Después de diversas circunstancias, los murcianos Darknoise han podido publicar su debut discográfico, Insomne, un trabajo cuyas referencias recogen influencias de amplios horizontes. Jesús Maciá, su vocalista, repasa en esta entrevista las características de la banda así como el contenido de su ópera prima.

Desde que Darknoise se puso en marcha en 2004, diversas circunstancias han impedido que el grupo se desarrollase creativamente. Ahora, por fin, tenéis listo vuestro debut discográfico. Esto del rock… ¿es cuestión de fuerza de voluntad, de insistencia?

Yo diría que más bien es cuestión de constancia y mucho trabajo. Hemos tenido dificultades, el no tener una formación estable impedía poder avanzar más rápido y frustraba en muchas ocasiones cualquier aspiración o intención de hacer algo importante y, con Insomne, hemos roto con todos esos problemas que hasta nos hacían perder el sueño en ocasiones.

¿Cuéntanos cómo fue el trabajo en el estudio y qué tal la experiencia con Carlos Escobedo y Alberto Seara?

Pues hay algo que caracteriza a estos dos pedazos de profesionales, y es que en el estudio te hacen sentir como en casa. Cuando estás por los suelos te levantan rápidamente y cuando los pies dejan de pisar el suelo, te bajan al instante, te hacen estar seguro del trabajo y no sentir ningún tipo de reparo a la hora de opinar o decidir. Es cierto que en Cube se han hecho los mejores discos del rock en Español, y la verdad que es de agradecer el hecho de que ellos hayan estado súper implicados en este disco, donde cada nota ha sido analizada para dar el mejor resultado.

¿Llegasteis con las ideas claras de lo que queríais o una vez en el estudio las madurasteis más?

Las canciones iban bastante trabajadas, grabamos varias maquetas y se las enviábamos a Carlos, que nos iba dando indicaciones, también estuvo en algún ensayo preparando los temas y a trabajar en ellos. Entonces, las canciones llegaron bastante terminadas al estudio ya que la preproduccion se trabajó muy en serio. Pero, es cierto que, por muy trabajadas que estén, en el estudio se siguen cambiando cosas, y ha habido alguna canción que ha cambiado bastante después de grabarla. El concepto del estudio te permite poder probar muchas cosas y analizar cual es la mejor opción.

Describe cómo es la música de Darknoise… ¿dónde crees que encaja mejor vuestro estilo?

Pues Darknoise siempre ha definido su música como una mezcla de bases contundentes y mucha melodía en las voces, nuestro estilo no se cierra a ningún público concreto, Insomne tiene algunas canciones que una persona que no está acostumbrada a escuchar rock estaría abierta a escucharlo y tiene temas que le encantarían a los rockeros más puretas, así que nuestro público es muy amplio, desde el niño de 12 años que empieza a escuchar rock a un señor de 60 fiel seguidor de ACDC, al fin y al cabo esto es rock.

Vuestras canciones contienen guitarras vigorosas junto a voces melódicas… potencia combinada con sutileza… ¿Una fórmula para atraer a un público amplio?

No tenemos ninguna fórmula para hacer música, yo siempre digo que cuando hacemos una canción, hacemos lo que a nosotros nos gustaría escuchar, independientemente de a qué nos pueda sonar, o a qué se pueda parecer. Pero sí, creo que el sonido de Darknoise tiene personalidad propia.

Como vocalista, supongo que te encargarás de las letras… ¿cuáles son los temas que abordáis en ese aspecto y cómo es tu forma de encarar la creación de las letras, cómo surge la inspiración?

Pues las letras las suelo hacer yo, aunque Alberto, nuestro batería, tiene un gran talento para hacer letras y siempre hace sus aportaciones, incluso hemos llegado a experimentar en crear letras juntos y nació “Cada Segundo”.

Me gusta mucho escribir de madrugada, aunque cualquier momento es bueno para escribir si uno tiene la cabeza en su sitio y, sí, es cierto que cuando la vida te da los palos mas duros y los sentimientos afloran, salen los mejores versos.

Las canciones de Darknoise tratan tanto los grandes problemas como situaciones o aspectos individuales, un tema como “Cada Segundo” cuenta una experiencia personal; “Límite” habla sobre el cambio climático; “Penitencia” cuenta la historia de las personas que buscan riqueza sin importarle a quien puedan pisar, o “Vital”, que habla de que a pesar de caer y estar por los suelos la vida tiene cosas que jamás debemos olvidar y que están por encima de cualquier circunstancia.

¿Hay alguna canción del álbum de la que te sientas más satisfecho por algún motivo especial?

Pues sí, hay dos temas de los que me siento realmente orgulloso, el primero es “Cada Segundo” porque, a pesar de no dominar ningún instrumento, hice la base musical que, luego, entre todos, dimos forma, y tiene un significado especial; y por otro lado, “Exiliado”, que me parece la canción más completa; tiene dos grandes versos, el mejor estribillo del disco (a mi parecer), tiene caña y tiene mucho feeling y por supuesto, German de Skunk DF dejó su sello que la hace ser especial.

No os complicais mucho a la hora de poner los títulos, todos son concisos y de pocas palabras ¿Es una seña de identidad?

Aunque puede parecer así, es todo lo contrario, trabajamos mucho los títulos y damos mucha importancia a esta parte de las canciones pero, porque buscamos que una sola palabra pueda definir todo lo que la canción quiere transmitir. Y sí que es un sello de identidad, porque nos gustan los títulos que tienen una o dos palabras nada más.

¿Quienes dirías que son los vocalistas que te han inspirado en tu forma de cantar?

Pues hay varios cantantes que me han inspirado o me han ayudado a encontrar mi propio estilo; James Hetfield (Metallica) o Chad Kroeger (Nickelback) son vocalistas que me gustan mucho y a los que he estudiado bastante; Russel Allen (Symphony X) y también españoles como Carlos Escobedo (Sober) o German Gonzalez (Skunk DF). Además, siempre he admirado a Freddie Mercury, pero mejor no intentar algo parecido para no frustrarme, je,je, es el más grande.

¿Cómo observas la actualidad del rock estatal, piensas que evoluciona de forma positiva o crees que son necesarios algunos cambios?

La verdad que la música en sí no está en su mejor momento, cada vez son más los músicos y las bandas que ellos mismos gestionan todo y los menos los que tienen el apoyo de una multinacional, mas que nada, por que están desapareciendo las grandes discograficas o se están quedando tan solo con los superventas. Pero sí que veo una nueva generación, una nueva remesa de bandas que están sacando discos de gran nivel y que están trabajando muy bien para hacerse un hueco en el panorama y a las que los compañeros de profesion tenemos un gran respeto, bandas como Shinova, Otra Cara, Sexma, Automotive, Romeo o nuestros paisanos de Maleek y Nudo, tienen trabajos de mucha calidad y es cuestión de tiempo estar entre los grandes nombres.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

El grupo holandés ¡Pendejo!, en su apuesta por cantar en español con acento sudamericano dentro de unos esquemas de metal corrosivo con ingredientes sorprendentes como la trompeta, está recogiendo sus frutos después de un duro trabajo y de poner en circulación su debut discográfico Cantos A La Vida. Para conocer las interioridades de está peculiar formación, nada mejor que recurrir a su vocalista El Pastuso.

