parezca paradójico, puede conseguirse con matices musicales en apariencia más alejados en el tiempo.

¿Cómo surgió la idea de iniciar Placer/Dolor con ese bajo funky?
La idea fue del bajista, David Guerra. La canción fue compuesta fundamentalmente por él y por Nacho Sistal (teclista). La introducción a esa canción es una prueba más del carácter ecléctico que buscábamos en el disco. Son detalles que aportan sorpresas al oyente. Pretendemos que nuestra música huya de lo monótono, porque a nosotros mismos es lo que más nos atrae.

¿Hay alguna canción del álbum de la que os sintais más satisfechos por algún motivo especial?
“Por ti” es una de las canciones de la que más orgullosos estamos, es muy especial para nosotros y para nuestro cantante. Su letra es muy personal. La gente también parece haberla acogido entre sus favoritas y es la más coreada en los conciertos. Sorprendentemente, es uno de los primeros temas que compusimos, y para muchos es el himno más carismático de Brigantia.

Pienso que “Vacio y Luz” y “Soledad”, definen todas las cualidades del sonido de Brigantia. ¿Qué me puedes contar acerca de estos dos temas?
“Vacío y Luz” era para nosotros ideal para empezar el disco tras la intro “Despertar” porque es una canción rápida, muy potente y afilada. “Soledad” fue de las últimas que compusimos, es muy melódica y es una de las canciones más cantadas por el público en los directos. Como bien has señalado, las dos son ejemplos muy paradigmáticos de lo que cuidamos en los temas: una melodía trabajada, tanto en las estrofas como en los estribillos bajo una base musical potente que en conjunto conformen temas lo más frescos posibles. Intentamos que las canciones tengan fuerza y a su vez un aire melódico que enganche y se meta en la cabeza, pero sin caer en melodías empalagosas y repetitivas.

Partiendo de la base de las excelentes condiciones vocales de Juan Torre, ¿no os habéis planteado en un futuro cantar en inglés? Seguramente vuestro sonido, con esa estupenda instrumentación general, podría tener una buena acogida a nivel internacional…
Es un halago para nosotros esa valoración. El idioma con el que mejor nos expresamos es el castellano y damos mucha importancia a que las letras sean apreciables y entendidas por el tipo de público al que vemos que va a llegar nuestra música. El apartado lírico es casi igual de importante para nosotros, creemos que debe de formar un todo en coherencia con la música. Pero esto no significa que nos cerremos a la posibilidad de grabar versiones en inglés de futuros discos, en una edición diferente, si se diera la posibilidad o la oportunidad de hacerlo, y si viéramos que hay condiciones favorables para ello. El metal español tiene dificultades de poder promocionarse en el extranjero, salvo en ocasiones puntuales (como es el caso del grupo Dark Moor). Solo en Sudamérica hay un público para eso, en países de habla inglesa por desgracia no hay la demanda ni la promoción sufcientes. Creo que eso irá cambiando con el tiempo.

Finalmente, ¿algún aspecto o comentario adicional sobre el disco que te gustaría resaltar?
Lo primero darte las gracias por la oportunidad de poder expresarnos en este medio y así hacer llegar nuestra música a más personas. Añadir que algunas de las canciones de “Anima Vitae” pueden escucharse en nuestro myspace www.myspace.com/brigantiametal y que puede comprarse escribiéndonos a brigantiametal@hotmail.com o en tiendas a nivel nacional como Tipo o Fnac. Por último queremos mandar un saludo a todos los lectores y esperamos que os guste nuestra propuesta.

Saludos y gracias por tu tiempo.
Muchas gracias a vosotros.

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

Entrevista a Jens Johansson, teclista de Stratovarius: “En 2008 tenía serias dudas de que esta banda siguiese adelante”

locky — Tue, 18 Jan 2011 17:13:25 +0000

Helloween les ofrecieron una oportunidad de girar junto a ellos y no la desaprovecharon. Acabaron antes de lo estipulado su nuevo disco, Elysium, e hicieron las maletas para actuar en Europa. Pero, cosas del destino, su cantante Timo Kotipelto cayó enfermo y debieron suspender dos actuaciones en Francia. Llegados a España, la anulación de alguno de sus conciertos entraba en lo posible. Sin embargo la suerte estuvo del lado de los seguidores españoles. Antes del concierto de Madrid, pudimos conversar con el teclista del grupo finlandés, Jens Johansson, quien nos puso al corriente de dichos problemas además de hablar sobre su nuevo disco y de la recuperación del batería Jörg Michael.

No habéis tardado demasiado en sacar un nuevo disco. ¿Se os habían quedado temas después de grabar Polaris o es que tenéis facilidad para componer?

Antes de que Timo Tolkki se fuera había básicamente sólo una persona responsable de toda la composición, ahora somos cuatro, así que es mejor para alcanzar una buena cantidad de composiciones de calidad, teníamos unas veinte canciones. Nos juntamos en abril y “viola”.

Qué dirección musical sigue Elysium… ¿está más cerca de vuestra época clásica con Destiny e Infinite o habéis vuelto a experimentar con otros sonidos?

Creo que no nos planteamos en ir en una dirección concreta, Matias (ndr: Kupiainen, guitarrista) escribió un montón de material y creo que su mente es más progresiva que Destiny o cosas así. Expusimos todo lo que teníamos y entre todos decidimos el contenido.

Hablando de Matias, este es el segundo disco de Stratovarius con él como guitarrista, ¿se puede decir que ya está plenamente integrado al grupo?

Sí, cuando hicimos Polaris era una situación especial, conocí a Matias por primera vez en mi vida unas veinte horas antes de empezar a escribir ese disco. Hicimos todas las canciones en una semana y lo grabamos. Al final salió como Stratovarius pero, en esos momentos, no sabíamos si éramos Stratovarius o una banda sin nombre, sin canciones… Ahora, con Elysium es muy diferente, tenemos un contrato discográfico y sabíamos que iba a ser un álbum de Stratovarius, ha sido muy diferente.

¿Cuál ha sido el grado de implicación que has tenido en la composición de Elysium?

Hice dos canciones, bueno, tres, pero una de ellas no le gustó mucho a Kotipelto (ndr: Timo, vocalista) y se quedó fuera. Podría haber compuesto más pero Lauri y Matias habían compuesto diez cada uno, ya eran suficientes. Cuando tuvimos todas las demos en abril, votamos y decidimos cuáles serían las del disco. Teníamos casi 75 minutos de música, pero entonces nos llegó la propuesta de girar con Helloween, era muy interesante, así que decidimos darle un empujón al disco para que saliera antes. Lo teníamos que sacar en noviembre, por eso se cayeron otras canciones y se quedó en unos 55 minutos. No conseguimos terminar a tiempo otras canciones.

En “Infernal Maze” hay un interesante duelo entre los teclados y la guitarra, que nos puedes contar sobre esta canción?

Bueno, no la conozco mucho, excepto cómo tocarla, porque es de Matias y la letra de Kotipelto. Originalmente era parte de la suite Elysium pero Matias la separó para que fuera una canción independiente. Originalmente, Elysium duraba 35 minutos con cuatro canciones conectadas, ahora consta de tres canciones y 18 minutos.

Y… en “The Game Never Ends”, ejecutas un brillante y veloz solo de teclado…

Tiene una historia interesante detrás, era una canción muy simple y en medio hice un solo totalmente loco, Matias lo dobló y bueno… es muy difícil de tocar con la guitarra, creo, pero al final consiguió hacerlo. Se debió tomar un café o algo (risas), parecía imposible pero lo hizo, tantas notas seguidas, me quedé muy sorprendido… (risas)

… En “Move The Mountain”, en cambio, hay una pequeña aportación muy armoniosa…

No sé, para mi fue sólo una idea melódica para esta canción. Probablemente soy el más alejado del progresivo de la banda, mis canciones suelen ser las más simples, me gustan así. Me gusta meter melodías en las canciones, a Matias si que le gusta meter partes muy complejas, con Tolkki en la banda era lo contrario, así que creo que poco a poco vamos acercándonos al progresivo.

Por otro lado en “Even Horizont” los teclados parecen tener referencias de música clásica… ¿Es así?

Si, también es una canción interesante, cuando mandamos la demo a los japoneses (ndr: se refiere al personal de su discográfica) nos comentaron que esta canción debería tener doble bombo, y así la hicimos. Iba a ser un bonus track para Japón pero al final convencí a la banda de que debería estar en el disco, me gusta, es muy rápida y clásica. Me encanta esta canción.

¿De cuál de todos los temas de Elysium has quedado más satisfecho y por qué?

“Infernal Maze”, tiene de todo en poco más de cuatro minutos (ndr: realmente tiene más de cinco) conseguimos meter de todo, un inicio épico, solos, buenas melodías, es como tiene que ser una canción de power metal, es para ponerla en un museo como ejemplo de power metal.

Y, de todos los temas de Stratovarius, ¿cuál disfrutas más al tocarlo en directo?

(se lo piensa)… En este tour “Phoenix” está siendo divertida… también “Event Horizon”.

Cómo sigue la recuperación de vuestro batería Jörg Michael. Leí en alguna parte que para enero estaría de nuevo con el grupo. ¿Es así, o aún no ha podido incorporarse a la gira?

Ya está recuperado. Estábamos muy asustados, él también claro, y su familia. Cuando le operaron no sabían qué tipo de cáncer tenía ni si iba a sobrevivir, así que fue una situación muy tensa y triste. Él también es agente de bandas y nos animó a seguir con la gira. Encontramos a un gran sustituto, Alex Landenburg, que trabaja muy bien, pero todavía nos acordamos de que está ahí porque Jorg tuvo que dejarlo. Es una situación extraña ocupar el puesto debido a que el batería original tiene cáncer. Los resultados de la última biopsia de Jorg indican que el cáncer que tenía no era de los peores, tuvo que hacer algo de radioterapia y creo que tendrá que volver a tener alguna sesión, pero tiene un buen diagnóstico y volverá a tener una vida normal. Además le estarán vigilando constantemente durante los próximos 30 años. Morirá de algo pero no de esto.

¿Cómo esta yendo la gira junto a Helloween, qué sensaciones tenéis al estar actuando junto a ellos?

Hemos tenido que cancelar dos conciertos, el primero en Paris fue una pena, allí Stratovarius son muy fuertes. Kotipelto no podía cantar, estuvo mal durante todas las navidades y aún no está recuperado del todo. En Lyon (ndr: segundo concierto cancelado) no sabíamos si se pondría mejor, además es muy caro para Helloween llevarnos por Europa como si estuviéramos de vacaciones, con todos nuestros gastos, comida, cervezas (risas). La gente, además, paga por ver a tres bandas, no por dos. Hoy cantará (ndr: por su concierto de Madrid), pero no está totalmente recuperado. Gente como Madonna no tienen estos problemas, ponen la música con una cinta y ya está, pero nosotros queremos ser honestos y no engañar a la gente. Desafortunadamente a veces pasan cosas así, pero parece que va a mejor y en unos días espero que ya esté como siempre.

Después de los problemas que tuvisteis en el pasado con Timo Tolkki, pensaste en algún momento que Stratovarius podría desaparecer?

Probablemente, en 2008 tenía serias dudas de que esta banda siguiese adelante, había muchos abogados alrededor hablando de millones de euros pero, poco a poco, paso a paso, fuimos solucionando los problemas y finalmente estuvimos de vuelta con Polaris, encontramos un guitarrista, un nombre, canciones, una compañía discográfica…

¿Qué tal por España. Habéis tenido tiempo de hacer algo de turismo o ha sido imposible?

Ha sido imposible esta vez, pero en el pasado sí que hemos salido a dar una vuelta, En esta ocasión hemos llegado tarde, hemos comido, luego a dormir… espero que tengamos mas tiempo la próxima vez, acabamos de llegar de Bilbao y luego nos vamos a Barcelona.

ENTREVISTA Y FOTOS LOCKY PEREZ/KRISTINA ESPINA

Entrevista con Arkaitz Zayas vocalista de Hiverland: “En estos oscuros tiempos la autoedición es lo que mejor ha funcionado en nuestro caso”

locky — Tue, 11 Jan 2011 18:43:29 +0000

Tras mucho esfuerzo el grupo vasco Hiverland ha podido enderezar un camino a veces excesivamente tortuoso y gracias a la autoedición publicaron en 2010 The Return, un disco que pone un punto y aparte en su trayectoria. Su vocalista Arkaitz Zayas, nos desvela el contenido del disco así como la filosofía de la banda, desmarcándose del power metal clásico para mostrar una evolución inevitable y libre de ataduras estilísticas. Pero, ante de todo, revela el secreto mejor guardado, la procedencia de su batería Bjorn Mendizabal.

Podrías comenzar haciendo un breve repaso a vuestra trayectoria… ¿Desde cuando funciona la actual formación, incluyendo las circunstancias de la vinculación de Bjorn Mendizabal…? ¿Es cierto su origen escandinavo?

Somos el resultado de varios meses de búsqueda y preparación para entrar en la banda, al servicio de la idea común que parte de Arkaitz Zayas pero, a la que todos hemos aportado algo y aportaremos con más fuerza en el futuro. Cada uno de nosotros tiene su propia historia sobre como entro en la banda y el último en entrar fue precisamente Bjorn Mendizabal. Resulta que es bien conocido por estas tierras por haber sido batería de bandas como Azken Garrasia o Quaoar. Ante la necesidad de un batería enseguida se pensó en aquel de largos cabellos rubios, tan exótico y del que nadie lograba asegurar de donde parten sus orígenes. Se ha dicho de él que era noruego, sueco o finlandés (muchos apoyaron esta versión por la fama que tiene hoy la nueva ola de metal de Finlandia). No es de ninguno de esos países, porque resulta que es nacido en Euskadi aunque tiene parte de origen danés.

Me gustaría que me aclararas si los tres temas que están en The Return, incluidos también en Need For Survive, editado en 2008, son las mismas versiones o habéis hecho algún cambio.

Los cambios que hemos hecho en estos tres temas para el disco, ha sido básicamente un lavado de cara de las versiones de 2008, las armonías de algunos coros están mejoradas, los temas se volvieron a grabar instrumento por instrumento y eso también ayuda a que los temas hayan mejorado.

Vuestro anterior disco data de 2002, ha pasado mucho tiempo hasta publicar The Return. ¿Cuál ha sido el motivo y… qué evolución tiene este nuevo álbum con respecto al primero?

Uno de los motivos principales ha sido la falta de enfoque que había en formaciones anteriores, desde el principio Hiverland ha tenido claro que para hacer cualquier cosa dignamente hay que trabajar duro. En anteriores etapas de la banda siempre había controversia al plantear una forma de trabajar nueva para ir mejorando y no siempre se estaba de acuerdo con las composiciones. Esto, lógicamente, no lleva a buen puerto y por eso hemos estado tantos años hasta encontrar una formación estable.

Ahora se goza de técnica y de riqueza musical, contamos con unos músicos de excelente nivel musical y personal, eso ayuda bastante a estar centrados e ir cumpliendo objetivos sin que nada nos saque del camino.

Entiendo que The Return lo habéis auto-editado, ¿Qué esfuerzo y sacrificio implica esto?

Supongo que, como todo, la autoedición tiene sus cosas buenas y sus cosas malas. Nos hemos arreglado bien, es un trabajo duro porque no puedes delegar nada en nadie, básicamente porque lo hemos hecho todo nosotros, a parte de la portada y la mezcla, vamos. Creo que en este disco hemos aprendido mucho respecto a cómo trabajar; es duro pero nos ha gustado la experiencia de no tener a nadie detrás metiendo prisa jajaja…

Trabajando así nos organizamos mejor, aunque sería un placer que alguien se interesase por nosotros. Aun así, en estos oscuros tiempos la autoedición es lo que mejor funciona, por lo menos en nuestro caso, ya que, de lo contrario, este disco no hubiese visto nunca la luz.

¿Cómo resultó el proceso de grabación, hubo alguna parte más complicada?, ¿quiénes llevan las riendas en el tema de composición?

Fue todo muy bien, teníamos todo claro desde el principio y las pequeñas cosas que podían ir saliendo eran pequeños arreglos que se nos iban ocurriendo sobre la marcha, se puede decir que la composición en The Return…, es cosa mía.

Sobre los temas nuevos, hay algunos que están pensados entre todos. Puedes hacer un tema completamente solo, sí, pero si tras enseñarlo resulta que no cuaja, lo mejor es trabajarlo entre todos. Lo trabajamos durante un tiempo y si sigue sin gustar se descarta. Nos encanta esto último, jajaja. Hace que cada uno se ponga las pilas para enseñar algo que pueda gustar al resto, no sé si es la mejor forma de trabajar pero a nosotros nos va funcionando.

Puedes resumir el concepto general de The Return en lo que se refiere al contenido letrístico, la imagen de la portada y su título. ¿Hay algún nexo entre todos los elementos?