Puedes hacer un resumen de vuestra conexión latinoamericana… ¿Cuántos años pasasteis allí?

Monchito y yo hemos pasado nuestra infancia en varios países latinos, por el trabajo de nuestros padres. Él vivió la mayor parte de su juventud en el continente, mientras que mi familia regresó a Holanda cuando yo tenía 7 años. Pero siempre mantuve esa relación con Latinoamérica; por amigos latinos en Holanda, o por vacaciones allí, y más tarde por trabajo.

¿El grupo se formó en América o en Holanda?

En Holanda, en el 2006.

¿Qué os hizo decidiros por el idioma español para cantar?

En mi banda anterior, ya cantaba la mitad de los temas en castellano. Tenía la idea en la cabeza de que no importaba cual sea el idioma para cantar. Una “huevada” idealista porque, por su puesto, sí importa. O sea, cada idioma tiene su ritmo, su sonido, su ambiente, su sentido, etc. Eso influye en los temas y en castellano parecían mejores y, además, cantar en castellano me salió mucho mas fácil que en inglés. Entonces, hablando sobre nuestros planes con ¡Pendejo!, antes de que realmente comenzáramos con ello Monchito y yo decidimos que debería ser cien por cien en español.

¿Las letras, están basadas en experiencias personales o son pura imaginación? En El Taxista Limeño, mencionan Lima y Guayaquil… ¿Cual es la historia que hay detrás?

Esa fue una experiencia personal. Yo estaba trabajando en Quito, Ecuador, en esos tiempos. Estaba de vacaciones en Lima, y ese taxista que me llevó desde el centro hasta la casa de mis amigos, en 20 minutos se convirtió de ser una persona muy formal en un asesor de sexología, ¡jaja! Al inicio era muy reservado, hasta humilde, pero cuando se dio cuenta de que a mi no me interesaba demasiado la formalidad, se relajó y, al final, me explicó como “culear” a mi novia en Guayaquil, ¡nojoda!. Y, perdida toda la vergüenza, también me enseñó unos dichos groseros limeños, ¡ja ja!. Y los otros temas… la mayor parte es una mezcla de experiencias personales y de imaginación o, como en “Juanita” y “Nadadoras”, son canciones con alguna crítica.

Algunas letras son muy crudas pero… os gusta incluir ingredientes humorísticos…

Si. Y, de vez en cuando, ni para nosotros es totalmente claro si la intención es humorística o seria… Pues, el álbum se llama Cantos A La Vida y, si uno canta a la vida, de ley tiene que incluir el humor de vez en cuando, para que el canto no sea demasiado amargo.

¿De dónde surgen los conocimientos para tocar la trompeta? Y, lo de incluirla en vuestra música ¿es para no perder el contacto latinoamericano? ¿Un toque de exotismo?

Desde pequeño ya tocaba la trompeta, aunque sin muchas ganas, porque los estilos musicales donde normalmente se incluye trompetas no me interesaban mucho. Se puede decir que la cosa comenzó con Helmet, imagínate. Fue una noche, a los aaaaños, que yo regresaba a la casa, bien “pegado” y sin ganas de dormir. Puse un disco de Helmet y comencé a seguir los riffs con la trompeta para que mis vecinos sufrieran un poco más. Sonaba de “pinga”. Entonces comencé a tocarla en temas de rock, finalmente también usamos efectos para darle un toque más interesante. Incluimos la trompeta en ¡Pendejo! primeramente porque nos gustaba. Después, la gente nos comentaba que esa combinación de castellano y la trompeta daba un sabor latino y quedaba muy bien. ¡Pues perfecto¡

¿Cómo definirían el estilo de Pendejo?

Bueno, la mejor definición fue de un “man” en Metacry.com: “Stoner rock en castellano con cojones del tamaño de Danny de Vito”. Tremenda caracterización, ¿no? ¡jaja! Danny de Vito es pequeñito, ¡pero, imagínate caminando con huevos de ese tamaño! En serio, el estilo de Pendejo tiene sus influencias del stoner, aunque tampoco creo que sea puro stoner. Yo diría que es “Helmetstoner”.

¿De qué canción estás más satisfecho y por qué?

Pues, eso cambia, ¿no? La que más me gusta a mi ahora es “La Ola Negra”, tal vez porque salió más dura, más oscura que las otras canciones. Pero también podría ser simplemente porque no la tocamos tan frecuentemente como los otros temas.

Flotadores impresiona por ser muy directa y enérgica… un buen inicio para Cantos A La Vida…

¡Pues gracias! Fue el primer tema que escribimos y nos dio la dirección a seguir en este álbum.

Por su parte, Arrecho Vengo también es potente pero, además, tiene una dinámica rítmica seductora…

Si, ese tiene un poco más groove en el coro.

¿Cuál ha sido la reacción de la prensa y público holandés?

Al inicio, la reacción de la prensa holandesa fue positiva, aunque no tan positiva como la de la prensa de habla hispana. Al ser en castellano no entendían las letras y por eso tampoco se entendía el humor, lo latino, la totalidad del álbum. Sin embargo, poco a poco se realizan reseñas más positivas, escritas por periodistas que sí saben algo de español. Y cuando tocamos, se ven personas del público que cantan las letras sin tener ni puta idea de que se trata. ¡Chévere!

¿Piensan seguir cantando en español en los futuros discos?

Claro. ¡Pendejo! en inglés no existe.

¿Cuáles han sido los vocalistas que han influido en tu aprendizaje musical?

Joder… Pues te doy unos vocalistas que me gustan y que he escuchado mucho, ok? A ver… Bon Scott, Todd Ashley, Page Hamilton, David Bowie, Nick Cave, Maynard de Tool, Zakk Wylde, Mark Lanegan, Layne Stayley …

¿Y los bajistas que han influido en Monchito?

Pues a él le gustan los bajistas que tocan en servicio de la música o de la canción. O sea, odia los bajistas que tocan demasiadas “vainas” sin que le favorezca al tema, aunque pueden ser muy buenos técnicamente. Tiene razón, ¿no? A mi tampoco me gustan los bajistas que tratan de llenar cada huequito con su alta técnica. Bueno, eso va para todo los músicos que están enamorados con su propia técnica, ¿no? Al Moncho le gustan bajistas como Billy Gould, Rex Brown y, por supuesto, Cliff Burton.

Estuvieron abriendo para Fu Manchu en España… ¿Qué tal la experiencia?, ¿Cuándo los tendremos de nuevo por aquí?