The Return…, es la respuesta a todos esos años de “parón” y todo lo que ocurrió entonces. Es como el último grito que se efectúa al intentar desligarse de alguien. Intentaron frenarnos, nos dijeron que no lo intentásemos, nos pusieron trabas y cuchichearon a escondidas sobre que deberíamos, o no, hacer. El ángel fue un motivo tomado para la portada de esa maqueta de 2002, pero en esta portada, las alas del ángel de la portada son oscuras precisamente por todo lo que ha pasado desde aquel inocente Wings in Flames. El grupo ha madurado en todos los aspectos y es ahora cuando se inicia el camino. Así, las letras hablan de experiencias, de necesidades y de esperanzas.

De todos los temas que componen The Return, ¿hay alguno que te gustaría destacar por algún motivo especial?

Desde un punto de vista musical se ha hablado mucho de la canción cuyo título da nombre al disco por ser el germen de un nuevo sonido de la banda, con ritmos a medio tiempo y voces trabajadas pero también destacaría otros como “Million Ways” o “Never Surrender”.

Precisamente “Never Surrender”, junto con “Dark Angel”?, son los temas que más me han llamado la atención. ¿Podrías hablarme de ellos?

“Never Surrender” es un tema sencillo pero con pegada, medio tiempo con mucha melodía y un estribillo a lo Helloween; en cuanto a “Dark Angel”, este es un tema que teníamos ganas de hacer, largo, con muchas partes y algunas colaboraciones de músicos de otras bandas de nuestra ciudad, el resultado ha sido muy satisfactorio y es uno de los temas hímnicos del disco que no olvidaremos fácilmente.

“Riders Of Metal”, según mi percepción, me suena a Manowar, ¿Que opinas al respecto?

Efectivamente, se compuso con ese fin. Al principio iba a ser una especie de tema freak lleno de rabia tocado “a lo Manowar”, aunque pensábamos que caería en el olvido y que nos cansaríamos de tocarlo. Ha pasado el tiempo y no sabemos qué tiene ese tema pero, para nosotros, ya se ha convertido en imprescindible en nuestros directos. Uno de los mejores temas del disco independientemente de a qué suene, jajaja…

De la hornada de tantos grupos que surgieron en la etapa dorada del power metal, ¿os identificáis con alguno en particular?, ¿Con cuales crees que se os puede comparar por estilo?

De los resquicios de aquella etapa dorada surgió Hiverland en 2002 pero siempre mirando hacia grupos de fuera de la península como Helloween o Iron Maiden. Con el paso del tiempo y la entrada de nuevos músicos se fueron creando cortes nuevos como la canción “The Return”, por lo que creemos que es un poco arriesgado tildarnos de power metal. Tiene aún muchísimo que ver con aquél estilo pero posicionar a la banda en ese saco obligaría al mundo a obviar ciertas canciones como la que ya he citado o “Million Ways”.

¿Qué puede ofrecer en la actualidad el power metal, que no haya ofrecido ya? ¿Crees qué aún hay camino por recorrer en ese sentido o se trata de mantener vivo el estilo?

Creemos que estamos en un momento donde el estilo está empezando a liberarse, ya no hay tantos tabúes a la hora de fundir estilos. Mucha gente considera que cada estilo tiene unas bases fuertes y definidas y ese tipo de gente suele subrayar su pertenencia a tal o cual estilo. En síntesis, es lo mismo que hace otra gente con la religión, con las ideas políticas o con las normas que cada uno imponga en su propia casa. Suponer la invariabilidad de algo cuando el ser humano es y necesita ser variable solo crea contradicciones y en este caso el impedimento de disfrutar de la música, que es para lo que está.

Esto no significa que repudiemos el power metal o que vayamos por derroteros comerciales (un absurdo, por cierto, considerando el momento que se vive), tan solo que como creadores, tenemos la oportunidad de crear lo que queramos cuando queramos. Para la gente que pretende privar al mundo de ese placer de la creación libre es para quien no va dedicado Hiverland.

Finalmente, ¿con qué frase intentarías atraer a los aficionados hacia vuestra propuesta musical?

Si necesitas adrenalina y pasión a partes iguales ¡deja que nos colemos en tu reproductor de música!

POR LOCKY PEREZ

Entrevista con Rick Armellino (This Or The Apocalypse): “O cambiamos, o nos enfrentamos a la destrucción total”

locky — Mon, 13 Dec 2010 18:41:25 +0000

Después de Monuments, su debut publicado en 2008, el grupo estadounidense This Or The Apocalypse, ha facturado en 2010 Haunt What’s Left, uno de los mejores álbumes de metalcore, que coloca a la formación originaria de Filadelfia en una posición aventajada para dirigir su carrera hacia importantes futuros logros. Poseen un enorme potencial canalizado a través de composiciones donde el ingenio y la fuerza se fusionan con creatividad.

Para saber más del grupo hablamos con su vocalista, Rick Armellino, quien nos puso al corriente de algunas cosas acerca de su brillante álbum.

¿Qué criterio seguisteis para escoger el nombre del grupo, cuál es su significado?
This Or The Apocalypse se refiere a una llamada a la acción, en el sentido de que, o bien hacemos un cambio, o nos enfrentamos a la destrucción total.

¿Qué respuesta está teniendo Haunt What’s Left en Estados Unidos… y en Europa?
Te puedo decir que en los Estados Unidos la respuesta ha sido muy buena. Descubriremos cómo nos va en Europa cuando vayamos allí físicamente en abril.

¿Cómo se desarrolló el proceso de grabación, cuánto tiempo empleasteis?
Estuvimos grabando durante cinco semanas. El proceso fue muy positivo, Wilbur (Josh, el productor) es una máquina.

Haunt What’s Left es pura energía de principio a fin. ¿De qué canciones habéis quedado más satisfechos? Alguna os resultó más difícil de lo debido grabarla?
Estoy super orgulloso de todo el disco. Algunas canciones se te quedan más que otras, eso es normal. Creo que “Deadringer” fue la más dura para mi, empecé a grabarla una hora o dos después de recibir por teléfono la noticia de que mi amigo Justin había fallecido.

Habéis contado con productores que han trabajado tanto con Avenged Sevenfold como con Lamb Of God… ¿buscabais seguridad al confiar en ellos?
Nos enfrentamos a ello con la mente abierta, entendiendo lo que queríamos hacer y que teníamos a una gente que había hecho proyectos de una liga totalmente diferente a la nuestra. Confiamos en ellos un montón, pero sólo porque sabíamos que habían profundizado en lo que estábamos haciendo y que querían sumar cosas.

¿Qué te parece que se os compare con bandas como Avenged Sevenfold o Lamb Of God, consideráis que vuestro estilo encaja con el de ellos?
No lo creo, pero soy un músico y mi percepción de nuestra banda siempre será una fantasía comparada con lo que realmente es, y estoy satisfecho por ello.

En tu opinión, qué os diferencia del resto de bandas de metalcore, ¿cuál es vuestro toque personal?
Me gusta pensar que estamos haciendo nuestro propio camino, evitando un montón de los clichés que utilizan esas bandas para llamar la atención. Nos gustan los coros pegadizos, los ritmos salvajes y el metal melódico. Estamos muy concienciados en estar seguros de que las canciones tienen sentido desde el principio hasta el final.

¿De dónde salen las ideas para realizar unas composiciones de estructuras tan complicadas?
Escuchamos mucha música diferente, no sólo metal. A veces escuchas algo de un género diferente que te gusta y piensas… “tengo que encontrar la forma de expresar eso en una de mis canciones” y te pones a trabajar en ello.

En tan solo cuatro años de trayectoria habéis demostrado tener excelentes condiciones creativas. ¿Qué necesitáis para conseguir la misma popularidad que tienen en la actualidad las mejores bandas del estilo?
Gracias. No lo sé, la verdad, trucos de marketing quizá. Intentaremos hacer lo posible y esperemos que fructifique.

¿Habéis visitado Europa en alguna ocasión? ¿Tardaremos mucho los seguidores europeos en poder veros en directo?
Estaremos allí en unos meses por primera vez.

Gracias por tu tiempo.
Gracias a vosotros… keep on rockin!!

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

THIS OR THE APOCALYPSE – HAUNT WHAT’S LEFT
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Entrevista con Hypnoside: “No somos un país de cultura musical, la gente va a lo de siempre, no busca nada nuevo”

locky — Wed, 01 Dec 2010 16:25:34 +0000

Hypnoside lanzaron en octubre su álbum debut, 45 Minutes To Born & Die, cuya reseña puedes leer en estas mismas páginas. Un disco que costó mucho sudor sacar adelante por diversas circunstancias, las que el vocalista Héctor y el batería Javi nos descubren en esta entrevista, además de otras opiniones relacionadas con la música heavy en España.

No es habitual que un grupo emergente posea unos estudios de grabación propios. ¿Cuál es la relación de los Sweet Home Studios con respecto a Hypnoside?
Héctor: Los Sweet Home Studios fueron creados por nuestro guitarrista, Julián. En la actualidad son propiedad compartida entre él y yo. Con los medios técnicos existentes se grabó nuestro disco, aunque físicamente no se hizo aquí, pero el próximo álbum de Hypnoside ya se creará en estos estudios. Paralelamente, funciona como escuela de música.

¿Cuál ha sido la evolución de Hypnoside como banda?
Javi: Bueno, empezó Julián en el 2006, con otra formación. Hubo el clásico desfile de músicos entrando y saliendo del grupo. En un momento dado nos quedamos solos Julián y yo. Y cuando ya nos planteábamos dejarlo porque no conseguíamos que nadie más se uniera, apareció Iván y, al poco tiempo, Héctor. De esto hará un par de años.

¿Cúal fue el desarrolló del proceso de grabación de 45 Minutes To Born And Die y cómo os repartisteis las tareas de composición?
Héctor: El tema de grabación lo ha llevado casi por completo Julián, que es también el mayor compositor. Además, se encargó de las mezclas ya que es ingeniero de sonido. Al principio todos aportamos algún detalle pero la resolución definitiva fue de Julián. Toda la parte instrumental se grabó en nuestro local de ensayo. Incluso, Javi había montado una pequeña cabina para las voces pero no contamos con que dos de las paredes del local no estaban insonorizadas y se filtraban los sonidos del grupo que estaba ensayando al lado. En principio decidimos ir a grabar los domingos por la mañana pero, finalmente, encontramos un sótano y allí grabamos las voces.

Parece que el tema se complicó por diversos motivos. ¿No es así?
Héctor: Así es, el proceso fue largo por varios motivos. Primero fueron los problemas para encontrar los días que no hubiera ruido para grabar las partes instrumentales. Luego el tema de las voces, que fue lo que más costó y, después, tuve un accidente de moto que retrasó más la grabación ya que estuve dos meses sin poder hacer nada cuando ya solo faltaban las voces. Así que, algo que debíamos de haber tardado unas tres semanas lo tuvimos que hacer en tres meses más los dos de “parón” obligatorio por el accidente. Nada, fue un disco al estilo de Metallica, por el tiempo de tardamos (ja, ja, ja). Empezamos en octubre y acabamos en mayo.

Problemas aparte, ya en el estudio… ¿Cuál fue la parte más difícil en el aspecto técnico?
Héctor: Lo que más trabajo le dio a Julián fueron las mezclas. Estuvo mezclando y volviendo a mezclar pero, siempre había algo que fallaba. Hasta que probó uno de los aparatos que tenemos en nuestro estudio y con el que consiguió un sonido más redondo, más compacto. Y es que, como no habíamos grabado en un estudio profesional, se tuvo que hacer un importante trabajo de limpieza en cuanto a los ruidos de fondo para que todo sonase nítido.

¿Contactasteis con Mika Jussila influenciados por la corriente actual de grupos españoles que utilizan sus servicios?
Héctor: Pues fue de rebote y sin querer. En un principio teníamos pensado masterizar en los Sterling Studios, porque nos había surgido un contacto. Pero, por tema de fechas, no pudo ser. Entonces contactamos con Finnvox, solicitando la masterización estándar, que era rápida y sencilla, a cargo del primer ingeniero que hubiera libre, y punto. La sorpresa fue que, a los dos días de haberlo enviado, recibimos un mensaje del propio Mika Jussila comentándonos que había escuchado la grabación y que con el proceso más sencillo no se iba a poder mejorar la calidad del producto. Entonces, él se ofrecía, por un poco más de dinero, a darle el toque distintivo de los Finnvox personalmente. Lo cual aceptamos encantados.

¿Cómo definiríais el estilo de Hypnoside con qué grupos se os puede asociar?
Javi: Bueno, nuestro sonido sale de una mezcla de estilos muy extraña. Cada uno venimos de una rama diferente del metal. Por mi parte, mis gustos e influencias proceden del nu metal, de grupos como Korn, Limp Bizkit o Slipknot.
Héctor: Yo vengo del heavy, en todos los grupos en los que he estado me he regido por los clásicos de toda la vida, Saxon, Judas, Dio, Deep Purple. En todo caso, fue muy positivo para mí vincularme con Hypnoside porque era un estilo más “cañero”. Julián, en cambio, es del rollo thrash americano… Megadeth, Metallica, aunque también tiene referencias de bandas como In Flames. Por otro lado, Iván, el bajista, es el “garajero” del grupo… ¿Dondé encajamos? En ninguna parte en concreto, podemos sonar thrash en ciertas partes, también tenemos cosas rollo progresivo… No nos gusta que digan que sonamos exactamente a tal o cual banda, queremos tener un estilo lo más propio posible aunque, cuando componemos, es normal que aparezca algo de los grupos típicos, los grandes. Eso es inevitable pero, siempre procuramos que sea lo mas enriquecedor posible.

¿Os sentís más cómodos cantando en inglés?
Héctor: Canto en inglés porque cuando ingresé en la banda ese era el idioma que utilizaban. Nunca he tenido problemas en hacerlo en castellano o en inglés pero, en mi caso, más cómodo es hacerlo en inglés porque es lo que siempre he escuchado.

A propósito… ¿Qué te parece el estado actual del metal estatal?
Héctor: Bueno, puede que me gane algunos enemigos pero… bandas nacionales que canten en inglés y lo hagan bien hay muy pocas. El metal nacional lo veo poco original. Muy pocas bandas han salido que puedas decir ‘jodeeer, esto si que es un grupo nacional que no suena a la misma copia de siempre’. En España tenemos esta manía de que a la que un estilo surge y funciona, aparecen mogollón de bandas del mismo estilo y no nos estrujamos el cerebro en hacer algo propio, algo nuestro. También pasa en otros países, es cierto, pero aquí es algo escandaloso. Por ejemplo, cuando surgió el power metal, todo el mundo se hizo “powermetalero”. Ibas a un festival y eran diez horas de lo mismo. En cambio, en otros países trabajan un poco más ese tema, buscando algo diferente.

Pero, a pesar de todo, hay algunos grupos que sí están abriendo un camino para que el metal español pueda competir en el extranjero…
Héctor: Claro que sí. Por ejemplo Angelus Apátrida; el disco que han sacado a mi me parece brutal. Es un grupo que se desmarca del resto de las formaciones españolas. No solo porque hayan fichado por Century Media, sino porque se ve que es un grupo que tiene potencial para triunfar fuera. Otro grupo interesante son los valencianos Noctem, son rollo metal extremo y también están tocando fuera. Porqué? Pues porque se lo han currado, tocan un death metal técnico que ha gustado en Europa.

¿Qué queréis transmitir con el título del disco 45 Minutes To Born & Die. Alguna canción relacionada…
Héctor: Cuando estuvimos barajando nombres, había muchas ideas. Una de ellas era 45 Minutes… con otras historias. En un principio el disco duraba 45 minutos pero, por cuestiones de mezclas tuvimos que quitar dos canciones a última hora y ya no nos dio tiempo a regrabarlas y quedó en 33 minutos. Así que el asunto era ligar la duración del disco con el tiempo que tocan en los conciertos las bandas que empiezan y comparten escenario con otras y, por último, To Born & Die, tiene que ver con la canción inicial que habla de la guerra y los niños, en el sentido de que en algunos países puedes nacer y, a los 45 minutos, estar muerto. Y ese es el concepto general, que se complementa con el diseño de la portada donde se puede ver una máscara de gas con sangre y en su interior se puede ver a la muerte intentando coger a un niño…

¿Hay alguna canción del álbum de la que os sintáis más satisfechos por algún motivo especial?
Javi: Yo, me quedo con “Love & Hate”. No por nada especial, sino porque es la que más me gusta tocar.
Héctor: En mi caso, también “Love & Hate”, creo que es la canción más completa del disco. Es la que representa mejor a Hypnoside en todas sus facetas. Tiene su parte melódica, su parte rabiosa, su parte técnica… y también muestra el lado progresivo. Otra canción que se podría destacar es la que abre el disco, “Same Day To Born & Die”, es muy directa. También “Carnival Of Souls”, es una canción que está con nosotros desde los inicios y tiene mucha garra y cuando la canto disfruto mucho.
Javi: “Harvest Of Pain” también nos sorprendió el resultado final. Hicimos algunos arreglos y de la demo al disco hay una diferencia importante.

A mi me ha llamado la atención la última, “Here Was The Sanity”…
Héctor: Si, es muy “leñera”, rollo thrash pero luego cambia y se vuelve más hard rock, es un tema muy elaborado.

¿Cómo sobrevive en la actualidad una banda de rock, con tanta competencia y disminuyendo las ventas de discos debido a las descargas por Internet?
Héctor: Con ilusión y paciencia. Somos conscientes de que no se venden muchos discos, algunos en los conciertos y también a través de las plataformas digitales de la discográfica. Es una inversión que se ha hecho y que cuesta mucho recuperar. Si después de un tiempo tenemos algo de beneficio pues se verá que se puede hacer, si reinvertimos el dinero en otra edición del disco o si hacemos algún single… Pero, de momento, la cosa está muy difícil. Lo que nos anima es que en nuestro Myspace las visitas han subido algo exagerado.

¿Creeis que en España, a nivel de seguidores, no se sabe apreciar el producto estatal como se debería? ¿O está cambiando esa mentalidad?
Javi: Pienso que la gente va a lo de siempre, no busca nada nuevo. Prefieren a los grupos extranjeros consagrados que a los grupos españoles. Fuera de aquí la cultura de conciertos se vive de otra forma, ir a un concierto el fin de semana es algo habitual. Aquí prefieren irse al bar a tomar cuatro birras que ir a ver a un grupo en directo.
Héctor: Un problema grande que hay en este país es la saturación de la oferta de conciertos. Hace algunos años podías elegir entre unos pocos conciertos, pero en la actualidad se programan montones. Y tampoco ayuda la cultura de mentalidad cerrada de la gente, siempre van a lo mismo y no les interesan cosas nuevas. Viene AC/DC y… 70.000 personas. Y… lo siento… en el apartado español, Mago de Oz, joder… los ponen en los 40 principales y todo dios va a verles en directo como locos. Sí, es un grupo que está bien y que en su momento fue novedoso con su folk metal medieval pero ha llegado el extremo de que agobia tanta presencia. Aquí hay otros muchos grupos que son también interesantes y están por descubrir.

Pero… ¿No creéis que falta algo de publicidad para que la gente se entere y pueda ir a verlos?
Héctor: Mira, yo he sido promotor de conciertos, tanto de profesionales como de amateurs. Organicé el de 25 Aniversario de Barón Rojo, el de Los Suaves en 2007… Udo, Primal Fear… Y de bandas amateurs a mogollón. Y me decían que porqué no ponía carteles. Y yo les respondía que, si quisiera, podía empapelar Barcelona con 10.000 carteles y alquilar el Palau Sant Jordi pero, después, quien iría a verlos… ni Cristo, los cuatro amigos de siempre. Y eso es debido a que no hay cultura rockera. Funciona con los 40 principales, Cadena 100, M80 y emisoras de este tipo. Entonces…el que sale ahí llena luego los conciertos. El que no tiene acceso a esas emisoras, si no es uno de los grandes clásicos que ya tiene su público después de 30 años de carrera, el resto no atrae suficiente público para hacer una buena promoción. Hamlet, Sociedad Alkohólica, Saratoga… son grupos españoles con cierto renombre a los que les cuesta convocar cierta cantidad de gente. Saratoga, todo un clásico que ha hecho mucho dentro del heavy de este país, convocaron a 200 personas la última vez que pasaron por Barcelona. Es cierto que la ciudad también hace mucho. No es lo mismo organizar un concierto de hard rock en Madrid que, por ejemplo, en Barcelona. Yo traje a House Of Lords y hablando con ellos, me decían que dos días antes en Alemania habían reunido a 2000 personas y en Barcelona eran 200. Y no es solo por la crisis actual, estoy hablando de 2006. No somos un país de cultura musical

Alguna reflexión final…
Héctor: Nosotros, en principio, lo único que esperamos es que con este disco la gente descubra al grupo. Nuestra intención es llegar al máximo de gente posible. A partir de ahí, ya se verá. Más adelante empezaremos a trabajar en el segundo disco ya que tenemos pensado sacarlo a mediados de 2011. Tenemos algo de material y no queremos dejar pasar mucho tiempo porque una banda novel si tarda en sacar el siguiente disco, todo lo que hayas podido hacer en el primero para darte a conocer se pierde. Lo que deseamos es que no se pierda el interés que pueda generar Hypnoside con 45 Minutes To Born & Die.

POR LOCKY PEREZ

Entrevista a Mike Stanne (Dark Tranquillity)- “No sé qué sería de mi vida sin la banda”

nabiaorebia — Wed, 03 Nov 2010 12:27:40 +0000

Dark Tranquillity está en racha, y lo mejor es que lo lleva estando desde el inicio de su carrera. Tras 21 años de idas y venidas, y con ya diez discos a sus espaldas sin contar demos, recopilatorios, dvd, etc, la banda sueca, estandarte del Death melódico de la escuela de Gotemburgo, llegó a Bilbao dentro de su mastodóntica gira europea para defender en directo su último lanzamiento “We Are the Void”, publicado en marzo de 2010 a través de Century Media Records. Nosotros charlamos un rato antes del show con Mike Stanne, vocalista de la formación, que nos desveló cómo ve el pasado, presente y futuro de una de las bandas más queridas y apreciadas de la escena internacional.

LOLA HIERRO: Buenas tardes, Mike. Otra vez nos encontramos en una gira. ¿Cómo llevas esta?

MIKE STANNE: ¿Qué tal, Lola? De momento está siendo perfecta. Llevamos solamente una semana y estamos muy satisfechos, ya que nosotros nos vemos en buena forma, llevamos unos compañeros de lujo como son Insomnium y además en esta ocasión tenemos un aliciente: estamos conociendo un montón de buenas bandas gracias al concurso que ideó Century Media para tocar con nosotros.

L.H.: Me ha llamado mucho la atención ese concurso y me parece muy generoso por vuestra parte que dejéis que grupos desconocidos puedan telonearos en cada ciudad por donde pasáis. ¿A quién se le ocurrió la idea?

MS: La idea fue de la propia discográfica. Nos preguntó si nos parecía bien y respondimos que por supuesto que sí. En cuanto pusieron el anuncio en Internet comenzaron a llegar cientos y cientos de demos de bandas de toda Europa, ¡fue sensacional!

L.H.: ¿Y vosotros habéis tenido voz o voto para elegir a las ganadoras?

MS: En parte sí. La selección se hizo desde Century Media pero ellos nos consultaron frecuentemente para saber nuestra opinión cuando había dudas sobre unas u otras. Y al final creo que hemos conseguido dar con las mejores; de lo que he escuchado en esta semana me he quedado muy agradablemente sorprendido.

L.H.: ¿Alguna en particular ha llamado la atención?

MS: Pues sí, concretamente los que abrieron para nosotros en París. Y hoy he escuchado la prueba de sonido de tus compatriotas, Crisis (ndr: banda catalana ganadora del certamen para telonear a DT en Bilbao) y me ha gustado muchísimo, tocan un thrash clásico muy duro, muy potente. Me gusta.

L.H.: En cuanto a la otra banda que os acompaña, Insomnium. Siempre pensé que quedaríais bien en una misma gira, ¿cuándo reparaste en su existencia?

MS: Bueno, les conocemos desde hace relativamente poco en persona, aunque tuvimos ocasión de estrechar lazos en el Wacken del 2010, donde tocábamos ambas bandas. No sé desde cuándo les conozco pero tienen una música increíble, muy intensa, por lo que para esta ocasión no hubo dudas en cuanto a quiénes nos iban a acompañar de gira. Además son unos tíos geniales, da gusto compartir autobús con ellos.

L.H.: Una cosa, Mike. Ya lleváis 21 años dando vueltas por ahí, los años van pesando… ¿No te cansas de tanta gira?

MS: La verdad es que no. Hay desventajas, por supuesto, como pasar tanto tiempo fuera de casa, echar de menos a tu familia, no probar una cama decente en meses… Pero seguimos divirtiéndonos tanto como cuando éramos más jóvenes. Tenemos la suerte de llevarnos todos muy bien entre nosotros, y así la convivencia, que es lo que más puede darte disgustos cuando pasas tanto tiempo seguido con la misma gente, se hace muy llevadera.

L.H.: Esa iba a ser mi siguiente pregunta: lleváis juntos 21 años y apenas ha habido cambios de formación. Sois como un multi matrimonio bien avenido…

MS: (Risas) Podría decirse que sí. Cuatro de nosotros llevamos juntos desde el origen de Dark Tranquillity, en el 89. Pero es que antes ya éramos amigos, nos conocemos desde críos y sabemos todo los unos de los otros. Nunca hemos tenido peleas importantes, es cierto que a veces hay algún roce, sobre todo cuando llevas un mes compartiendo un autobús con un montón de personas y te das cuenta de que necesitas tus momentos de soledad, pero siempre lo hemos llevado muy bien. Y cuando termina una gira y pasamos los días siguientes sin vernos, en seguida nos volvemos a llamar. Somos compañeros y amigos, tanto para trabajar en nuestra música como para salir a tomar cañas.

L.H.: ¿No prefieres dar conciertos sólo en los macro festivales de verano? Creo que económicamente es más gratificante aparecer en cuatro o cinco eventos de este tipo al año que embarcarse en un mes de gira…

MS: Es cierto, y muy curioso a la vez, que se gana más dinero, pero también te digo que un festival es una cosa más fría, no tienes tanto contacto con el público, y sobre todo no tienes mucho control sobre el resultado final, ya sabes: el sonido nunca es perfecto, el tiempo siempre es escaso…Personalmente prefiero las giras por salas porque ahí sí puedes tener mayor control sobre todo y por tanto el resultado siempre es más satisfactorio.

L.H.: Y yo me pregunto: con el paso de los años y las responsabilidades que habéis ido adquiriendo, ¿seguís siendo un grupo de local de ensayo?

MS: Por supuesto que sí. Es algo que no queremos perder. Llevamos en el mismo local más de diez años, y ensayamos como mínimo un par de días a la semana. Cada uno de nosotros tiene una labor más concreta; por ejemplo Niklas (Sundin) compone muchas guitarras en su casa o donde sea, y luego lo ponemos todo en común en el local, probamos ideas, componemos otras cosas entre todos… Funcionamos así desde siempre.

L.H.: Pues me parece muy bonito que no hayáis perdido ese rollo. ¿Dedicáis todo vuestro tiempo a la música o tenéis otros trabajos en Gotemburgo?

MS: Algunas veces muy contadas, alguno de nosotros ha desempeñado otro trabajo, pero es que entre ensayos, grabaciones, giras e intentar ver un poco a nuestras familias, no nos queda tiempo para nada más. En concreto yo tampoco me esfuerzo en ello porque Dark Tranquillity es mi pasión, mi vida, y no sé hacer otra cosa más que cantar. Alguna vez he pensado qué haría si no tuviera esta banda y me he quedado en blanco. Creo que no sabría hacer otra cosa, que no sabría con qué llenar mi tiempo. Sobreviviría pero no sería feliz.

L.H.: Pero no hay visos de que nada de eso ocurra, ¿no?

MS: Afortunadamente no. Creo que puedo asegurar que estamos en uno de nuestros mejores momentos, y espero que, como mínimo, aguantemos otros 21 años con la misma actividad frenética de ahora.

L.H.: Precisamente el pasado año, cuando celebrabais vuestro 20 aniversario, os pusisteis a grabar “We are the Void”, el que de momento creo que es vuestro trabajo más diverso. ¿Tiene que ver la importancia del a fecha con este giro en vuestras composiciones?

MS: Pues sí, ha sido totalmente premeditado. Queríamos hacer un disco que fuera el símbolo de lo que queremos ser en los próximos 20 años, es decir, un trabajo que echara la llave a una etapa y abriera otra. Y con “We Are the Void” lo hemos conseguido. Si hay temas tan diversos es porque no todos se compusieron a la vez, como en discos anteriores, que los hacías todos seguidos. Para este hemos recuperado composiciones hechas en varios momentos de nuestra existencia. De hecho, Iridium es del año 96. Niklas (Sundin) lo compuso en esa época y nos encantó a todos, pero nunca lo veíamos adecuado para ninguno de los trabajos que íbamos publicando. Hasta que le llegó la oportunidad en éste último. En general, creo que es un disco más heavy o más pesado en algunos temas mientras que en otros nos hemos ido a terrenos muchos más atmosféricos y melancólicos. El resultado es la diversidad que andábamos buscando.

L.H.: Precisamente ha sido ahora cuando habéis publicado un montón de cosas casi a la vez: El dvd en directo “Where Death is Most Alive” en 2009, el cd de edición limitada “Yesterworlds” del mismo año, y ahora en 2010 otro disco recopilatorio llamado “The Dying Fragments” y por fin el Lp “We Are the Void”. ¿Ha sido también con motivo del aniversario? Y, otra pregunta: ¿no teméis haber saturado el mercado un poco?

MS: En cuanto a tu primera pregunta: sí, ha sido por el aniversario. Como te he dicho, queremos empezar una nueva etapa pudiendo echar la vista atrás y dándonos cuenta de que hemos logrado cumplir 20 años así de bien. Respondiendo a la segunda, la verdad es que se nos juntaron muchas cosas a la vez, pero el DVD tenía que salir sí o sí porque era la piedra angular de la celebración de nuestro aniversario, y los otros cd de edición limitada fueron más bien cosa del sello. Pero no creo que saturemos el mercado, por suerte la gente sigue respondiendo bien (risas).

L.H.: Y después de tanto trabajo de estudio, ¿os habéis puesto ya a componer algo nuevo?

MS: ¡Qué va! No hemos tenido tiempo porque hemos estado con la gira americana, los festivales europeos… Nos hemos centrado en tocar. De hecho, no hay nada compuesto ni pensado, y nuestros próximos pasos van a ir encaminados a tocar más: volveremos a Estados Unidos y quizá a Asia.

L.H.: ¿Habéis notado el descenso de ventas por la crisis económica?

MS: Sí y no a la vez. Sí en el sentido de que se ha estancado la subida, o más bien, que sube lentamente, pero somos unos privilegiados por llevamos una línea ascendente en cifras. No nos podemos quejar.

L.H.: Hablando ahora de ti, Mike, en “We Are the Void” has incluido más voces limpias que nunca. ¿Cómo te sientes más cómodo: cantando o berreando?

MS: Cantar esta bien pero a mi lo que me gusta es hacer guturales, desde luego. Es lo que mejor me sale.

L.H.: Y lo de volver a tocar la guitarra… ¿Cómo lo ves?

MS: Ni en broma. Soy pésimo con la guitarra y fue un verdadero alivio el hecho de que me dejaran pasar de ella cuando Anders (Friden) salió del grupo para irse a In Flames. En ese momento me dejaron dedicarme a cantar y buscamos a otro guitarrista. Lo de tocar que lo hagan los que saben, yo me centro en las voces.

L.H.: Hablando de In Flames: siempre se compara la evolución de uno y otro grupo. Mientras que la de ellos ha sido más radical, cambiando mucho su sonido y sus composiciones, quizá adaptándolas más al sonido que gusta en EE.UU, vosotros habéis seguido un camino mucho más coherente, ofreciendo algo nuevo con cada disco pero sin saliros de las pautas que han cautivado a vuestros fans. ¿Cómo lo ves?

MS: Creo que es el resultado de que nosotros nunca nos hayamos centrado en agradar a terceras personas o adaptarnos a nadie. Simplemente nos juntamos todos y ponemos encima de la mesa las ideas que se nos van ocurriendo, seguimos tocando lo que nos gusta.

L.H.: Mike, si por algo creo que destacas es porque eres una auténtica bestia en el escenario. Eres uno de los front men, si no el que más, con mayor entrega y pasión, literalmente te dejas la piel en cada concierto. Supongo que todo es un torbellino de sensaciones allí arriba, no?

MS: Muchas gracias por tus palabras. No sé si todo el mundo lo verá a sí pero sí es verdad que me tomo muy en serio mi papel, y cuando subo a un escenario todo se me olvida y me meto de lleno en los temas, sintiendo cada palabra de sale de mi garganta. Disfruto muchísimo, sobre todo con la gente que viene a vernos, y siento un enorme agradecimiento hacia ellos porque son los que hacen que yo me vuelque al doscientos por cien. Y no obstante, hay veces en que no disfrutas igual por varios motivos, ya sea que estás acumulando mucho cansancio o que hay mal sonido y eso te cabrea… Aunque son pocas las ocasiones en las que no me siento a gusto.