Muy buena la experiencia, un honor el poder abrir para ellos en Barcelona y Madrid. En este momento estamos tratando de montar una girita pequeña promocional en agosto y, después, el plan es hacer una gira por los clubs en otoño. A ver que pasa…

Y… ¿para cuando una gira por Sudamérica?

Pues, todavía no sabemos. La idea es comenzar en México y si las cosas salen bien, bajar desde allí.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

MelQarT, es una banda de Valladolid que acaba de publicar un nuevo álbum, Libre, en el que han puesto todo su esfuerzo para dar un salto cualitativo en su trayectoria iniciada en 2000. Con un estilo influenciado por el heavy metal de los 80 y formados por Carlos Sanz (voz), Jaime Pelillo (guitarra), Roberto Parrado (guitarra), David Segura (bajo) e Iñaki Lázaro (batería), nos pusimos en contacto con los dos primeros para conocer algo más de su historia y su nueva grabación.

A modo de introducción… ¿Cómo definiríais el estilo de Melqart, con qué grupos se os puede asociar?

Carlos: Nos identificamos como una mezcla entre cualquiera de las bandas españolas que despuntan en el panorama del heavy metal y una ensalada de los grupos extranjeros de heavy metal de los 80. Luego, nuestro público nos ha llegado a comparar con una inmensidad de diferentes bandas como Saratoga, Warcry, Judas Priest… y una larga lista de bandas, te lo aseguro. Así que nosotros lo llamamos “heavy melqart”.

¿De dónde procede vuestro nombre y cómo surgió la idea de llamaros Melqart?

Jaime: El nombre proviene de una deidad fenicia, MelQarT, que era como su dios principal en aquella cultura y época. Y la idea de llamarnos así fue cuando Iñaki y David (batería y bajista) lo vieron en una exposición sobre el Mar Mediterráneo, les gustó el nombre, lo comentamos en el local y la decisión fue rápida.

Libre es vuestro tercer álbum, ¿Cómo ha evolucionado la banda desde vuestros inicios y qué diferencias se pueden encontrar en este disco con respecto a los anteriores?

Carlos: Creo que hemos evolucionado en la forma y en la calidad de composición, sobre todo porque seguimos siendo fieles al “estilo Melqart” desde nuestra primera composición con la banda al completo: Reinos de Gloria.

Jaime: La evolución, aunque no vertiginosa, ha sido constante en cada disco. Mejores arreglos, bases rítmicas, melodías vocales, etc., han sido la pauta a seguir. Pero aquí no se queda, seguimos mejorando día a día para complementar las canciones y ofrecer un producto más interesante en el futuro.

¿Quién tiene más peso específico en el aspecto compositivo?

Carlos: Jaime siempre ha llevado la mayor parte del peso de la composición, y después, alguno de los demás componíamos otros temas. En Libre, hay más variedad de composición, Jaime y yo hemos compuesto la mayoría de temas del disco pero, en cada composición, sobre todo musicalmente hablando, participamos ampliamente los cinco; por eso siempre registramos las canciones a nombre de los que formamos la banda.

Jaime: Este disco ha sido el más variado en el tema de composición. Aunque la mayoría de las canciones provienen de ideas mías o de Carlos, es en el local cuando se completa el trabajo. De hecho, si te fijas en los créditos, siempre firmamos todos los temas por MelQarT, no hay individualidades en esto. Las letras suelen ser de una sola persona, pero con la música, cada uno aporta su experiencia e ideas.

Living Alone y Masters Of Fire (además del bonus The Last Day), son canciones cantadas en inglés en un disco donde prevalece el castellano. ¿Es una forma de decir que os gustan los retos? ¿Os arriesgarías a grabar todo un disco en inglés en el futuro?

Carlos: En el caso de ser en inglés, todas las letras serían de Jaime porque es el único que se atreve a componer directamente en el idioma anglosajón. Pero, bueno, todo sería que nos apeteciera, puesto que todos tenemos influencias de bandas extranjeras. Pero en un futuro posiblemente lejano.

Jaime: No se trata de un reto. Es algo que surgió cuando empezamos hace ya 10 años. Como es un tema que no habíamos hablado, yo escribía letras en ambos idiomas y los demás en castellano. Aunque lo hemos discutido varias veces, al final creo que conseguimos enriquecer la canción aún más con ello, ya que al desarrollar un esbozo de una canción, enseguida me viene a la mente el idioma en que debe ser cantada. Mientras no exista una presión externa por decantarnos por uno de los dos idiomas, seguiremos así. Respecto a grabarlo íntegro en inglés, no tendría sentido por lo que comentaba antes (me refiero a regrabar temas anteriores ya escritos). Tendríamos que enfocar la composición hacia el idioma y creo que estaríamos ya condicionados de antemano para crear nuevas canciones.

Sois una banda con unas letras bastante extensas, ¿qué temas tocáis en ese aspecto en este disco en concreto?

Carlos: Como puedes observar, hay bastante variedad, no solo el amor mueve el mundo hay muchas cosas importantes e interesantes que contamos en el disco y que seguro en un futuro seguiremos la línea de ofrecer variedad en los discos. Creo que la composición no hay que buscarla sino ella te encuentra a ti, depende mucho de tu estado de ánimo.

Jaime: La temática, dentro del estilo, es bastante variada. Hay historias habituales del día a día, pero ambientadas en otras épocas, con otros personajes y situaciones dispares. Hay otros que son más épicos como “Sin patria” o “Masters Of Fire” con sus toques de fantasía; otros, como “Sobre El Asfalto”, cuentan una historia real y actual. No cerramos ninguna puerta de cara a contar nuestras inquietudes.

La voz de Carlos está muy presente en algunas canciones (por ejemplo, en Nada), su estilo me suena muy español. ¿Puedes decirme cuál ha sido tu aprendizaje musical y los cantantes que pueden haber influido en tu forma de cantar?

Carlos: Me he formado vocalmente en la lírica y he aplicado todo eso a la música que realmente corre por mis venas, el rock y el heavy metal. Desde que tengo 13 años escuchaba a Freddy Mercury y Michael Kiske a todas horas, y aunque esos son mis preferidos existen muchos más y de otros estilos muy diferentes.

Y ya que estamos en el tema, ¿Cuál ha sido el aprendizaje musical de Jaime y qué guitarristas te han influido?

Jaime: Mi aprendizaje ha sido totalmente autodidacta. Gracias a Internet hay una cantidad enorme de tutoriales, clases prácticas, videos, foros, etc., con los que puedes enriquecer mucho tu forma de tocar un instrumento. En cuanto a guitarristas que me influyen, pues no sabría decirte. Me gustan muchos, pero después no identifico su estilo en mi forma de tocar. Alberto Cereijo, Armando de Castro, Vivian Campbell, Ross The Boss, Adrian Smith, Glen Tipton…. Realmente creo que me influyen más en el momento de componer canciones que a la hora de mostrar la técnica o estilo personal.