L.H.: ¿Con qué temas te sientes más cómodo en directo? Así por curiosidad…

MS: Con Icipher y con Iridium me lo paso en grande, nunca me canso de ellas.

L.H.: Estaré atenta cuando las toques hoy para ver tu cara de felicidad. Por otra parte, Mike, y ya para terminar, quiero conocer tu opinión sobre la tan alabada y mitificada escuela de Gotemburgo, ya sabes, sobre la escena de Death melódico que se creó en tu ciudad desde principios de los noventa y que ha dado bandas de tanto empaque como In Flames, Dismember, At the Gates o vosotros mismos entre muchos otros. Tú que vives allí y la conocerás bien ¿Crees que sigue con buena salud?

MS: Uf, no te imaginas qué tiempos y qué recuerdos guardo de esa época, cunado éramos todos unos chavales de instituto. Evidentemente, esos tiempos no volverán, pero siempre los guardaremos en la memoria con mucho cariño. Creo que ahora Gotemburgo no es lo mismo pero sigue por buen camino. Las bandas de entonces hemos crecido y estamos siempre de gira por todas partes, no la liamos tanto como cuando éramos jóvenes… pero te aseguro que hemos dejado un buen legado y hay muchos grupos punteros de gente joven que hacen música fantástica. No es lo mismo, porque el tipo de música que hacemos nosotros fue una revolución hace 20 años, pero las nuevas generaciones han sabido renovarse bien.

L.H.: Y tú que lo veas, Mike. Esto es todo por nuestra parte. ¿Quieres aportar algo a la entrevista?

MS: Solamente daros las gracias por haber venido hasta aquí y decir que me encanta venir a España porque casi siempre hace buen tiempo. Mira qué sol tenemos hoy en Bilbao… En Suecia ya hace un frío de muerte.

L.H.: Pues muchas gracias a ti, Mike, y que cumpláis muchas décadas más con Dark Tranquillity.

Fotos: M. Bergman, O. Johansson, P. Herneheim, K. Hatoum – Texto: Lola Hierro

Entrevista Carmine Appice – “El nuevo cd de King Kobra saldrá en 2011″

AMADO STORNI — Fri, 01 Oct 2010 12:36:54 +0000

Si les preguntara por el nombre del batería de cualquier grupo seguramente, y salvo contadas excepciones, solo los más acérrimos fans me dirían sus nombres. El caso de Carmine Appice es distinto ya que los grupos donde él toca son conocidos por eso: porque él toca en ellos. Esta es la entrevista que nos concedió días antes de su presentación en la madrileña sala Heineken.

AMADO STORNI: ¿Es la primera vez que visita nuestro país?

CARMINE APPICE: No, ya he estado dos veces en España.

A. S.: ¿Que nos encontraremos los que vayamos a verle el próximo 8 de Octubre en la madrileña sala Heineken? ¿Qué repertorio interpretará?

C. A.: Tocaremos un setlist de canciones famosas de toda mi carrera, Cactus, BBA, Vanilla Fudge, etc, además de un solo de batería, por supuesto.

A. S.: ¿Qué hay de cierto en la afirmación de que usted, y según la revista Modern Drummer, es el padre de lo que hoy se conoce como batería “heavy metal”, antes incluso que Ian Paice o John Bonham?

C. A.: Es divertido. En los 60 simplemente hice lo que necesitaba hacer para que se me escuchara bien. No había grandes sistemas de amplificación y tuve que tocar bien duro y alto. También empecé a usar tambores más grandes y a girar mis baquetas para captar la atención. No sabía que estaba creando algo por lo que la gente me conocería, pero lo agradezco de verdad.

A. S.: ¿Un batería que le haya influenciado?

C. A.: Mis ídolos fueron los baterías de jazz Gene Krupa y Buddy Rich.

A. S.: ¿Y un batería que le haya impresionado últimamente?

C. A.: Hoy hay muchos que me gustan. Mi hermano, Steve Smith, Terry Bozzio, Liberty Divito, Mike Portnoy, Chad Smith… También me gustaba The Rev (batería de Avenged Sevenfold), pero ya no está con nosotros. Hay muchos grandes baterías actualmente.

A. S.: Según su criterio, ¿qué cualidades tiene que tener un batería para ser un buen batería?

C. A.: Tienes que saber llevar el ritmo, tener buenas manos, ser independiente, escuchar a los otros miembros del grupo. Todas estas cualidades harán de ti un buen batería.

A. S.: ¿En qué faceta se encuentra más a gusto, en la de intérprete, en la de compositor o en la de educador?

C. A.: Me gustan todas, pero me gusta tocar en directo, enfrente de un público. He vivido un montón de viajes largos y extraños para hacer conciertos, porque me encanta tocar en directo.

A. S.: Después de haber tocado y colaborado con casi todo el mundo, ¿a quién elegiría para formar un grupo?

C. A.: A Jeff Beck y Tony Franklin.

A. S.: ¿Qué proyectos tiene de futuro? ¿Para cuándo nuevas composiciones y nuevo disco?

C. A.: Ahora tengo mi proyecto slamm, lo estoy disfrutando mucho. Podéis echar un vistazo en www.slammusa.com. Además, el nuevo cd de King Kobra saldrá en 2011; el single “Monsters And Heros” sale el 19 de octubre en el sello Niji Entertainment. Es una canción sobre Ronnie James Dio, un homenaje. Es una canción preparada para las descargas de internet, ya que todos los royalties irán a parar a la fundación de Ronnie para apoyar la lucha contra el cáncer, así que por favor, que todo el mundo se baje la nueva canción de King Kobra con la formación original: Carmine Appice, Paul Shortino, a las voces, Johnny Rod, al bajo y Dave Michael Philips y Mick Sweda, a las guitarras. ¡Realmente rockera!

A. S.: ¿Con quién le gustaría compartir escenario?

C. A.: Realmente no sé con quién querría tocar. Posiblemente con Led Zeppelin.

A. S.: Después de tantos años, ¿qué es lo que más y lo que menos le gusta del mundo de la música?

C. A.: Me gusta que puedes vivir de la música desde muchos frentes diferentes, grabando, componiendo, dando conciertos, enseñando… No me gusta en lo que se ha convertido la parte de grabar discos, no sale buen material y todo suena igual.

A. S.: ¿Cuál es el último concierto al que ha acudido como espectador?

C. A.: Rick Derrigner en el show de Pat Travers.

A. S.: Recomiéndeme un disco.

C. A.: El de Carmine Appice Guitar Zeus “Conquering Heroes” y el nuevo de King Kobra en cuanto salga.

A. S.: ¿Quiere añadir algo más?

C. A.: Gracias por apoyar mi música durante todos estos años. Espero ansioso el momento de ir a España a rockear. Allí nos vemos.

Gracias a ti Carmine. Nos vemos en Madrid.

Texto: AMADO STORNI

Entrevista a Tabü: “Grabar un disco significa gastar un dinero que luego no se recupera debido a las descargas”

locky — Wed, 15 Sep 2010 16:18:32 +0000

Empeñados en no dejarse vencer por la adversidad Jose Angel (batería) y David (voz) han soportado numerosos cambios de personal para que Tabü siguiera adelante. Con la incorporación de Oscar (guitarra) grabaron su segundo disco, y con la posterior vinculación de Juan (guitarra) y Lucas (bajo), esperan “romper con todo” e iniciar una fructífera etapa. Uno de sus primeros premios, haber conseguido abrir los conciertos de Wig Wam en Barcelona Y Madrid. Reunidos con la banda en Barcelona, nos pusieron al corriente de su situación actual y de las novedades en torno a su último disco.

¿Cuál es la actual situación de la banda, quiénes la componeís?

Jose Angel: Bueno, hemos tenido diversos cambios. Por Tabü han pasado varios bajistas y guitarristas; los puestos que se han mantenido siempre fijos han sido los del vocalista David y yo en la batería. Pero ahora parece que no habrá más cambios. El primer disco lo grabamos con una formación de cuatro, luego fuimos cinco y posteriormente nos quedamos solos vocalista y batería. Para el segundo disco, el bajista tuvo que dejar la banda por motivos personales y un amigo nuestro músico de sesión se hizo cargo. Con la incorporación de Oscar pasamos a tener dos guitarristas pero 15 días antes de entrar al estudio, el otro guitarra se rajó y se marchó. Entonces, Oscar tuvo que asumir todas las partes a toda prisa. Una vez grabado el disco se incorporaron Juan (guitarra) y Lucas (bajo) y, de cara a los directos, tuvieron que “ponerse las pilas” y aprenderse los dos discos.

¿Qué supone para la banda la llegada de los nuevos elementos?

David: Uff… supone un cambio para mejorar y conseguir, sobre todo, estabilidad. Y a la hora de tocar es mucho más cómodo.

¿Cuál ha sido la experiencia de Juan y Lucas ante de llegar Tabü?

Lucas: Bueno, yo he tocado en varios grupos menores y también en una banda tributo a AC/DC. Se puede decir que esta es mi vinculación más seria. Una cosa que me gustó cuando los conocí fue las ganas que tenían de hacer algo importante. En otras ocasiones me he encontrado con gente que podían ser muy buenos músicos pero les faltaban ganas de alcanzar metas.

Juan: Desde que enpezamos en esto de la música Lucas y yo siempre hemos estado juntos, así que, eso ha facilitado nuestra integración a la banda. Además, éllos también nos lo han puesto fácil.

David

¿Por qué la decisión de grabar en los estudios de los hermanos San Martín?

David: Jose los conocía de haber trabajado con su anterior banda y le había gustado. Fuimos a ver cómo salían las cosas. Yo soy muy cabezón y no estaba muy convencido pero al final supieron sacar lo mejor de mi. Fue bien en el primero y quisimos repetir con Romper Con Todo.

¿Qué tal el proceso de grabación, algún momento complicado?

David: Las cosas las llevamos bastante preparadas así que difícil, difícil… quizá las prisas con Oscar por el hecho de que tenía que hacerse cargo de todas las guitarras, pero luego todo fue genial.

Jose Angel: Eran más las dudas de todo lo que había pasado antes con el tema del guitarrista que luego ya metidos en la grabación porque, por otra parte, teníamos los temas perfectamente estructurados y clárisimo lo que queríamos. En ese aspecto estábamos tranquilos lo que pasó es que todo se precipitó.

¿Qué diferencias hay entre Romper Con Todo y el anterior disco?

David: Madurez; es un disco más directo, quizas. El primero sonaba más heavy y este suena a hard rock total. A la hora de componer teníamos las ideas mucho más claras. Junto con Jose y Oscar, todos íbamos a una, sin discusiones, fue muy rápido. Y a la hora de escucharlo se nota.

¿Con qué grupos se podría asociar a Tabü?

David: Quizá no está bien que lo diga yo, pero sé que nos comparan mucho con Sangre Azul. No sé, quizá porque no han surgido muchos grupos de hard rock en España, me refiero a conocidos, que hayan triunfado.

Oscar: Y no nos molesta porque es una banda grandiosa. Hoy en día es un halago. Puede ir por ahí la cosa pero también tenemos nuestro toque personal. No es algo con intención, siempre es normal que se hagan comparaciones.

Jose Angel

El título del disco… Romper Con Todo, ¿es una declaración de intenciones?

Jose Angel: Efectivamente, se trata de dejar atrás las dificultades. Todos los cambios que hemos sufrido a pesar nuestro. Nosotros siempre hemos tenido una línea a seguir que no ha encajado con la gente que se ha vinculado al grupo y han preferido marcharse.

¿Como surgió lo de hacer una versión acústica de Ven A Mi?

David: El asunto es que teníamos otros temas para meter, lo que no teníamos era tiempo para prepararlos bien, por todo lo que pasó con la salida del guitarrista. La solución fue rescatar una canción del primer disco y hacer una versión acústica, y surgió Ven A Mi, porque me encanta y, además, era la mejor opción para hacer en acústico.

¿Qué me podéis contar sobre las letras, son sobre situaciones reales o hay mucha poesía?

David: Te puedo asegurar que no es poesía (ja, ja, ja).

Jose Angel: Tratan de cosas que le pueden pasar a cualquiera, algunas son muy directas; otras están escritas para que la gente las adapte según su imaginación

Oscar

¿Qué os parece la actualidad del rock estatal, evoluciona positivamente, hacen falta cambios…?

Oscar: Yo pienso que hay cantidad de buenas bandas pero les falta darse a conocer a un público mayoritario. Puede que existan de estilos diversos pero en lo que respecta a hard rock tipo Niagara, Hirosima, etc, hoy en día no hay mucha representación. Pero es una opinión, es lo que percibo yo personalmente. Por otra parte, la imagen es importante y no se cuida lo suficiente en la actualidad.

David: Creo que se ha mejorado “mogollón” a nivel musical en España. Se ha dejado de imitar a los grupos de fuera. Admiro a la gente que opta por cantar en castellano. Atlas, por ejemplo, me gustan mucho. Y algo clave es que en lo que respecta a l rock, el seguidor es más fiel que el de otros estilos, y eso significa que el rock siempre va a estar ahí, modas aparte. El problema es que al haber tanta oferta es difícil salir adelante pero, en cuantro a nivel musical, estamos mejor que antes.

Jose Angel: La única pega que yo veo es que no se cuida la puesta en escena, en todos los sentidos, en los directos, la imagen de la banda, etc. Y en eso los de fuera nos siguen ganando. Menos Mägo de Oz, poca gente se arriesga a hacer cosas fuera de lo habitual. A la gente le gusta una buena escenografía. Lo que pasa es que es un riesgo económico y eso frena a los grupos.

David: Tampoco creo que sea tan difícil y costoso poner un telón en condiciones, cierto tipo de coreografía y un vestuario decente. La imagen es muy importante; en los ochenta se cuidaba más que ahora.

¿Cómo lo lleva Tabü en la era de Internet?

Jose Angel: Pues nos pasa como a casi todos los grupos. Hay una parte positiva y es que te puedes promocionar de una manera barata alrededor del mundo. Pero, también está que para ofrecer un buen producto, tienes que gastar un dinero que luego es imposible recuperar debido a las descargas ilegales. La alternativa es buscarte la vida haciendo “bolos”. Eso es efectivo cuando ya eres conocido pero cuando te estás buscando un nombre la cosa cambia. Hay quien dice que al bajarse el disco, si les gustas irán a los conciertos a verte en directo. Y no digo que no vayan, pero a muchos les cuesta, la gran mayoría solo van a ver a los más famosos.

ENTREVISTA Y FOTOS LOCKY PEREZ

Entrevista a Orthodox: “Siempre hemos hecho lo que hemos visto en los grupos que admirábamos”

jmvilches — Tue, 14 Sep 2010 09:39:54 +0000

Tenía muchas ganas de entrevistar a la banda sevillana Orthodox, quizá una de las propuestas más arriesgadas que podemos encontrar en los últimos años. Tres muchachotes del sur, con sus largas cabelleras como único vestigio y testimonio de unas raíces bien ancladas en el rock y que bien podrían pasar tranquilamente como cualquier vecino de nuestro bloque. Marco Serrato, bajista de la banda, responsable de voces arcanas y entrevistado, es dueño de un peculiar sentido del humor en el que se cuelan anécdotas musicales con descripciones jocosas sobre bandas de todas las épocas, además de poco amigo de otorgar demasiada importancia a cualquiera de los logros de la banda. Le completan Ricardo Jiménez y Borja Díaz, guitarrista y baterista respectivamente. Pues bien, en este formato de trío que tan buenos resultados ha dado siempre (Rush, Motörhead o Cream), Orthodox se manejan en un contexto muy diferente a los citados, explorando las diversas vertientes de la lentitud en una interminable búsqueda de una voz nueva y diferente que siempre nos va a reclamar que olvidemos las prisas para adentrarnos a través de una digestión lenta y reposada. Seguramente si hubieran aparecido en los 80 o a principios de los 90 hubieran sido responsables de que a muchas cintas se les hubiera acabado rompiendo la banda magnética, fruto del desgaste.

Aunque actualmente gozan de renombre dentro de la escena más underground del doom y sus variantes más eclécticas, quizá es conveniente dar unos pequeños apuntes biográficos para quienes aún no los conozcan. La reseña que hizo el gurú y druida Julian Cope de su primer trabajo Gran Poder fue el detonante para que Southern Lord editara el disco en Estados Unidos e hiciera lo mismo con el segundo Amanecer en Puerta Oscura. De ahí, a ser aclamados en todos los foros especializados en nuevas tendencias y música experimental, sólo había un paso. Para que os hagáis una idea su primer álbum ahondada en los sonidos de Earth y bandas similares pero incluyendo la rica tradición musical cofrade andaluza. Sin embargo, esto tan sólo sirve para describir una pequeña parte, ya que en su segundo disco ampliaron enormemente sus miras incorporando elementos de otros géneros, como el free jazz. En esto les llega una curiosa oferta: el bailaor Israel Galván les ofrece participar en su espectáculo El Final de este Estado de Cosas, codeándose así con algunos de los mejores músicos flamencos actuales. En este momento, ya hubo muchos críticos que tuvieron que tirar a la basura la comparación con Sun O))), de la que muchos habían abusado para definir la música de una banda que no acertaban a etiquetar. Visto lo visto, intentaré no caer en el vano empeño de desentrañar el cúmulo de sonoridades y referencias que ya son una seña de identidad de la banda, sobre todo cuando son ellos mismos quienes nos las detallarán más adelante, así que empecemos con preguntas abiertas, aprovechando la estupenda disposición a la charla y la buena conversación de Marco. Hoy por hoy, ¿qué significa Orthodox para vosotros?

Sinceramente, no lo sé… es el proyecto en el que hemos volcado toda la energía que habíamos acumulado dentro desde que empezamos a meternos a fondo en la música. Ha sido la fuente de muchas satisfacciones para nosotros y una buena forma de sentirnos realizados. Pero también es duro porque somos tres personas negociando ideas que consideramos importantes y nos volvemos vulnerables y puede llegar a ser doloroso…

Supongo que vosotros mismos sabéis que vuestra música es caldo de cultivo por una parte para un público de oídos abiertos y bien curtidos, pero también para culturetas y modernos que quizá vean en vuestra música un halo de intelectualidad del que desean formar parte. ¿Lo veis así?

Siempre he tenido miedo de que pareciera que queríamos pasarnos de listos. Pero creo que a veces es la sensación que damos y por tanto atraemos a gente que también se pasa de lista… ¿somos todos una panda de gilipollas? Puede ser, o pueden que lo sean todos los que nos ignoran. En fin, todos somos un poco gilipollas, ¿no?

En multitud de entrevistas nombráis bandas hoy día consideradas pasadas de moda o incluso ridículas, como Manowar o Aerosmith, así que me gustaría saber qué tipo de discos olvidados por un sector del rock consideráis fundamentales.

Nos encanta rebuscar fuera de las etapas clásicas de las grandes bandas. Ya sabes, “Headless Cross” de Black Sabbbath, “Hold your fire” de Rush, “March or Die” de Motörhead, “X Factor” de Iron Maiden, “Fire of Unknown Origin” de Blue Öyster Cult… discos que ¡además suelen estar baratos! ¿por qué quedarse en los primeros de Sabbath y los cuatro clásicos de Motörhead? Nos encantan Manowar, es totalmente compatible con Cecyl Taylor o Ligeti… al fin y al cabo todos están locos y creen a muerte en lo que hacen, que es lo importante, ¿no? No es que seamos ningunos expertos ni conozcamos joyas olvidadas por nadie. Es más no dejarse influir por estúpidas reglas que algunos repiten como loros y no tener prejuicios en tragarse cosas que parecen “oficialmente” olvidadas o mediocres. Muchos de mis discos favoritos no son grandes clásicos ni dentro de las propias discografías de los mismos grupos. Algunos de mis clásicos veraniegos han sido “Cuatro” de Flotsam & Jetsam, “Opressing the masses” de Vio-lence, “Plastic Green Head” de Trouble… hay que defender esos discos que para ti son especiales aunque no aparezcan en ninguna lista hecha por un puñado de enterados que quieren quedar bien.

Creo que muchos sentimos esa especie de relación amor/odio con las típicas listas de discos, pero no puedo evitar la tentación de pediros vuestros 10 discos fundamentales, sabiendo que no serían 10 sino 1000, pero haced un esfuerzo porque también es ésta una buena forma de conocer los orígenes de vuestro sonido.

Es difícil escoger 10 discos que representen al grupo. Si lo hicieras por separado tendrías tres listas bastante distintas. Pero aún así voy a tratar de hacerlo pensando en discos que teníamos en mente cuanto comenzamos a tocar los tres juntos:

Sleep – Jerusalem
Mayhem – The Mysteriis Dom Sathanas
SunnO))) –White 1 y 2
Electric Wizard – Dopethrone
John Coltrane – Ascension
Neurosis – Through Silver in Blood
Black Flag – Process of Wedding Out
Earth – Pentastar
Om – Variations on a Theme
High on Fire – The Art of Self Defense

¿Y podrías mencionar los cinco músicos que más te hayan influido?

Cliff Burton, Neil Young, John Coltrane, Charles Mingus y J.S. Bach. Aunque mis grupos favoritos son Black Sabbath, Motörhead y Rush.

¿Cuál es vuestra opinión sobre el estado actual de la música? ¿Dónde y quienes pensáis que están haciendo hoy día los discos más interesantes?

Uf, la cosa está repartida. Anthony Braxton u Ornette Coleman siguen liándola, artistas japoneses como Keiji Haino o Acid Mothers Temple, el último disco de Burzum es una joya, también los que han sacado Tryptikon o Sarke… Espero ansioso el disco que se supone que están grabando ZZ Top con Rick Rubin. Neil Young o Rush mantienen buen nivel y obviamente también nos gusta gente como Melvins, Earth, SunnO))), Om, Cathedral, etc.

Ante la tópica afirmación de que la música hay que sentirla y que no hace falta haber escuchado muchas cosas para disfrutar de cualquier disco, ¿creéis sinceramente que un álbum como Sentencia es asequible para cualquier tipo de oído o sería recomendable tener algo de bagaje musical para contemplarlo en todo su esplendor?

Evidentemente “Sentencia” no es un disco para todo el mundo, pero tampoco lo es el de Andy y Lucas. Solemos gustar a gente diferente que simplemente es inquieta o curiosa. Tenemos los fans más extraños del mundo y además no suelen tener nada que ver unos con otros. Algunos tienen pinta de auténticos inadaptados…Y creo que eso es muy bueno.

¿Os sentís olvidados dentro del panorama musical español?

No demasiado. Podría ser peor…

Es interesante ver vuestro disco e, incluso, una entrevista, en el “Mondosonoro”. Es cuanto menos curioso cómo desde una publicación que podríamos calificar como “indie” se os ha prestado más atención que desde los medios tradicionalmente de rock. ¿El público del rock y el heavy en España no os entiende o ni siquiera se han enterado que existís?

Bueno, lo que son publicaciones de rock y metal nacionales dan un poco de vergüenza. Todo tiene ese aire viñarockero o bien alternativo enteradillo que se queda a la mitad. No se si nos entienden o no, más bien parece que no les interesa. Pero es un trato justo y recíproco. No nos quejamos.

Debo preguntaros, especialmente dada vuestras enormes diferencias con la mayoría de las bandas nacionales, vuestra opinión acerca de la música en España. ¿Qué grupos consideráis más interesantes actualmente?

Nos gustan grupos con los que tocamos o tenemos algún tipo de relación como Viaje a 800, Monkey Priest, Moho, etc. Pero en general estamos escasos de buenas bandas, sobre todo de grupos nuevos que hagan cosas nuevas y que puedan ir a festivales internacionales con la cabeza alta.

Vuestro último trabajo tiene momentos de una epicidad y primitivismo enormes, en parte gracias al personalísimo sonido que habéis conseguido extraer de la sección rítmica, ¿Cuántas horas de trabajo hay detrás del sonido –y me refiero a la parte técnica y no compositiva- en Sentencia?

Muchas. Orthodox comenzamos a tocar juntos a finales de 2004, en la primavera de 2005 ya teníamos planteado lo que sería el primer disco, así que ese mismo verano empezamos a trabajar en lo que ha acabado siendo el tercer disco cuando aún no habíamos grabado el primero. Nos costó mucho darle forma y concretar las ideas hasta que pudimos grabarlo en enero de 2009. Así que sí, lo grabamos muy rápido pero estuvimos más de cuatro años dándole vueltas. Eso sí, entre medias compusimos y grabamos “Amanecer en Puerta Oscura” y otras cosillas sueltas.

Quizá me equivoque, pero no he percibido realmente una evolución enorme con respecto a vuestro primer trabajo, sino más bien el tratamiento de una misma visión musical desde otro punto de vista. ¿Lo sentís así o de lo contrario Sentencia supone para vosotros un salto con respecto a lo anterior?

Estoy totalmente de acuerdo contigo. Muchos lo ven como una evolución o un cambio. Pero “Sentencia” guarda un espíritu muy similar al de “Gran Poder”… era como contar la misma historia con otras palabras.

El tema central de Sentencia debe suponer un trabajo compositivo enorme. ¿Son vuestras composiciones fruto más de un largo trabajo o de la improvisación?

La improvisación la usamos a veces para desarrollar ciertas partes y ver que ideas surgen. Pero luego vamos fijando cosas y dando un poco de forma a ese caos. A Ornette Coleman le criticaban diciendo gilipolleces como que “no se puede abrazar el caos”. Claro que se puede, simplemente es más complicado y no todo el mundo acepta el reto.

En vuestra entrevistas suelen aparecer en numerosas ocasiones nombres de escritores, guionistas, dibujantes y músicos, algunos de ellos, por decirlo de alguna forma, “alejados del gran público”. ¿Habéis temido en algún momento que vuestra imagen y música parezca demasiado culta, selecta o enrevesada?

Es culpa de la época que nos ha tocado vivir. Parece que casi se premie el ser un zoquete. Pero hemos crecido con grupos como Iron Maiden, Metallica, Bathory… y todos ellos hacían lo mismo ¿no? Leían libros, comics, veían películas… y de ahí sacaban inspiración para sus canciones. Es una tradición muy característica del hard rock y el heavy metal. Estoy seguro de que hasta Lemmy lee más que muchos de los profesores que tuve en la facultad.

Quizá aquí vayamos a pecar de reiterativos, pero en muchas ocasiones habéis hablado de la importancia de la influencia de la literatura y el tebeo en vuestra música, ¿Cómo se encajan Herman Melville o Robert Crumb en vuestro sonido?

Bueno, nos inspiran a la hora de trabajar los conceptos, plantearnos retos y por supuesto a ser trabajadores, llevar a cabo una idea y tratar de ser fiel a ti mismo. Ninguno hemos sido nunca fan de artistas autodestructivos de esos con mucho encanto tipo Kurt Cobain. Nos gustan los que trabajan y acumulan mucho material, los que no paran aunque la caguen, gente creativa y dedicada.

¿Habéis barajado la idea de tomar como referencia alguna obra en concreto para construir desde ella un nuevo disco? ¿Cuál sería?

Estamos barajando un título aún por confirmar. Pero puede que haya referencias a la figura del toro como símbolo desde la prehistoria en toda la cuenca mediterránea, también a Aníbal, a la Cádiz de los fenicios… En fin, una vuelta al paganismo protohistórico de “Geryon´s Throne”.

Algunos piensan que habéis ganado mucho al dejar los hábitos de penitente, en el sentido de que el público quizá esté más pendiente ahora de vuestro sonido que de vuestra imagen, ¿ha sido así?

Era una puesta en escena que nos sigue gustando a día de hoy. Ha habido conciertos muy redondos en los que el hábito de penitente ponía la guinda del pastel para crear la atmósfera ideal. Pero sí, por otro lado es un engorro… ante cualquier problema técnico se pierde la magia y quedas como un payaso. Hemos preferido ser un poco más prácticos.

¿Habéis sentido alguna vez en estos años centrados en Orthodox el deseo de hacer algo quizá más tradicional? Y me refiero a temas basados en estructuras típicas, ya sabes: riff, estrofa, puente, estribillo, etc. No como Orthodox, pero sí quizá como proyecto paralelo.

Bueno, canciones como “Solemne Triduo”, “Parte II. Apogeum”, “Matse Avatar” o algunos que estamos componiendo ahora tienen unas estructuras más tradicionales dentro de los cánones del heavy metal. Tienen nuestro sello, pero no son estructuras especialmente originales.

No sois una banda que se prodigue mucho por los escenarios patrios, ¿no hay muchos promotores avispados o simplemente preferís no estar continuamente en la carretera?

Si hubiera más interés y mejores ofertas tocaríamos un poco más. Pero el mundo de los promotores, salas, etc. es bastante casposo y no lo manejamos especialmente bien. Para salir a tocar perdiendo dinero, tiempo y energías preferimos seguir componiendo y grabando.

Vuestro trabajo con el bailaor Israel Galván es muy interesante. ¿Cómo surgió una colaboración así? ¿Qué tal resulta la experiencia ya de varios años participando de un proyecto así?

Pedro G. Romero, el director artístico de Israel oyó hablar de nosotros entre otros a Antonio Ramírez de la web Mentes de Ácido. Se puso en contacto con nosotros y a Israel le entusiasmó la idea. Es toda una experiencia trabajar con un artista tan creativo y genuino como Israel, además de haber podido trabajar con el fallecido Fernando Terremoto y ahora con Inés Bacán. Puede que acabemos haciendo un disco con algunos de los artistas que participan en el espectáculo… ya veremos.

Quizá una de las facetas más interesantes de Orthodox es la concepción casi global y peso que tienen otras disciplinas artísticas, puesto que otorgáis una importancia enorme a vuestros diseños –especialmente en Sentencia-, textos e idiosincrasia de la banda, además de vuestra estudiada visión de la música ¿Es así intencionadamente?

Aquí vuelvo a lo de antes. Siempre lo hemos hecho porque es lo que hemos visto en los grupos que admirábamos… Rush, Judas Priest, Hawkwind, Celtic Frost… se supone que es lo que hay que hacer, ¿no?

¿Está o ha estado alguna vez en vuestra cabeza la idea de de cambiar algo o aportar algo diferente a la música actual?

Claro, queremos creer que somos un grupo especial. Aunque estamos influenciados por otra gente y podamos ser similares a otros artistas pensamos que aportamos una visión diferente y que ofrecemos algo que no puedes encontrar en otros. Eso es lo que nos mantiene. Es más, no tendría sentido para nosotros si no fuera así.

¿Es vuestro sonido tan impenetrable de primeras que nadie se atreve a haceros una mala crítica por temor a quedar como un ignorante?

Que va, algunos nos han dado duro. No creas que todo han sido halagos.

Para quien no os conozca aún, ¿cómo le explicarías que tipo de música hacéis? Vendedle vuestro disco.

Hacemos una enorme mierda informe. ¡Mantente alejado de nuestros discos!

NR: En el momento de hacer esta entrevista aún no había salido su nuevo trabajo: un single (7”) titulado Matse Avatar, editado por Doomentia, y con dos temas nuevos “Matse Avatar” y “YHVH”, en los que aparecen de nuevo las guitarras tras el pequeño paréntesis que ha supuesto Sentencia para las seis cuerdas. Un pequeño aperitivo a la espera de la salida de su nuevo trabajo, que verá la luz en pocos meses.

Texto: Juan Manuel Vilches

Entrevista con Kike, Jony y Javi, guitarristas y batería de Kilmara respectivamente

locky — Tue, 07 Sep 2010 19:30:35 +0000

Semanas atrás ya publicamos en estas páginas la reseña de Don’t Fear The Wolf, segundo álbum de Kilmara. Ahora, Kike y Jony (guitarristas) y Javi (batería), nos cuentan cómo resultó la grabación en los Grapow Studios de Eslovaquia con el propio Roland Grapow (Masterplan) como productor, así como otras cuestiones acerca del disco y del futuro de la banda barcelonesa.

Es evidente que Don’t Fear The Wolf supera en calidad de sonido a Hunting Dreams. ¿Por qué os decidisteis por Roland Grapow para la producción y… cómo fue la relación con él? ¿Cómo conseguisteis el contacto?

Jony: Teníamos muy claro que esta vez había que salir de nuestras fronteras para darle la forma adecuada al disco que teníamos preparado. Era un material claramente europeo, así que me puse a buscar estudios por el myspace. Rolf Munkes (quien anteriormente masterizó Hunting Dreams) nos invitó a grabar en Alemania, en sus estudios y, por tarifas y trato, casi vamos a sus Empire Studios pero, de repente, se cruzaron por nuestro camino los Grapow Studios, con aparatos de primera, guitarras de ensueño, “amplis” de Helloween, la batería de Ingo (en paz descanse) comparamos producciones de ambos estudios y….ya sabéis quién ganó.

Contarme cómo se desarrolló el proceso de grabación. ¿Cuál pensáis que fue la parte más difícil del trabajo en estudio?

Javi: Lo cierto es que no tuvimos tiempo de pensar qué podía ser más difícil. Teníamos el tiempo tan ajustado y programado que, cuando a uno de nosotros le tocaba grabar, Roland no dejaba que se despistara ni un momento. Evidentemente, hubo partes difíciles pero era como estar en el colegio; siempre estaba el “profe” para resolver las dudas. En las partes de batería, por ejemplo, Roland quería cuatro tomas completas de cada canción. Yo tocaba el tema una y otra vez hasta que Roland me decía “Vale, ya tengo una toma. Ahora quiero tres más mejor que esta”. Sabía cómo compaginar momentos de pura disciplina con momentos de diversión. No sé… tenía claro que había cosas que podían o debían tocarse de manera intuitiva y otras que no. De vez en cuando alzaba el brazo con el puño cerrado y ponía cara de “¿lo veis chicos?, Este es el poder del metal”.