¿De qué canción del disco os sentís más orgullosos y por qué? Particularmente me ha llamado la atención “Masters Of Fire”, tiene un sonido muy internacional y la voz encaja perfectamente…

Carlos: Creo que todos disfrutamos mucho de “Sin Patria” y de los diez minutazos de música sin publicidad (jajajaja). Y porque la canción tiene cambios bruscos en sus líneas, que es lo que nos gusta a la hora de tocar, pero reconocemos que el publico es más variado a la hora de elegir su favorita.

Jaime: En mi caso, creo que “Sin patria” y “Sueños sin alcanzar 3” son las que mejor resumen el espíritu del disco en cuanto a la evolución, composición y detalles de las canciones. Me gusta mucho tocarlas e improvisar sobre ellas.
Respecto a “Masters Of Fire”, es de los pocos temas con temática inventada, y su base musical es una combinación de heavy metal clásico en su estrofa y estribillo junto con los ritmos más power en su riff principal. Logramos unos buenos coros, que le dan ese empaque y fuerza que nos gusta escuchar.

Contarme la historia de la saga “Sueños Sin Alcanzar” en Libre incluís las partes II y III, ¿Dónde se encuentra la parte I?

Jaime: La parte 1 se encuentra en nuestra anterior grabación, Esclavo Del Destino. El conjunto global trata de una pareja que, aunque ya planean su vida juntos, se tiene que separar temporalmente por diversos motivos. La primera parte nos introduce en la historia y el protagonista explica que tiene que marcharse pero volverá. La segunda parte está enfocada desde el pensamiento de la chica, ya que el tiempo pasa pero él no regresa, por lo que se pierde en sus pensamientos y está en una constante tristeza, tratando de entender por qué ocurrió todo. Y por fin, en la tercera parte, se descubre que el chico estaba ‘prisionero’ en sus movidas, pero logra regresar. En el estribillo y solo de la canción se expresa esa fuerza renovada y alegría por el futuro reencuentro de ambos. Creo que se terminará ahí la historia,

¿Cómo veis la actualidad del rock estatal. En qué se ha mejorado y por dónde seguimos estancados?

Carlos: Creo que hay bandas buenísimas en España a las que no se apoya mucho, hay poco movimiento. En los grandes conciertos y festivales siempre aparecen los mismos nombres un año tras otro. Y cuando no es así, echamos mano de bandas míticas que aseguran el beneficio. Es como si en la selección española no entraran nuevos jugadores jóvenes y siguiéramos tirando de Julio Salinas o Butragueño y Michel, bueno algo parecido.

Jaime: En cuanto a los músicos, creo que la escena está sana, no deja de generar nuevos talentos, bandas, etc, con una calidad increíble. Además, cada vez es más fácil obtener una buena grabación con poco presupuesto y darse a conocer gracias a Internet (myspace, blogs, webs), revistas especializadas, radios etc. Pero luego está el problema de promocionarse haciendo giras, tocando en salas, etc., ya que la mayoría de las veces no puedes contar con el apoyo adecuado y los medios técnicos son escasos, por lo que económicamente no es viable. Y en cuanto al público, de nuevo Internet pone a disposición un montón de bandas que antes sería impensable escuchar, pero creo que ha convertido a la música en algo consumible sin más, ya no se valora como antes el tener un disco o esperar un lanzamiento durante semanas para ir a la tienda a comprarlo. En parte es normal, pues lo tienes a un “click” de ratón, pero estamos en un período de adaptación y el futuro dirá por donde seguirá esta tendencia. La afluencia a los conciertos es cada vez menor, debido a la cantidad de oferta que hay todas las semanas. Las salas tienen lista de espera y, como consecuencia, las entradas son más caras, se escatima en medios, etc.

Y, por último, para cada uno… Si os diesen la oportunidad de tocar con una banda internacional de músicos de rock para un solo concierto ¿con quiénes la formaríais?

Carlos: Elegiría a Bryan May y los suyos; Queen. Y dedicaría mi actuación al cielo por si alguien me estuviera observando (Freddy).

Jaime: Pues me lo pones muy difícil!! Ronnie James Dio ya consiguió algo así cuando grabó el tema “Stars“, hace muchos años. Vamos a ver que tal sale el experimento: A la voz pondría a Michael Kiske ó Eric Adams; a la batería a Scott Travis; al bajo Markus, de Helloween, y a las guitarras…. buff!! Por ejemplo, Glenn Tipton y, ¿qué tal lo haría junto a Dave Murray o Kai Hansen? La verdad es que mis favoritos se centran en 3 o 4 bandas, jejeje.

 

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

Jeff Pilson, ha tenido la fortuna de trabajar junto a personajes importantes dentro de la música heavy. Sus más reconocidas participaciones nos traen a la mente, principalmente, los nombres de Dokken y Dio, aunque ha estado involucrado en otros muchos proyectos. El último, nada menos que junto a los remodelados Foreigner de Mick Jones, contribuyendo en el álbum Can’t Slow Down. Motivo suficiente para una toma de contacto que nos permita conocer algún dato de su colaboración y escusa para indagar en su excelente trayectoria como bajista.

Cuéntanos cómo se produjo tu vinculación con Foreigner. ¿Habías trabajado antes junto a Mick Jones?

Yo había trabajado en el 2000 junto a Jason Bonham en la película Rock Star (participó como miembro de una banda llamada Steel Dragon. NdR). Tuvimos una gran química entre ambos y cuando se unió a Mick Jones en 2004 para reformar Foreigner me llamaron. Fue genial desde el principio, nunca antes había tenido la ocasión de conocer a Mick.

Descríbenos el contenido de Can’t Slow Down.

Se trata de un set de 3 partes. Un CD con el nuevo material, que nos tiene bastante excitados; otro CD con remezclas de las grabaciones originales de algunos clásicos y un DVD en directo con escenas del backstage, fotos, etc.

¿Cuál fue tu nivel de implicación en el disco, aportasteis ideas el resto de los músicos participantes o Mick lo tenía todo listo para grabar?

Bueno, todos estuvimos involucrados pero la composición corrió a cargo de Mick, Kelly (…Hansen, el vocalista. NdR) y el productor Marti Fredericksen. Algunas partes fueron realizadas sobre la marcha en habitaciones de hotel. ¡Me encanta la tecnología actual!

¿Qué sensaciones te produce haber trabajado junto a profesionales tan impresionantes?

He sido muy afortunado por haber trabajado con grandes músicos durante mi carrera. Así que, estoy muy agradecido.

¿Alguna anécdota especial que se pueda destacar del proceso de grabación?

Bueno, puedo asegurar que grabar en las habitaciones de los hoteles es algo muy diferente de lo habitual. Pero, al fin y al cabo, ¡es trabajo!