Jony: Creo que fuimos con mucha presión autoinculcada y luego nos encontramos a una persona abierta, que nos ayudó y enseñó muchísimo más de lo que imaginábamos. Podría decir que lo más difícil fue el día que me tocó grabar solos de guitarra desde las 10 de la mañana a las 11 de la noche con una hora de descanso para comer.

Kike: Estoy con Jony, nos autoimpusimos una gran presión, teníamos en mente que Roland era un tío muy aplicado y que no dejaba pasar una. Eso, sumado a que es un gran guitarrista, creo que nos creaba mucho estrés. Me tiré todo el mes de agosto con el Cubase practicando para ir con los deberes al día y, como dice Jony, nos encontramos a un gran músico y mejor persona del cual hemos aprendido muchísimo.

¿De quien fue la idea del solo de guitarra que aporta Roland?

Jony: Todos teníamos claro que Roland se tenía que mojar en un solo, pero no sabíamos bien dónde, así que, el momento en el que tocó grabar el solo de “Show Me The Way”, ejecuté mi solo y ví como hacía cara de gustarle el tema. Me dijo que le gustaba mucho a lo que le contesté que en la siguiente parte venía un solo de Kike y después era el “solo Roland”, nos echamos unas risas y me dijo: “Ok, ya veremos”. Estuvo bromeando con nosotros en plan, tengo un caché, etc… hasta el último día, en el que le comentó a Javi: “Puedes regrabar esta parte y hacerla perfecta? Hazla perfecta porque es mi solo”.

Jony

Sin perder la calidad en las partes de guitarra, se nota una gran mejoría sonora de la batería y el bajo. ¿Erais conscientes de que había que mejorar en ese aspecto o surgió como algo natural?

Javi: Yo me preocupé mucho con esto. Es más, en un principio, no quería grabar las baterías con Roland; pensaba que por culpa de la barrera del idioma no me entendería con él. Veía complicado el hecho de encontrar el sonido que yo quería sin tener mis cosas a mano. Por suerte grabé allí y ahora, cuando escucho el disco, pienso que lo único mejorable es mi ejecución.
Kike: En el anterior disco es verdad que la batería no estaba lo suficientemente presente y con la contundencia que está ahora, creo que en este aspecto hemos mejorado mucho.
Jony: Si de algo nos sirvió el anterior disco, fue para darnos cuenta de lo que podíamos mejorar y, las guitarras en el heavy metal tienen un protagonismo indiscutible, pero de nada vale si la base rítmica no golpea con fuerza tu pecho.
¿Las partes del bajo fueron compuestas por vuestro nuevo bajista o el anterior? A propósito… ¿a que fue debido el cambio?
Kike: Las grabó Salva… en la vida cada cual tiene el derecho de tomar el camino que crea adecuado, quizás la visión de cómo queríamos hacer las cosas los otros miembros de la banda no era la misma que la que tenía Salva.
Jony: Jose, nuestro actual bajista es un gran músico y en poco tiempo ha adaptado a su manera de tocar las canciones del disco. Nos ha dado un nuevo sonido y renovadas energías.

Javi: Mientras grabamos todo fue muy divertido pero al volver aquí, a nuestra vida real, hubieron muchas tensiones. Salva tomó la decisión de marcharse y nos costó aceptarlo. Ahora ya lo tenemos asumido y respetamos su decisión. Con Jose estamos viviendo una nueva etapa; lógicamente aporta una nueva visión a los temas, y creo que eso siempre es positivo.

La portada, el título del disco, la intro inicial y las tres partes de The Dark Inside tienen como protagonista al hombre lobo, queréis con ello mostrar algún tipo de metáfora relacionada con ese concreto arquetipo?
Javi: Cuando Wolf (nuestro cantante) llegó al local con la letra de esas canciones yo quise entenderlas en sentido metafórico. No temer al lobo para mí significa no temer a tus miedos. El Hombre Lobo es símbolo de esa violencia animal que todos llevamos dentro; en ocasiones nos ayuda a defendernos de situaciones adversas y en otras consigue que nos arrepintamos de nuestros actos. También vemos al lobo como víctima: prácticamente exterminado y en peligro de extinción; olvidando quizás que un día fue símbolo de libertad y génesis de civilizaciones. Hay muchas referencias al lobo y para mí, en cierta manera, está presente en todos los temas. Los miedos que esconde el ser humano son los que nos lleva a parajes oscuros; hay que librarse de ellos.
Kike: Creo que en estos tres temas se reflejan aspectos de la vida que todos estamos superando a diario, quizás los tres estadios del lobo (los tres temas del lobo) reflejan nuestros cambios de humor y de hacer frente a la vida reflejado en el personaje de un hombre lobo. Creo que cada cual puede hacerse un poco suyo cada tema y aplicarlo en su vida diaria.

Kike

A veces directos, en ocasiones más complejos… ¿Cómo definiríais el estilo de Kilmara, con qué grupos se os puede asociar
Jony: A nosotros nos gustan las canciones largas, que te van transportando a algún lugar de la imaginación. También nos gustan los temas rockeros, porque son las raíces y porque a todos nos mola divertirnos. No sé a quién nos parecemos más; he oído que tenemos cosas de Metallica, Iced Earth, Iron Maiden, Megadeth, Rage, Kamelot, Motley Crüe, Withesnake… en cualquier caso, nos gustan esos grupos, así que, si se nos ha pegado algo bueno de ellos, lo veo lógico.
Kike: Difícil de contestar, creo que en nuestros temas se ven reflejadas las influencias de toda la música que hemos “mamado”, como dice Jony tenemos un poquito de todos los grupos que ha nombrado y muchos más, no sabría decirte una banda concreta con la que pudieran asociarnos.
¿Hay alguna canción del álbum de la que se sientan más satisfechos por algún motivo especial?
Jony: Sin duda “Blindfold”, porque la compuse pensando en la persona a la que amo. Porque fue todo un reto conseguir la colaboración con la orquesta y porque Wolf consiguió ponerme la piel de gallina mientras grababa la canción.

Javi: Para mí también es “Blindfold”. Simplemente creo que es una canción muy bien hecha y muy sentida.
Kike: “Blindfold” es un temazo, pero hay otras grandes canciones. Como he leído por ahí, este disco está lleno de singles. Personalmente, disfruto con todas, “You Better Run” me encanta y como algo especial tengo “You Left Without A Reason”.En esta metí muchos sentimientos en su día.

Javi

Es evidente que en la canción Don’t Fear The Wolf hay un homenaje a Iron Maiden…

Jony: Totalmente, está hecho a posta. Añoro este tipo de estructuras en Maiden y así que le dimos ese final tan “maideniano”, con solos a lo Adrian/ Murray y “Javi McBrian” a la batería… jajajaja. La música que componemos es la que nos gustaría escuchar, simplemente. Un día escuchas un tema antiguo de alguna banda y dices… “ya no se hacen temas como este”, ni la propia banda, si sigue en activo, hace temas tan buenos. Así que, coges la guitarra, te pones en la piel de la banda de aquella época y dices; “¡¡esto es lo que me gustaría que hicieran!!” así surgió este “homenaje”.

Kike: A pero… se nota? Jejejeje. Realmene está buscado, Maiden es una banda que a Jony y a mí nos gusta mucho y ha sido una de nuestras grandes influencias.
¿Resultó complicado trabajar con la Orquesta de Cámara de Sant Boi?
Jony: Fue un gran reto, nuestro amigo Maiol nos ayudó a preparar partituras para tres voces, violines, violas y chelos. La orquesta disponía de tan sólo dos semanas para prepararlo y el día de la grabación, ni tan siquiera se habían mirado la partitura. Al principio pensé que eran demasiado prepotentes, por ser músicos clásicos. Me sentí un poco como si nos mirasen como a músicos de tercera. Se creían que con una hora de ensayo y otra de grabación ya bastaba. Pues, nada más lejos de la realidad, empezamos con problemas de afinación, las partituras de los chelos no estaban en “clave de fa”, bueno, un desastre por mil cosas. Al cabo de siete horas, la cosa sonó a música celestial, director y músicos reconocieron la grandeza de esa canción y… ojalá la toquemos en directo algún día con la orquesta al completo.

Kike: Era emocionante ver como encajaba todo a la perfección con nuestra música, en aquél momento uno sentía que estaba realizando una pequeña gran obra musical. Opino que el resultado ha sido magnífico.

La instrumental Dakujen Castle “suena” a que es un homenaje al lugar donde se grabó el disco…

Jony: Es un tema que compuse un par de meses antes de ir a grabar. Decidimos que cerraría el disco. Llegamos a Eslovaquia y aún no tenía título pero sabíamos que el titulo tenía que salir de allí, de esa aventura. En realidad no sabíamos ni si acabaríamos grabándolo.
Javi: Veíamos el final de la grabación y sabíamos que había que dar gracias por muchas cosas. Dakujem es “gracias” en eslovaco. Fue la primera palabra que aprendimos y creo que la última (jajajaja). Ni el mismo Roland, después de vivir seis años allí, sabía más de tres palabras! Así que nos pasábamos el día diciéndonos “Dakujem tío” unos a los otros… y Roland acabó contagiándose con esa estupidez. Lo de “Castle” es parecido. Jony tenía esa composición en la cabeza pero no pudimos escucharla hasta llegar a Eslovaquia. La llamaba “El Castillo” porque son un montón de guitarras haciendo cosas diferentes una encima de la otra. No sé… por extraña razón a mí también me suena un poco eslovaca. Allí escuchamos algo de música tradicional pero sería mucho decir que nos influenciara en algo. La última noche que yo estuve allí salimos de bares con Roland. Al entrar todo el mundo nos miraba… no sé por qué. Era raro no entenderse con nadie y pensar que Roland no podía disimular su cara de famoso. Pero fue allí cuando más fuerte pensé “gracias Roland por esta oportunidad, todo ha sido un sueño hermoso”.
Aunque seguro que ya os lo habrán preguntado más de una vez… ¿Cómo fue posible la incorporación de un cantante de nacionalidad alemana?
Jony: Pusimos un anuncio y nos llamó un tío con acento rarísimo; buscábamos un cantante que interpretara las letras en castellano y Wolf nos dijo que no había problema, que quería probar. Al principio cantaba las letras que teníamos en castellano, pero con un acento “guiri” que tiraba para atrás. Así que al final nos decidimos por el inglés, ya que para Wolf es segunda lengua.
¿Quien aporta las partes vocales femeninas?

Jony: Contamos de nuevo con Núria Martorell ( Nùa ), que participó con nosotros en Hunting Dreams y es una maravillosa cantante profesional de soul. En “Vampire Of Love” también canta Ester Raventós (Ster). Necesitábamos una voz algo lírica y contactamos con Aylin de Sirenia, quien encontró restricciones por parte de su actual sello discográfico. También hablamos con Itea de Niobeth, pero por problemas de logística no pudo ser, aunque nos recomendó a Ster, que es de Barcelona y tenía esa voz que buscábamos. Ha sido todo un descubrimiento y ahora Nùa y Ster forman parte de la familia Kilmara.

¿Cómo sobrevive en la actualidad una banda de rock, con tanta competencia y disminuyendo las ventas de discos debido a las descargas por Internet?
Kike: Difícil pregunta, supongo que tal y como lo hacemos ahora, teniendo otro trabajo del cual subsistir, aunque no perdemos la esperanza de poder dedicarnos casi al cien por cien a la música. El futuro para las bandas está en los directos, pero tal y como está montado el panorama de salas aquí en España la cosa es complicada. Cada día se da más el caso de que es la propia banda quien debe pagar la sala, en vez de ser al revés, que la sala contrate a las bandas para proporcionar un espectáculo a su clientela. Tal y como está esto montado, las bandas terminaremos por ser bandas y promotoras de conciertos.
Javi: En nuestro caso, sobrevivimos de manera lamentable. Combinamos nuestro trabajo con nuestra verdadera vocación. No poder dedicarle a esto al cien por cien de nuestro tiempo es algo que nos quema y que, muchas veces, nos lleva a situaciones que no nos gustan. Lo cierto es que la industria discográfica está muy tocada y nadie sabe cómo va a terminar esto. Me parece una paradoja que para los grupos como nosotros, Internet sea un arma de doble filo.
Don’t Fear The Wolf podría competir con muchas producciones de grupos extranjeros sin que se notase la diferencia. ¿Creeis que en España, a nivel de seguidores, no se sabe apreciar el producto estatal como se debería? ¿O está cambiando esa mentalidad?
Kike: En España siempre hemos tenido el tópico de que lo de aquí no vale y que lo de fuera es lo mejor; un tópico que creo cada vez es menos real.Aunque, en realidad, sigue pasando, quizás no tanto como antes. Tenemos grandes bandas y grandes músicos aquí… en unos meses cuando vea la evolución y transcendencia que ha tenido Don’t Fear The Wolf en la península podría contestar de una forma mas objetiva, aunque opino que si un disco es bueno sea en España o en la China eso la gente lo tiene que notar y valorar… tiempo al tiempo.
Jony: A mucha gente le parece cutre un grupo español cantando en inglés porque se tiene esa idea de que no pronunciamos bien. También hay una tendencia a pensar que el sonido de las bandas españolas deja mucho que desear. En estos aspectos Kilmara está por encima de eso, así que no valen excusas, con Don´t Fear The Wolf no hay diferencias con producciones internacionales porque es una producción internacional con un cantante internacional. Somos muchas bandas de aquí las que estamos sacando al mercado productos de alta calidad que poco a poco van haciendo entrar en razón a quien piensa que lo español es casposo. Hoy en día somos muchas bandas y no todo el mundo se tira a la piscina para lograr algo digno.
¿Algún apunte que deseeis añadir?

Jony: Hay muchos chavales que se están interesando por la banda y estamos muy agradecidos por la gran aceptación que está teniendo el disco. Sabed todos que podéis seguirnos en nuestra web kilmara.com, facebook, myspace etc…
Kike: Simplemente agradecer todo el apoyo recibido y la posibilidad que nos dais para darnos a conocer un poquito más cada día y así poder llegar a más gente. Un abrazo a todos.

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

Entrevista Danny (Breed77) – 27-05-2010 – “Estamos deseando tocar en España”

AMADO STORNI — Tue, 01 Jun 2010 15:05:23 +0000

Quizás el tema más recurrido para romper el hielo con alguien al que no conoces sea el tiempo. Hablar del tiempo ha sido muchas veces el germen de grandes conversaciones y amenas e interminables tertulias. Así quise empezar esta entrevista consciente de que hablar del tiempo es a veces el comienzo de una amistad que puede durar toda la vida.

AMADO STORNI: El último disco de Breed77 se titula “Insects”, ¿porque el título?

BREED77: Sin ser un álbum conceptual, quisimos comparar el mundo actual y la sociedad con el mundo de los insectos, con canciones que tienen una conexión unas con otras. Hemos llegado a un nivel de vida muy propio de los “insectos”.

A. S.: ¿Que añadirías o qué quitarías del disco ahora que ya está grabado?

B77: No quitaría nada. Añadiría un par de canciones nuevas que estamos componiendo ahora (Risas). Estamos muy contentos y orgullosos con el disco que hemos hecho. Este es un capítulo más de un libro titulado Breed77.

A. S.: He escuchado el disco varias veces y cada vez que lo escucho me gusta más. Aunque suene a tópico, ¿crees que este es vuestro mejor disco?

B77: Muchas gracias. Con la mano en el corazón te digo que sí. Aunque suene a tópico este es un disco más completo, más puro, con más energía y más progresivo que el anterior. Es nuestro tope musicalmente hablando.

A. S.: ¿Las canciones del disco son las que llevásteis al estudio o llevásteis alguna más de las que grabásteis?

B77: Teníamos más canciones que no llegaron a formar parte del disco. Teníamos las ideas muy claras antes de entrar en el estudio y muy pensado cómo queríamos el producto final.

A. S.: ¿Os sentís más a gusto cantando en inglés o en castellano?

B77: Es igual. Al ser de Gibraltar nos hemos criado hablando los dos idiomas. Un catalán seguro que lo entiende (Risas). Muchas canciones se componen sin saber en qué idioma las vamos a cantar.

A. S.: El próximo 26 de junio actuáis en España en el Festival Rock De Cervantes. Una buena oportunidad para daros a conocer un poco más al público español.

B77: Hemos tocado varias veces en España, con Mago de Oz, con Jorge Salán, con Muro. A nosotros nos hace mucha ilusión tocar ante un gran público como el español y en un gran concierto como ese.

A. S.: Hoy he entrevistado a Silver cantante de Muro.

B77: Dale recuerdos míos.