¿En qué canciones de Can’t Slow Down te sientes más implicado?

Estoy muy orgulloso de tocar en Give Me A Sign. Es my homenaje al sonido Motown y a James Jamerson (bajista que tocó en la mayoría de los éxito de la Motow en los años 60. NdR). Fue toda una diversión.

¿Los músicos que habéis participado en Can’t Slow Down, también lo hicisteis en los clásicos de Foreigner que aparecen en la versión especial?

No, se trata de las grabaciones originales solo remezcladas y remasterizadas.

War And Peace, Lynch/Pilson… ¿Cuáles son tus planes dentro de estas formaciones?

Cuando tengo la ocasión voy componiendo y ahora dispongo material para un disco de War And Peace, solo es cuestión de encontrar el momento para grabar. En cuanto a Lynch, nos encantaría hacer algo, el asunto es encontrar el tiempo.

¿En qué banda has disfrutado más como bajista?

En todas las bandas en las que he estado he disfrutado tocando el bajo.

¿Ser bajista fue tu primera opción como músico o tuviste otras inquietudes?

La verdad es que me inicié directamente con el bajo. Durante un tiempo me tomé muy en serio lo de cantar y, además, me encanta realizar grabaciones en las que toco todos los instrumentos, pero siempre me vuelvo a enamorar del bajo otra vez.

¿Cómo conseguiste tu primer bajo?

¡Se lo compré a Eddy Ryan por 35 dólares¡

¿Cómo fue tu aprendizaje musical?

La primera canción que aprendí a tocar y cantar fue Born To Be Wild (Steppenwolf. NdR). Después continué con The Beatles y Led Zeppelin. Luego me lo tomé muy en serio con el rock progresivo, Yes, EL&P, Genesis, etc.

Se conoce muy poco de tu primer grupo Rock Justice. Cuéntanos algo de esa etapa.

Se trataba de un concepto tipo opera rock en la que Mike Varney y yo estuvimos implicados. Fue un proyecto encabezado por Marty Balin de Jefferson Starship y tanto Varney como yo formamos parte de la banda. Fue mi primera grabación para una discográfica importante y una valiosa experiencia.

En una sola frase, danos tu opinión sobre los siguientes músicos:

Don Dokken:
Mi gran hermano largo tiempo desaparecido. Podemos ser muy locos el uno con el otro, pero hay un profundo amor. Gran letrista.

George Lynch:
Como si fuera de mi familia. Uno de mis mejores amigos y mi alma gemela musical.

Michael Lee Firkins:
Un guitarrista genial

Michael Schenker:
Tampoco nada manco con la guitarra. Un tipo excéntrico.

Ronnie James Dio:
Una de las grandes voces del rock de todos los tiempos y uno de mis amigos más queridos.

Y sobre los siguientes bajistas

Jaco Pastorius:
Lo cambió todo. Muy melódico y con un excelente y poseedor de un tono asombroso.

Stanley Clarke:
El primer virtuoso real. Dejó a todos atrás con su estilo de chops (estilo característico del funky. NdR).

Phil Nynott:
Un músico completo.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

La joven formación madrileña Unsouled forma parte del cartel del Brutal Metal Fest, a celebrarse el próximo 24 de abril, donde compartirán protagonismo junto a varias fomaciones estatales. Además, tienen en el mercado su álbum debut, Start Over, de cuyas composiciones podrán disfrutar en directo quienes asistan al mencionado festival. Para conocer más a fondo a Unsouled, nos pusimos en contacto con José (guitarra y voz) y Javier (guitarra) quienes no tuvieron inconveniente en ampliar la información sobre la banda, además de ofrecer su punto de vista sobre diversos temas.

Unsouled es una banda con 6 años de actividad. Para quienes aún no os conozcan, ¿podéis contarnos cual ha sido vuestra trayectoria?

Javi (Guitarra): La banda comenzó su andadura hace 6 años, incluso algo más diría yo. Jose formó un grupo con 3 amigos del instituto sin más pretensión que tocar unas canciones y divertirse. Poco a poco fue tomando forma y fueron entrando y saliendo músicos hasta que, ya con una formación estable, decidieron grabar una maqueta, cambiarse el nombre en 2005 (el anterior era bastante feo ¡ja, ja!) , y así, sin hacer ruido, ha ido creciendo hasta lo que somos hoy día. Una banda seria y con mucho futuro. En 2006 ganamos un concurso de banda en Coslada. Eso, la grabación del disco Start Over y la correspondiente gira es lo más importante que nos ha pasado en nuestra carrera. Ahora, después de todas las buenas criticas que vamos obteniendo, tanto del CD como de nuestro directo, estamos muy satisfechos del punto en el que nos encontramos y con mucha ilusión de ver hasta dónde podemos llegar.

Jose (Guitarra y voz): Ha sido un periodo muy largo desde lo que es “la creación” del grupo hasta que hemos podido grabar nuestro primer disco. Entre medias de todo esto han ocurrido miles de anéctodas y experiencias que te van haciendo madurar y crecer como músico y como banda, pero es un buen resumen, está claro. Sin más que añadir (risas).

¿Cómo definirías vuestro sonido y con qué bandas se os podría asociar?

Javi: La base de nuestra música es el thrash metal , pero intentamos hacerlo un poco más original, añadiendo elementos que las bandas de este estilo no suelen utilizar , lo que dota a nuestra música de una gran riqueza para ser una banda cañera de thrash metal. En el disco se puede notar ya la evolucion que ha tenido el grupo en su trayectoria ya que hay temas como “Coldness”, ”Toy” o, ”Human Waste” que son de los inicios del grupo (incluso pertenecen también a nuestra primera maqueta ) y son mucho más directos que otros como “C. Elegans” o “Fire In The Wormhole” que son más técnicos y enrevesados. Sobre lo que comentabas de a que grupos se nos puede asociar… Bueno, pienso que a grupos como Metallica , Annihilator , Slayer , Death (sus últimos discos) algo de Pantera y, no sabría decirte, creo que uno de nuestros puntos fuertes es que tenemos nuestro estilo y no nos parecemos descaradamente a ningún grupo.

Jose: Es cierto que es evidente la relación, y que coño, la naturaleza de thrash metal que tiene la banda. Que muchas veces se hayan añadido matices poco utilizados en el estilo y eso. Lo diferente no es más que una cuestión estilística. La definición que ha utilizado mucha gente en algunos medios y en gran parte de las críticas recibidas no es tanto thrash metal progresivo, sino thrash metal moderno ¿?¿?(risas). Autodefinirse y demás es complicado, las etiquetas son sólo corsés y marcos en los que quedarse atrapado de no ser que sólo las utilices para dar una idea por ejemplo a alguien que no haya escuchado algo y necesite tener alguna referencia. En el resto de casos no soy muy partidario de usarlas. En fin, tenemos nuestra personalidad y nuestra manera de hacer las cosas, pero está claro que el sonido thrash metal es nuestra naturaleza.

Start Over es vuestro debut discográfico, ¿habéis tenido que pasar muchas dificultades hasta alcanzar el sueño de todo grupo, poder grabar un disco?

Javi: Pues no lo sabes bien , supongo que no más dificultades que cualquier otro grupo; muchísimas. Lo primero es componer un buen puñado de canciones que merezcan la pena para poder incluirlas en un CD con sonido profesional. Eso, para unos chavales que están empezando es difícil (de ahí que pase tanto tiempo). Una vez las tienes, toca ahorrar la pasta suficiente para grabarlo, y esto ya depende del modo que lo quieras hacer. Nosotros hemos decidido ir a lo grande, a tope dentro de nuestras posibilidades. Esto dificulta mucho más las cosas ya que hemos necesitado juntar el dinero y, después, el nivel de exigencia a la hora de grabar era muy alto.

Jose: La cuestión “dinero” en una banda que no recibe ningún apoyo ni inversión de terceras fuentes se convierte en un gran problema para una formación joven. Con cierta edad no tienes aún la independencia económica necesaria como para meterte en proyectos del nivel, calidad y exigencia como ha resultado ser Start Over. Que en el interior de la banda las cosas vayan bien es algo importantísimo también. En nuestro caso, en los años anteriores a la grabación tuvimos cambios dentro del grupo, y hasta que la banda no está al cien por cien y la gente con la que cuentas tiene la mentalidad e ideas adecuadas para tirar un trabajo con seriedad es muy arriesgado meterse en ello.

¿Cómo se desarrolló el proceso de grabación y quién se hizo cargo de la producción?

Jose: El disco se grabó en los estudios New Life de Madrid. De la producción se hicieron cargo Daniel Melián y Jose Garrido. Después de evaluar su trabajo en anteriores discos decidimos hacerlo con ellos. Observar la calidad de anteriores resultados es algo que tienes mucho en cuenta, si no lo que más, antes de decidirte por un estudio u otro. Sin embargo, una vez estás dentro aparecen otros factores que descubres en el momento y que además tienen una importancia enorme como, por ejemplo, el feeling entre los productores y la banda. La música que has creado es tu sentimiento y sensaciones más personales, y cuando tienes que dejar esto en manos de alguien que va a ayudarte a darle forma a todo, el trabajo gana enteros por el hecho de que haya conexión entre las personas. Después de la experiencia somos muy buenos colegas de Jose y Dani, a quienes no conocíamos de nada. En cuanto a las sesiones, las fuimos cuadrando con nuestros trabajos para que cada uno pudisese grabar sus partes de la manera más cómoda.

Javi: Una vez que nos dieron la mezcla lo llevamos a masterizar a Finlandia en los prestigiosos estudios Finnbox (Children Of bodom , Nightwish, Lordi) donde Mika Jussila hizo un gran trabajo (como siempre) y le puso la guinda al pastel. El master es el último toque que se da a un disco y puede condicionar de manera positiva o negativa el resto del trabajo, así que, enviarlo a profesionales que ofreciesen buenas garantías tenía que ser nuestro objetivo. A mi modo de ver creo que el disco suena como un cañonazo, estamos muy satisfechos.

¿De dónde surgió la idea para vuestro nombre?

Javi: Se le ocurrió hace ya bastante tiempo a Carlos Ayuso (batería), la idea gustó, la sonoridad también y luego quedó un logo muy acorde con el grupo. En realidad en inglés no tiene traducción (sería desalmado, pero no existe en inglés); el significado viene de la falta de humanidad que hay entre las personas de este mundo que, a nuestro modo de, ver va in crescendo y no sabemos hasta que punto puede llegar.

Jose: Después de cambiar varias veces de componentes en el grupo y de tomar una dirección concreta en un momento dado de nuestra historia, pensamos que era el momento de “re-crear” el grupo. Ya no eramos la misma gente, las cosas comenzaban a apuntar hacia otra parte etc. Era el momento y buscamos. Desde luego el nombre encajaba perfectamente con nuestra música y nuestro concepto.

¿Cuáles son los principales temas que tocáis en vuestras letras?

Jose: Son letras abiertas, que dejan que cada oyente le aporte su significado. Evidentemente al escribirlas tengo una idea concreta, me baso en situaciones, siempre personales y cuyas sensaciones conozco perfectamente. Luego le quitas los nombres propios a esos determinados momentos y solo te quedan los sentimientos y las sensaciones. De ahí que otra persona en su experiencia personal, identificándose con ese tema, lo lleve a su terreno. También pensamos que escribir de esta forma es más bonito, ya que cuando haces tuyo algo, lo vives de manera diferente. De todas maneras en las letras sí se aprecia un mensaje claro. Principalmente tratan de las personas y las relaciones entre ellas en el mundo actual, y nuestra visión sobre éste. Pensamos que la primera impresión, la superficialidad, el transimitir una idea, la necesidad de identificarse con algo… todo esto son los motivos con los que la gente actúa. Hay mucha falsedad en el interior de las personas. Encontrar alguien en quien realmente veas la sencillez, el honor, la fidelidad, la naturalidad es muy, pero que muy complicado. Se va a la mierda esto (risas). A raíz de ahí las canciones tratan por ejemplo de esa frialdad y superficialidad, deterioro de las relaciones entre amigos, traiciones y desengaños que vas sufriendo etc.

¿Cómo observáis la actualidad del rock nacional, pensáis que evoluciona de forma positiva o creéis que aún necesita algún cambio?

Javi: Bueno yo creo que en España hay muy buen nivel en cuanto a bandas de todo tipo de rock y metal, creo que evoluciona a un nivel aceptable. Pienso que lo único que falta es que salga alguna banda grande a nivel mundial y se demuestre que España también sabe exportar bandas punteras al resto del mundo y así poco a poco las grandes discográficas extrajeras a nivel mundial apuesten por bandas españolas.

Aparte de todo esto, los fans españoles también miran con cierto recelo a las bandas de aquí por el simple hecho de cantar en inglés aunque poco a poco esto se va corrigiendo. Pero aún queda un larguísimo y arduo camino por recorrer. Como te digo, a nivel de bandas es cuestión de tiempo que salga alguna puntera y, a nivel de publico, poco a poco se irá creando tradición en España como la hay en otros países. Aquí sabemos que el tipo de música que hace Bisbal y las bandas tipo El Barrio, es lo que más tira a la gente y ese es el legado de nuestro país pero, poco a poco, el rock y el metal deberán hacerse un hueco a base de buenas bandas y de buenos conciertos y ofrecer alternativas musicales de calidad.