A. S.: ¿Qué piensas acerca de la situación actual de la industria de la música?

B77: Las compañías están esperando que salga algo nuevo. Es mucho más fácil descargarse la música. Hay un bajón en cuanto a la venta de discos y es de lo que vivimos los grupos. Aunque la situación ha de cambiar. En el pasado se ha abusado mucho. Los discos son muy caros. Si no ganaran tanto con ellos la gente volvería a consumir música ya que siempre se prefiere el original.

A. S.: ¿Tu crees que el público ha dejado de acudir a los conciertos?

B77: La gente no acude porque le guste menos la música sino porque hay menos trabajo (Risas). Cuando hay crisis lo primero que se quitan son los lujos y acudir a un concierto es un lujo.

A. S.: Después de tantos años, ¿qué es lo que más y lo que menos te gusta del mundo de la música?

B77: Lo que menos me gusta es el monopolio, el politiqueo y la falsedad del negocio. Sin generalizar, éste es un mundo muy ficticio y muy de conveniencia. Lo que más me gusta son los músicos que sentimos y todavía creemos en la música.

A. S.: Recomiéndame un disco de Breed77.

B77: El último (Risas).

A. S.: ¿Y una canción de Breed77?

B77: “The Battle Of Hatim”, del ultimo disco. Representa muy bien lo que somos. Es una canción muy heavy, con matices árabes y muy progresiva al final.

A. S.: ¿Que consejo darías a la gente que está empezando en la música?

B77: Que sean fieles a sí mismos. Hay muchos grupos y cada vez es más difícil. Hay que trabajar mucho y muy duro.

A. S.: ¿Quieres añadir algo más?

B77: Tendremos algunos conciertos más en España que están casi apalabrados. Estamos deseando tocar en España.

Así finalizó una entrevista que empezó hablando del tiempo y que acabó con la invitación por parte de Danny para conocernos en el backstage del Festival Rock de Cervantes. Para los más curiosos decir que aquella tarde en Madrid hacía un tiempo agradable y soleado mientras que en Londres estaba lloviendo.

Texto: AMADO STORNI

Entrevista Silver (Muro) – 28-05-2010 – “En este país no hay cultura musical”

AMADO STORNI — Tue, 01 Jun 2010 14:49:32 +0000

La reunión de Muro fue una de las mejores noticias del pasado año 2009. Pertenecientes a una generación más apasionada que materialista, solidarios y colegas, corazones de la calle y almas de barrio, a Silver y a un servidor nos une todo eso pero además la pasión por la Música. Y por Muro.

AMADO STORNI: Muro se separa en el año 2003 para volver a reunirse en 2009. ¿Es ésta una vuelta por necesidades musicales, económicas, o por seguir la moda actual que tienen los grupos de volver a reunirse?

SILVER: Es un poco de todo. La económica cuenta porque no nos gusta trabajar gratis, aunque es lo último de lo que se habla. Llega un momento en que te gusta rememorar tu mejor logro a nivel musical que ha sido Muro. De momento nos estamos divirtiendo.

A. S.: ¿Cuál es la formación actual de Muro?

S: La formación original. Lapi a la batería, Largo a la guitarra, Julito al bajo y yo a la voz.

A. S.: Después de tantos cambios, ¿crees que es la mejor formación de Muro?

S: Es la mejor porque es la original, la conocida y la que estuvo en el mejor momento de Muro y en el mejor momento de la música en esos tiempos.

A. S.: ¿Y qué aportan Muro a la música actual?

S: Experiencia sobre todo. Cada uno aporta su grano de arena. No hemos inventado nada aunque fuimos pioneros en imprimir cierta velocidad en los temas. No pretendemos inventar nada.

A. S.: ¿Sin Silver no existiría Muro?

S: Eso no debería decirlo ni decidirlo yo sino el público.

A. S.: Pero tú le insuflaste oxígeno al grupo, ¿no?

S: He sido el miembro que más ha estado en activo, el más constante y del que más han oído hablar. Aunque Muro hemos sido los cuatro. Con otras formaciones Muro no ha sonado igual.

A. S.: ¿Y sin Muro no existiría el speed metal en España?

S: Yo creo que hubiera existido pero hubiera tardado bastante más tiempo en llegar. A partir de nosotros hubo alguna banda, algunas llegaron y otras no, aunque no hubo una masificación del género.

A. S.: ¿Cuándo y dónde podremos disfrutar de Muro en directo?

S: Lo más cercano es el día 26 de Junio en el Rock de Cervantes en Alcalá de Henares. Estamos muy ilusionados de tocar en Madrid, organizando la gira que se llama “Por un puñado de dólares”. Para la gente que nunca ha visto a Muro en directo es una buena oportunidad de darnos a conocer.

A. S.: ¿Y para cuándo un disco en estudio?

S: Es algo que se dará según el transcurso de los acontecimientos. Ahora queremos que esto funcione y que la gente nos siga. No queremos ponernos a trabajar para que luego no tenga ningún tipo de repercusión.

A. S.: ¿Qué disco de Muro me recomendarías?

S: Por el momento que fue, por los cambios en cuanto a estilo musical que supuso y porque fue el disco en el que más me impliqué, “Telón De Acero”. Cualquier amante del metal de este país debería escucharlo.

A. S.: Es un disco que hace fans no solo al grupo sino al género.

S: Si.

A. S.: Es el segundo disco, aunque el primero, “Acero Y Sangre” es también un buen disco. Yo estuve en la grabación en la sala Barrabás.

S: Si. Muy buenos temas aunque la mayoría de los temas estaban compuestos antes de que yo llegara. Con “Telón De Acero” ya estaba integrado en la banda.

A. S.: ¿Y una canción de Muro?

S: La que más me excita a la hora de cantarla en directo es “Solos En La Oscuridad”, me vuelve loco. Con Silver Fist la llevamos en el repertorio.

A. S.: ¿Qué repertorio lleváis en directo?

S: Lo hemos basado en nuestros dos primeros discos, la etapa de los cuatro juntos. Hay algún tema extra además llevamos la versión de “Fast As A Shark” de Accept, y nos hemos preparado una versión de Rainbow “Spotlight Kid”. Aunque preferimos centrarnos en nuestros temas.

A. S.: Una pena lo de Dio.

S: Para muchos es como si se nos hubiera muerto un familiar. Se me pone la carne de gallina. Aunque me lo esperaba. Yo era fanático de Ian Gillan de Deep Purple, pero fue escuchar cantar a Dio…Si tuviera fuerzas y ganas yo mismo le organizaría un homenaje. Si no lo hago me gustaría formar parte de cualquier homenaje.

A. S.: ¿Qué piensas acerca de la situación actual de la industria de la música?

S: En este país el problema es que no hay cultura musical. Hay que dar a conocer la música a los niños desde pequeños en el colegio. Lo que vende es un tipo de música preconcebida. Cada vez la situación está peor porque la gente no acude a los conciertos, y tampoco compra discos. Cada vez hay más músicos y cada vez hay menos público.

A. S.: Después de tantos años, ¿qué es lo que más y lo que menos te gusta del mundo de la música?

S: Lo que más me gusta es la música en sí, la que se hace con el corazón. Hay cosas fuera del metal que me gustan, cosas muy puntuales. Lo que menos me gusta es que en este país el público no apoya la música. Todo se mueve porque la gente se mueve y si el público no se mueve imagínate las compañías, los medios, los promotores. Llega un momento en que el músico tiene que vivir de algo y compaginar música, familia y trabajo es muy complicado. Muchas veces incluso perdiendo dinero.

A. S.: Recomiéndame un disco.

S: Con “Made In Japan”, de Deep Purple, descubrí la música que me gustaba y “Rising” de Rainbow es un disco que me sigue poniendo los pelos de punta. También te recomiendo “Balls To The Wall” de Accept y “Masters Of Puppets” de Metallica.

A. S.: Por último, ¿que consejo darías a la gente que está empezando en la música?

S: Si sienten la música que sigan luchando mientras puedan aunque la cosa está muy mal y cuesta mucho. Que insistan hasta que lo consigan.

A. S.: ¿Quieres añadir algo más?

S: Muro tiene ganas de seguir vivo. Si nos conocéis somos los de antes pero mejores y si no nos conocéis ir a vernos y decidir si os gustamos o no.

Así lo haremos. Muchas gracias Silver por tus palabras y por devolverle a un servidor a su adolescencia más añorada.

Texto: AMADO STORNI

Entrevista a Jesús Maciá, de Darknoise: “La vida tiene cosas que están por encima de cualquier circunstancia”

locky — Sun, 23 May 2010 08:51:06 +0000

Después de diversas circunstancias, los murcianos Darknoise han podido publicar su debut discográfico, Insomne, un trabajo cuyas referencias recogen influencias de amplios horizontes. Jesús Maciá, su vocalista, repasa en esta entrevista las características de la banda así como el contenido de su ópera prima.

Desde que Darknoise se puso en marcha en 2004, diversas circunstancias han impedido que el grupo se desarrollase creativamente. Ahora, por fin, tenéis listo vuestro debut discográfico. Esto del rock… ¿es cuestión de fuerza de voluntad, de insistencia?

Yo diría que más bien es cuestión de constancia y mucho trabajo. Hemos tenido dificultades, el no tener una formación estable impedía poder avanzar más rápido y frustraba en muchas ocasiones cualquier aspiración o intención de hacer algo importante y, con Insomne, hemos roto con todos esos problemas que hasta nos hacían perder el sueño en ocasiones.

¿Cuéntanos cómo fue el trabajo en el estudio y qué tal la experiencia con Carlos Escobedo y Alberto Seara?

Pues hay algo que caracteriza a estos dos pedazos de profesionales, y es que en el estudio te hacen sentir como en casa. Cuando estás por los suelos te levantan rápidamente y cuando los pies dejan de pisar el suelo, te bajan al instante, te hacen estar seguro del trabajo y no sentir ningún tipo de reparo a la hora de opinar o decidir. Es cierto que en Cube se han hecho los mejores discos del rock en Español, y la verdad que es de agradecer el hecho de que ellos hayan estado súper implicados en este disco, donde cada nota ha sido analizada para dar el mejor resultado.

¿Llegasteis con las ideas claras de lo que queríais o una vez en el estudio las madurasteis más?

Las canciones iban bastante trabajadas, grabamos varias maquetas y se las enviábamos a Carlos, que nos iba dando indicaciones, también estuvo en algún ensayo preparando los temas y a trabajar en ellos. Entonces, las canciones llegaron bastante terminadas al estudio ya que la preproduccion se trabajó muy en serio. Pero, es cierto que, por muy trabajadas que estén, en el estudio se siguen cambiando cosas, y ha habido alguna canción que ha cambiado bastante después de grabarla. El concepto del estudio te permite poder probar muchas cosas y analizar cual es la mejor opción.

Describe cómo es la música de Darknoise… ¿dónde crees que encaja mejor vuestro estilo?

Pues Darknoise siempre ha definido su música como una mezcla de bases contundentes y mucha melodía en las voces, nuestro estilo no se cierra a ningún público concreto, Insomne tiene algunas canciones que una persona que no está acostumbrada a escuchar rock estaría abierta a escucharlo y tiene temas que le encantarían a los rockeros más puretas, así que nuestro público es muy amplio, desde el niño de 12 años que empieza a escuchar rock a un señor de 60 fiel seguidor de ACDC, al fin y al cabo esto es rock.

Vuestras canciones contienen guitarras vigorosas junto a voces melódicas… potencia combinada con sutileza… ¿Una fórmula para atraer a un público amplio?

No tenemos ninguna fórmula para hacer música, yo siempre digo que cuando hacemos una canción, hacemos lo que a nosotros nos gustaría escuchar, independientemente de a qué nos pueda sonar, o a qué se pueda parecer. Pero sí, creo que el sonido de Darknoise tiene personalidad propia.

Como vocalista, supongo que te encargarás de las letras… ¿cuáles son los temas que abordáis en ese aspecto y cómo es tu forma de encarar la creación de las letras, cómo surge la inspiración?

Pues las letras las suelo hacer yo, aunque Alberto, nuestro batería, tiene un gran talento para hacer letras y siempre hace sus aportaciones, incluso hemos llegado a experimentar en crear letras juntos y nació “Cada Segundo”.

Me gusta mucho escribir de madrugada, aunque cualquier momento es bueno para escribir si uno tiene la cabeza en su sitio y, sí, es cierto que cuando la vida te da los palos mas duros y los sentimientos afloran, salen los mejores versos.

Las canciones de Darknoise tratan tanto los grandes problemas como situaciones o aspectos individuales, un tema como “Cada Segundo” cuenta una experiencia personal; “Límite” habla sobre el cambio climático; “Penitencia” cuenta la historia de las personas que buscan riqueza sin importarle a quien puedan pisar, o “Vital”, que habla de que a pesar de caer y estar por los suelos la vida tiene cosas que jamás debemos olvidar y que están por encima de cualquier circunstancia.

¿Hay alguna canción del álbum de la que te sientas más satisfecho por algún motivo especial?

Pues sí, hay dos temas de los que me siento realmente orgulloso, el primero es “Cada Segundo” porque, a pesar de no dominar ningún instrumento, hice la base musical que, luego, entre todos, dimos forma, y tiene un significado especial; y por otro lado, “Exiliado”, que me parece la canción más completa; tiene dos grandes versos, el mejor estribillo del disco (a mi parecer), tiene caña y tiene mucho feeling y por supuesto, German de Skunk DF dejó su sello que la hace ser especial.

No os complicais mucho a la hora de poner los títulos, todos son concisos y de pocas palabras ¿Es una seña de identidad?

Aunque puede parecer así, es todo lo contrario, trabajamos mucho los títulos y damos mucha importancia a esta parte de las canciones pero, porque buscamos que una sola palabra pueda definir todo lo que la canción quiere transmitir. Y sí que es un sello de identidad, porque nos gustan los títulos que tienen una o dos palabras nada más.

¿Quienes dirías que son los vocalistas que te han inspirado en tu forma de cantar?

Pues hay varios cantantes que me han inspirado o me han ayudado a encontrar mi propio estilo; James Hetfield (Metallica) o Chad Kroeger (Nickelback) son vocalistas que me gustan mucho y a los que he estudiado bastante; Russel Allen (Symphony X) y también españoles como Carlos Escobedo (Sober) o German Gonzalez (Skunk DF). Además, siempre he admirado a Freddie Mercury, pero mejor no intentar algo parecido para no frustrarme, je,je, es el más grande.

¿Cómo observas la actualidad del rock estatal, piensas que evoluciona de forma positiva o crees que son necesarios algunos cambios?

La verdad que la música en sí no está en su mejor momento, cada vez son más los músicos y las bandas que ellos mismos gestionan todo y los menos los que tienen el apoyo de una multinacional, mas que nada, por que están desapareciendo las grandes discograficas o se están quedando tan solo con los superventas. Pero sí que veo una nueva generación, una nueva remesa de bandas que están sacando discos de gran nivel y que están trabajando muy bien para hacerse un hueco en el panorama y a las que los compañeros de profesion tenemos un gran respeto, bandas como Shinova, Otra Cara, Sexma, Automotive, Romeo o nuestros paisanos de Maleek y Nudo, tienen trabajos de mucha calidad y es cuestión de tiempo estar entre los grandes nombres.

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

Entrevista con El Pastuso vocalista de ¡Pendejo!: “Hacemos Helmetstoner con cojones del tamaño de Danny De Vito”

locky — Mon, 26 Apr 2010 10:04:53 +0000

El grupo holandés ¡Pendejo!, en su apuesta por cantar en español con acento sudamericano dentro de unos esquemas de metal corrosivo con ingredientes sorprendentes como la trompeta, está recogiendo sus frutos después de un duro trabajo y de poner en circulación su debut discográfico Cantos A La Vida. Para conocer las interioridades de está peculiar formación, nada mejor que recurrir a su vocalista El Pastuso.

Puedes hacer un resumen de vuestra conexión latinoamericana… ¿Cuántos años pasasteis allí?

Monchito y yo hemos pasado nuestra infancia en varios países latinos, por el trabajo de nuestros padres. Él vivió la mayor parte de su juventud en el continente, mientras que mi familia regresó a Holanda cuando yo tenía 7 años. Pero siempre mantuve esa relación con Latinoamérica; por amigos latinos en Holanda, o por vacaciones allí, y más tarde por trabajo.

¿El grupo se formó en América o en Holanda?

En Holanda, en el 2006.

¿Qué os hizo decidiros por el idioma español para cantar?

En mi banda anterior, ya cantaba la mitad de los temas en castellano. Tenía la idea en la cabeza de que no importaba cual sea el idioma para cantar. Una “huevada” idealista porque, por su puesto, sí importa. O sea, cada idioma tiene su ritmo, su sonido, su ambiente, su sentido, etc. Eso influye en los temas y en castellano parecían mejores y, además, cantar en castellano me salió mucho mas fácil que en inglés. Entonces, hablando sobre nuestros planes con ¡Pendejo!, antes de que realmente comenzáramos con ello Monchito y yo decidimos que debería ser cien por cien en español.