Jose: Efectivamente, el problema no está en la calidad de las bandas. Ya han pasado años y aquí hay gente a un nivel por encima del de grupos que vienen de fuera. El único problema es que algo rompa el hielo y se deje de tener siempre ese escepticismo con los grupos de aquí. Cuántas veces observas situaciones en las que el propio oyente español tiene sus prejuicios con bandas de su país. Por ejemplo, una misma noche en la que se quiera salir a ver un concierto. Echas un ojo y ves varias posibilidades. Un grupo de fuera cuya música es más de lo mismo, formulera y demás puede costar 18 €. En cambio, un concierto de gente de aquí, bandas con frescura, que están dándolo todo por hacer oir su visión musical está entre 6 y 10 €. Siendo sinceros, ¿cuánta gente tomaría la primera opción, solo por el hecho de que si algo viene de fuera, será de mejor calidad? Entre nosotros este concepto tenemos que cambiarlo y, desde luego, en las bandas recae la responsabilidad de hacerlo a base de dar buenas razones con buenos trabajos y conciertazos en directo.

¿Qué produce mejores sensaciones, el lanzamiento de un disco o actuar en directo?

Javi: A mi, personalmente, lo que más me gusta es tocar en directo, aunque eso lo haces muchísimas veces más que lanzar un disco, así que, no sabría que decirte. La sensación de escuchar los temas que tantas veces has tocado bien grabados y con calidad de audio profesional también es muy gratificante y escuchar las críticas de la gente y de los medios es muy positivo, en este caso, al ser el primer álbum es aún más emocionante ya que es tu carta de presentación y la expectativa es mayor. La siguiente vez ya no será igual porque ya habrán oído el primero (algunos jejeje) y la gente más o menos sabe lo que va a escuchar. Aun así, la adrenalina de un concierto y la conexión con el publico es una sensación que no se puede explicar. Yo prefiero tocar en directo.

Jose: Son conceptos diferentes. Siempre hemos oido hablar de bandas que en directo “ná de ná”, pero que en estudio se marcan unos trabajos que flipas escuchándolos. Y al revés, bandas con trabajos en disco que se quedan mediocres, pero que asistes a un concierto suyo y te cagas. Yo creo que el directo es el momento de mayor contacto y comunicación con la gente a través de tu música. Es “El Mometo” (risas). Sin embargo a la hora de grabar tus temas, de saber que ese es el momento de plasmar tu trabajo de tanto tiempo, probar cosas, darle forma… es una experiencia cojonuda, aunque diferente. Yo me quedaría con ambas (risas), pero si tuviera que decantarme por una, sería el directo.

¿Qué significa para vosotros la oportunidad de participar en el Brutal Metal Fest del próximo 24 de abril?

Javi: Bueno, es un concierto especial para nosotros en el aspecto de que vendrá mucha gente que no nos ha visto nunca tocar en directo o que ni si quiera nos conoce. Es un buen momento para que se enganchen al grupo y nos sigan la pista. Por otro lado, es un concierto más de nuestra gira y en todos y cada uno de ellos damos el máximo, da igual si tocamos con Koma o con otra banda underground o si hay 40, 100 ó 1000 personas, nosotros tratamos de divertirnos dando el máximo y que el publico disfrute de un buen concierto y se vaya satisfecho a casa. Y, si puede ser, con nuestro CD entre las manos para seguir disfrutándolo.

¿Alguna reflexión final que deseeis transmitir a nuestros lectores?

Javi: Que ha sido un placer contestar a esta entrevista y enviarles un saludo muy fuerte de toda la banda y, si quieren escuchar algún tema nuestro o quieren algún tipo de información, visiten nuestro wyspace. Os esperamos en el Brutal Metal Fest. ¡!!!!

Jose: Muchas gracias por vuestra entrevista y a vuestros lectores por interesarse y pasar un rato conociéndonos. Decir que si tenemos oportunidad de conocernos y de vernos las caras en directo, estáis todos invitados y no os los podéis perder. Estamos tocando en todas partes para no dejar ni un sitio sin visitar. ¡Nos vemos en los conciertos!

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Nocturnia se encuentra promocionando Días de Ceniza, su tercer disco después de En Busca del Tiempo (2004) y Espejismos (2007), y en el que han puesto todo su empeño por ofrecer un trabajo profesional y, de paso, dejar atrás los tiempos difíciles para mirar el futuro con optimismo. José, el batería, nos pone al corriente de las novedades de la formación toledana.

Junto a Salva y Rober (guitarristas), fuisteis quienes dieron forma a lo que es en la actualidad Nocturnia. ¿Ha cambiado mucho tu percepción de lo que es una banda de rock desde los inicios hasta ahora?

Cuando empezamos a pensar en hacer un grupo ya teníamos bastante claro que no existe ni el bombazo ni el camino de rosas, con lo cual, lo que nos hemos encontrado durante todo este trayecto es en verdad mucho mejor de lo que esperábamos. Ha habido mucho compañerismo con otras bandas, mucha gente en los conciertos y el apoyo de muchos medios que no creíamos posible. Por lo tanto somos afortunados al tener las experiencias que hemos tenido. Pero claro, nosotros, siempre pedimos más y ahora tiene que venir lo mejor…

Sois una formación relativamente joven, comenzasteis en el 2001, para quienes aún no os conozcan, ¿cómo definirías vuestro sonido y con qué bandas se os podría asociar?

Bueno, eso es muy personal. Creemos que a lo largo de estos años hemos podido definir un estilo muy característico, alejado de los clichés. Hacemos un metal moderno, que a veces transita por pasajes oscuros pero que gracias a la voz de César, uno de los mejores del país, nos asentamos también en el heavy clásico. Depende de con quién hables te contará una cosa u otra. Nosotros apostamos por el sonido Nocturnia.

¿Qué diferencias encontrarán los seguidores de Nocturnia en Días De Ceniza con respecto a vuestros anteriores trabajos?

La diferencia crucial radica en la calidad de la grabación, en que hemos cuidado todos los detalles desde que nos metimos en el estudio, en la grabación, en la mezcla, masterización, hasta llegar a la edición de la portada y el libreto, que también garantizamos de gran calidad. Para este disco hemos cuidado hasta el último detalle y eso se nota cuando coges el digipack y analizas tanto la música como la presentación.

De entre las canciones del disco, ¿hay alguna que te gustaría destacar por algún motivo especial? ¿En qué temas crees que tu labor de batería destaca más?

La filosofía del grupo es que las canciones están por encima de las individualidades, y todos nos ponemos a su servicio. Creo que hemos llegado al punto de componer pensando en el beneficio de la canción y eso se nota al escuchar cada tema y ver que no hay nada que sobre ni falte. Desde luego tengo mis canciones favoritas, pero lo son por la ilusión que me hace tocarlas, no porque mi labor destaque más o menos.

Es sabido que en la producción de las voces ha intervenido Tete Novoa de Saratoga pero, cuéntanos cómo y con quién se desarrolló la grabación y producción general del álbum.