¿Las letras, están basadas en experiencias personales o son pura imaginación? En El Taxista Limeño, mencionan Lima y Guayaquil… ¿Cual es la historia que hay detrás?

Esa fue una experiencia personal. Yo estaba trabajando en Quito, Ecuador, en esos tiempos. Estaba de vacaciones en Lima, y ese taxista que me llevó desde el centro hasta la casa de mis amigos, en 20 minutos se convirtió de ser una persona muy formal en un asesor de sexología, ¡jaja! Al inicio era muy reservado, hasta humilde, pero cuando se dio cuenta de que a mi no me interesaba demasiado la formalidad, se relajó y, al final, me explicó como “culear” a mi novia en Guayaquil, ¡nojoda!. Y, perdida toda la vergüenza, también me enseñó unos dichos groseros limeños, ¡ja ja!. Y los otros temas… la mayor parte es una mezcla de experiencias personales y de imaginación o, como en “Juanita” y “Nadadoras”, son canciones con alguna crítica.

Algunas letras son muy crudas pero… os gusta incluir ingredientes humorísticos…

Si. Y, de vez en cuando, ni para nosotros es totalmente claro si la intención es humorística o seria… Pues, el álbum se llama Cantos A La Vida y, si uno canta a la vida, de ley tiene que incluir el humor de vez en cuando, para que el canto no sea demasiado amargo.

¿De dónde surgen los conocimientos para tocar la trompeta? Y, lo de incluirla en vuestra música ¿es para no perder el contacto latinoamericano? ¿Un toque de exotismo?

Desde pequeño ya tocaba la trompeta, aunque sin muchas ganas, porque los estilos musicales donde normalmente se incluye trompetas no me interesaban mucho. Se puede decir que la cosa comenzó con Helmet, imagínate. Fue una noche, a los aaaaños, que yo regresaba a la casa, bien “pegado” y sin ganas de dormir. Puse un disco de Helmet y comencé a seguir los riffs con la trompeta para que mis vecinos sufrieran un poco más. Sonaba de “pinga”. Entonces comencé a tocarla en temas de rock, finalmente también usamos efectos para darle un toque más interesante. Incluimos la trompeta en ¡Pendejo! primeramente porque nos gustaba. Después, la gente nos comentaba que esa combinación de castellano y la trompeta daba un sabor latino y quedaba muy bien. ¡Pues perfecto¡

¿Cómo definirían el estilo de Pendejo?

Bueno, la mejor definición fue de un “man” en Metacry.com: “Stoner rock en castellano con cojones del tamaño de Danny de Vito”. Tremenda caracterización, ¿no? ¡jaja! Danny de Vito es pequeñito, ¡pero, imagínate caminando con huevos de ese tamaño! En serio, el estilo de Pendejo tiene sus influencias del stoner, aunque tampoco creo que sea puro stoner. Yo diría que es “Helmetstoner”.

¿De qué canción estás más satisfecho y por qué?

Pues, eso cambia, ¿no? La que más me gusta a mi ahora es “La Ola Negra”, tal vez porque salió más dura, más oscura que las otras canciones. Pero también podría ser simplemente porque no la tocamos tan frecuentemente como los otros temas.

Flotadores impresiona por ser muy directa y enérgica… un buen inicio para Cantos A La Vida…

¡Pues gracias! Fue el primer tema que escribimos y nos dio la dirección a seguir en este álbum.

Por su parte, Arrecho Vengo también es potente pero, además, tiene una dinámica rítmica seductora…

Si, ese tiene un poco más groove en el coro.

¿Cuál ha sido la reacción de la prensa y público holandés?

Al inicio, la reacción de la prensa holandesa fue positiva, aunque no tan positiva como la de la prensa de habla hispana. Al ser en castellano no entendían las letras y por eso tampoco se entendía el humor, lo latino, la totalidad del álbum. Sin embargo, poco a poco se realizan reseñas más positivas, escritas por periodistas que sí saben algo de español. Y cuando tocamos, se ven personas del público que cantan las letras sin tener ni puta idea de que se trata. ¡Chévere!

¿Piensan seguir cantando en español en los futuros discos?

Claro. ¡Pendejo! en inglés no existe.

¿Cuáles han sido los vocalistas que han influido en tu aprendizaje musical?

Joder… Pues te doy unos vocalistas que me gustan y que he escuchado mucho, ok? A ver… Bon Scott, Todd Ashley, Page Hamilton, David Bowie, Nick Cave, Maynard de Tool, Zakk Wylde, Mark Lanegan, Layne Stayley …

¿Y los bajistas que han influido en Monchito?

Pues a él le gustan los bajistas que tocan en servicio de la música o de la canción. O sea, odia los bajistas que tocan demasiadas “vainas” sin que le favorezca al tema, aunque pueden ser muy buenos técnicamente. Tiene razón, ¿no? A mi tampoco me gustan los bajistas que tratan de llenar cada huequito con su alta técnica. Bueno, eso va para todo los músicos que están enamorados con su propia técnica, ¿no? Al Moncho le gustan bajistas como Billy Gould, Rex Brown y, por supuesto, Cliff Burton.

Estuvieron abriendo para Fu Manchu en España… ¿Qué tal la experiencia?, ¿Cuándo los tendremos de nuevo por aquí?

Muy buena la experiencia, un honor el poder abrir para ellos en Barcelona y Madrid. En este momento estamos tratando de montar una girita pequeña promocional en agosto y, después, el plan es hacer una gira por los clubs en otoño. A ver que pasa…

Y… ¿para cuando una gira por Sudamérica?

Pues, todavía no sabemos. La idea es comenzar en México y si las cosas salen bien, bajar desde allí.

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

Entrevista a Carlos (voz) y Jaime (guitarra), componentes del grupo vallisoletano MelQarT

locky — Wed, 21 Apr 2010 10:48:02 +0000

MelQarT, es una banda de Valladolid que acaba de publicar un nuevo álbum, Libre, en el que han puesto todo su esfuerzo para dar un salto cualitativo en su trayectoria iniciada en 2000. Con un estilo influenciado por el heavy metal de los 80 y formados por Carlos Sanz (voz), Jaime Pelillo (guitarra), Roberto Parrado (guitarra), David Segura (bajo) e Iñaki Lázaro (batería), nos pusimos en contacto con los dos primeros para conocer algo más de su historia y su nueva grabación.

A modo de introducción… ¿Cómo definiríais el estilo de Melqart, con qué grupos se os puede asociar?

Carlos: Nos identificamos como una mezcla entre cualquiera de las bandas españolas que despuntan en el panorama del heavy metal y una ensalada de los grupos extranjeros de heavy metal de los 80. Luego, nuestro público nos ha llegado a comparar con una inmensidad de diferentes bandas como Saratoga, Warcry, Judas Priest… y una larga lista de bandas, te lo aseguro. Así que nosotros lo llamamos “heavy melqart”.

¿De dónde procede vuestro nombre y cómo surgió la idea de llamaros Melqart?

Jaime: El nombre proviene de una deidad fenicia, MelQarT, que era como su dios principal en aquella cultura y época. Y la idea de llamarnos así fue cuando Iñaki y David (batería y bajista) lo vieron en una exposición sobre el Mar Mediterráneo, les gustó el nombre, lo comentamos en el local y la decisión fue rápida.

Libre es vuestro tercer álbum, ¿Cómo ha evolucionado la banda desde vuestros inicios y qué diferencias se pueden encontrar en este disco con respecto a los anteriores?

Carlos: Creo que hemos evolucionado en la forma y en la calidad de composición, sobre todo porque seguimos siendo fieles al “estilo Melqart” desde nuestra primera composición con la banda al completo: Reinos de Gloria.

Jaime: La evolución, aunque no vertiginosa, ha sido constante en cada disco. Mejores arreglos, bases rítmicas, melodías vocales, etc., han sido la pauta a seguir. Pero aquí no se queda, seguimos mejorando día a día para complementar las canciones y ofrecer un producto más interesante en el futuro.

¿Quién tiene más peso específico en el aspecto compositivo?

Carlos: Jaime siempre ha llevado la mayor parte del peso de la composición, y después, alguno de los demás componíamos otros temas. En Libre, hay más variedad de composición, Jaime y yo hemos compuesto la mayoría de temas del disco pero, en cada composición, sobre todo musicalmente hablando, participamos ampliamente los cinco; por eso siempre registramos las canciones a nombre de los que formamos la banda.

Jaime: Este disco ha sido el más variado en el tema de composición. Aunque la mayoría de las canciones provienen de ideas mías o de Carlos, es en el local cuando se completa el trabajo. De hecho, si te fijas en los créditos, siempre firmamos todos los temas por MelQarT, no hay individualidades en esto. Las letras suelen ser de una sola persona, pero con la música, cada uno aporta su experiencia e ideas.

Living Alone y Masters Of Fire (además del bonus The Last Day), son canciones cantadas en inglés en un disco donde prevalece el castellano. ¿Es una forma de decir que os gustan los retos? ¿Os arriesgarías a grabar todo un disco en inglés en el futuro?

Carlos: En el caso de ser en inglés, todas las letras serían de Jaime porque es el único que se atreve a componer directamente en el idioma anglosajón. Pero, bueno, todo sería que nos apeteciera, puesto que todos tenemos influencias de bandas extranjeras. Pero en un futuro posiblemente lejano.

Jaime: No se trata de un reto. Es algo que surgió cuando empezamos hace ya 10 años. Como es un tema que no habíamos hablado, yo escribía letras en ambos idiomas y los demás en castellano. Aunque lo hemos discutido varias veces, al final creo que conseguimos enriquecer la canción aún más con ello, ya que al desarrollar un esbozo de una canción, enseguida me viene a la mente el idioma en que debe ser cantada. Mientras no exista una presión externa por decantarnos por uno de los dos idiomas, seguiremos así. Respecto a grabarlo íntegro en inglés, no tendría sentido por lo que comentaba antes (me refiero a regrabar temas anteriores ya escritos). Tendríamos que enfocar la composición hacia el idioma y creo que estaríamos ya condicionados de antemano para crear nuevas canciones.

Sois una banda con unas letras bastante extensas, ¿qué temas tocáis en ese aspecto en este disco en concreto?

Carlos: Como puedes observar, hay bastante variedad, no solo el amor mueve el mundo hay muchas cosas importantes e interesantes que contamos en el disco y que seguro en un futuro seguiremos la línea de ofrecer variedad en los discos. Creo que la composición no hay que buscarla sino ella te encuentra a ti, depende mucho de tu estado de ánimo.

Jaime: La temática, dentro del estilo, es bastante variada. Hay historias habituales del día a día, pero ambientadas en otras épocas, con otros personajes y situaciones dispares. Hay otros que son más épicos como “Sin patria” o “Masters Of Fire” con sus toques de fantasía; otros, como “Sobre El Asfalto”, cuentan una historia real y actual. No cerramos ninguna puerta de cara a contar nuestras inquietudes.

La voz de Carlos está muy presente en algunas canciones (por ejemplo, en Nada), su estilo me suena muy español. ¿Puedes decirme cuál ha sido tu aprendizaje musical y los cantantes que pueden haber influido en tu forma de cantar?

Carlos: Me he formado vocalmente en la lírica y he aplicado todo eso a la música que realmente corre por mis venas, el rock y el heavy metal. Desde que tengo 13 años escuchaba a Freddy Mercury y Michael Kiske a todas horas, y aunque esos son mis preferidos existen muchos más y de otros estilos muy diferentes.

Y ya que estamos en el tema, ¿Cuál ha sido el aprendizaje musical de Jaime y qué guitarristas te han influido?

Jaime: Mi aprendizaje ha sido totalmente autodidacta. Gracias a Internet hay una cantidad enorme de tutoriales, clases prácticas, videos, foros, etc., con los que puedes enriquecer mucho tu forma de tocar un instrumento. En cuanto a guitarristas que me influyen, pues no sabría decirte. Me gustan muchos, pero después no identifico su estilo en mi forma de tocar. Alberto Cereijo, Armando de Castro, Vivian Campbell, Ross The Boss, Adrian Smith, Glen Tipton…. Realmente creo que me influyen más en el momento de componer canciones que a la hora de mostrar la técnica o estilo personal.

¿De qué canción del disco os sentís más orgullosos y por qué? Particularmente me ha llamado la atención “Masters Of Fire”, tiene un sonido muy internacional y la voz encaja perfectamente…

Carlos: Creo que todos disfrutamos mucho de “Sin Patria” y de los diez minutazos de música sin publicidad (jajajaja). Y porque la canción tiene cambios bruscos en sus líneas, que es lo que nos gusta a la hora de tocar, pero reconocemos que el publico es más variado a la hora de elegir su favorita.

Jaime: En mi caso, creo que “Sin patria” y “Sueños sin alcanzar 3” son las que mejor resumen el espíritu del disco en cuanto a la evolución, composición y detalles de las canciones. Me gusta mucho tocarlas e improvisar sobre ellas.
Respecto a “Masters Of Fire”, es de los pocos temas con temática inventada, y su base musical es una combinación de heavy metal clásico en su estrofa y estribillo junto con los ritmos más power en su riff principal. Logramos unos buenos coros, que le dan ese empaque y fuerza que nos gusta escuchar.

Contarme la historia de la saga “Sueños Sin Alcanzar” en Libre incluís las partes II y III, ¿Dónde se encuentra la parte I?

Jaime: La parte 1 se encuentra en nuestra anterior grabación, Esclavo Del Destino. El conjunto global trata de una pareja que, aunque ya planean su vida juntos, se tiene que separar temporalmente por diversos motivos. La primera parte nos introduce en la historia y el protagonista explica que tiene que marcharse pero volverá. La segunda parte está enfocada desde el pensamiento de la chica, ya que el tiempo pasa pero él no regresa, por lo que se pierde en sus pensamientos y está en una constante tristeza, tratando de entender por qué ocurrió todo. Y por fin, en la tercera parte, se descubre que el chico estaba ‘prisionero’ en sus movidas, pero logra regresar. En el estribillo y solo de la canción se expresa esa fuerza renovada y alegría por el futuro reencuentro de ambos. Creo que se terminará ahí la historia,

¿Cómo veis la actualidad del rock estatal. En qué se ha mejorado y por dónde seguimos estancados?

Carlos: Creo que hay bandas buenísimas en España a las que no se apoya mucho, hay poco movimiento. En los grandes conciertos y festivales siempre aparecen los mismos nombres un año tras otro. Y cuando no es así, echamos mano de bandas míticas que aseguran el beneficio. Es como si en la selección española no entraran nuevos jugadores jóvenes y siguiéramos tirando de Julio Salinas o Butragueño y Michel, bueno algo parecido.

Jaime: En cuanto a los músicos, creo que la escena está sana, no deja de generar nuevos talentos, bandas, etc, con una calidad increíble. Además, cada vez es más fácil obtener una buena grabación con poco presupuesto y darse a conocer gracias a Internet (myspace, blogs, webs), revistas especializadas, radios etc. Pero luego está el problema de promocionarse haciendo giras, tocando en salas, etc., ya que la mayoría de las veces no puedes contar con el apoyo adecuado y los medios técnicos son escasos, por lo que económicamente no es viable. Y en cuanto al público, de nuevo Internet pone a disposición un montón de bandas que antes sería impensable escuchar, pero creo que ha convertido a la música en algo consumible sin más, ya no se valora como antes el tener un disco o esperar un lanzamiento durante semanas para ir a la tienda a comprarlo. En parte es normal, pues lo tienes a un “click” de ratón, pero estamos en un período de adaptación y el futuro dirá por donde seguirá esta tendencia. La afluencia a los conciertos es cada vez menor, debido a la cantidad de oferta que hay todas las semanas. Las salas tienen lista de espera y, como consecuencia, las entradas son más caras, se escatima en medios, etc.

Y, por último, para cada uno… Si os diesen la oportunidad de tocar con una banda internacional de músicos de rock para un solo concierto ¿con quiénes la formaríais?

Carlos: Elegiría a Bryan May y los suyos; Queen. Y dedicaría mi actuación al cielo por si alguien me estuviera observando (Freddy).

Jaime: Pues me lo pones muy difícil!! Ronnie James Dio ya consiguió algo así cuando grabó el tema “Stars“, hace muchos años. Vamos a ver que tal sale el experimento: A la voz pondría a Michael Kiske ó Eric Adams; a la batería a Scott Travis; al bajo Markus, de Helloween, y a las guitarras…. buff!! Por ejemplo, Glenn Tipton y, ¿qué tal lo haría junto a Dave Murray o Kai Hansen? La verdad es que mis favoritos se centran en 3 o 4 bandas, jejeje.

ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