Esta vez la producción de la grabación ha corrido a cargo del propio grupo, porque nos vimos con fuerza para ser los productores y porque todo el trabajo de composición en el local estaba acabado, no veíamos necesario que nadie incluyera nada. Además fuimos capaces de encontrar a la gente idónea para que el resultado final fuera el que andábamos buscando. En este sentido, la elección tanto de los estudios Tiramillas, la portada de Thomas Everhard, y las colaboraciones de Tete y de Raquel han sido fundamentales.

Días de Ceniza es un disco con muchos matices, ¿qué parte de la producción crees que resultó más difícil?

La parte más difícil para nosotros siempre es la composición. Date cuenta que la forma que tenemos de componer es dando importancia a cada uno del grupo, con sus opiniones que no siempre van todas en la misma dirección. Por eso es un proceso laborioso, que deja en cada canción muchos guiños a cada uno de nosotros, porque al final son parte de cada uno.

¿Cómo surgió la colaboración de Raquel Fernández? Cuando empezasteis a componer Dentro de Mi y The Music Box, ¿ya pensasteis en ella, o la idea de añadir la voz femenina fue posterior?

La idea surgió después, cuando conocimos a Raquel y vimos su potencial. Tiene una voz especial y una forma de cantar que hace que sientas la canción en carne viva, es flipante. Pero la verdad es que las dos canciones ya estaban hechas y terminadas, y cuando vimos las posibilidades de una voz femenina no lo pensamos dos veces.

Coméntanos el concepto del título del disco y si tiene relación con la portada y alguna de las letras.

No es lo que se dice un disco conceptual, pero desde luego el título, la portada, algunas letras y la historia del grupo tienen algo que ver. En principio pusimos ese nombre porque el grupo venía de un año bastante malo a nivel de salud, donde yo mismo estuve lesionado durante cuatro meses y nos paralizó bastante. Cuando por fin tuvimos la grabación en nuestras manos y vimos el resultado, nos pareció adecuado poner como título una etapa del grupo que había pasado y que no teníamos que olvidar para no caer en los mismos errores. Por ello la portada en tonos grises y letras como Renacer y Días de Ceniza.

Por cierto, el diseño de la portada es obra de Thomas Ewerhard, reconocido por haber trabajado con Therion y otros importantes artistas. ¿Cómo fue posible su implicación en el disco?

Conocimos su obra buscando diseñadores de portadas. Cuando vimos cómo trabajaba, la verdad es que nos impresionó bastante y quisimos trabajar con él. Le dimos unas pistas, el título del disco y todo fue muy rápido, en dos semanas teníamos la portada terminada. El libreto, muy elegante, vino después.

Bandas como la vuestra y otras nuevas que han surgido en los últimos años, han aumentado el nivel de calidad del rock estatal. ¿Estamos en el buen camino? ¿Son situaciones puntuales? ¿O es que algo está cambiando en la mentalidad de los grupos españoles?

Yo creo que siempre ha habido buen nivel en la escena nacional, lo que pasa es que en este país estamos más por la labor de criticar que por la de apoyar. Además ahora salen bandas de muchos estilos que no tienen nada que envidiar a otras internacionales ya consagradas. Lo que nos falta es más una actitud de respeto y respaldo a lo nuestro, para acabar entendiendo que también en este país se puede hacer música de calidad.

¿Podrías mencionar a los baterías que más han influido en tu aprendizaje musical?

Como batería genial podía destacar a Steve Smith, que desde su etapa de Journey ya empezó a evolucionar conceptos rítmicos. Pero me gusta mucho Dani Pérez o Pedro Barceló, grandes baterías españoles, cada uno en su estilo. Y como no, Jose, el que ha sido mi profesor durante cuatro años.

Finalmente, ¿algún aspecto o comentario adicional sobre el disco que te gustaría resaltar?

Solamente agradeceros la atención que nos habéis prestado, porque vuestro apoyo es fundamental para que las bandas de este país puedan salir adelante. Por otro lado, que la gente visite nuestro myspace y deje allí todo lo que nos quiera decir.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

Involucrado en diversos proyectos, Jon Oliva es un profesional incansable, si hace un mes estaba haciendo la promoción del nuevo álbum de Jon Oliva’s Pain, Festival, ahora está involucrado en presentar a los seguidores de Savatage un pack recopilatorio donde se incluye lo mejor de una etapa en concreto de la banda. Además, está preparando la reedición de la discografía de Savatage y ha participado en el nuevo álbum de Avantasia.

Sin duda, un trabajador nato que nos atendió amablemente, con muchas novedades para desvelar a sus seguidores.

¿Quien ha sido el responsable de la elección de las canciones de este recopilatorio Still The Orchestra Plays Vol. 1 & 2?

Paul O’neill (NdR: Productor y compositor, colaborador en algunos de los más importantes discos de Savatage, vinculado también a Trans-Siberian Orchesta junto con Jon) y yo; pensamos que era la mejor representación de Savatage, hicimos una lista y queríamos elegir canciones que mostraran la versatilidad y la calidad musical de la banda.

¿Cuál es el motivo de que no se hayan incluido composiciones de los primeros discos, Sirens y The Dungeons Are Calling?

En esos álbumes no estaba Paul y queríamos hacer el recopilatorio centrándonos en la época que estuvo colaborando con nosotros. Con esos discos que comentas estoy trabajando ahora, pero lo hago yo solo, espero que también salgan algún día.

Coméntanos los contenidos extras que se incluyen, DVD, etc…

Las canciones extra son acústicas, del Streets, del Sirens… es algo adicional para ofrecer a nuestros seguidores. El DVD está dedicado a la memoria de Criss Oliva (NdR: Hermano de Jon y co-fundador de Savatage, fallecido en 1993 en accidente de automóvil), todavía formaba parte de Savatage en esa época y queríamos enseñárselo a todos los fans, era primordial que supiesen lo importante que era para nosotros.

Cuéntanos acerca de la reedición de la discografía de Savatage ¿Será completa o solo una parte?

Sí, creo que será completa, todos los discos con bonus tracks y un par de canciones acústicas adicionales.

Descúbrenos tu tema preferido de toda la discografía de Savatage y por qué?

Tonight He Grins Again, es muy personal para mí, muy autobiográfica, mi favorita. (NdR: Tema perteneciente a Streets: A Opera Rock, álbum conceptual publicado en 1991).

Desde 2001 no tenéis material nuevo y desde el 2002 no actuáis en vivo, ¿es este recopilatorio un síntoma de una vuelta a la actividad en directo de Savatage?

No estoy seguro de si tocaremos después de este recopilatorio, tengo que hablar con Paul de este tema.

Dando un vistazo al pasado, ¿cuales son los mejores recuerdos que te han quedado de tu trayectoria con Savatage?

Cuando firmamos nuestro primer contrato, además, con Atlantic Records, un gran contrato que nos hizo muy felices en ese momento.

Cuéntanos cómo fueron vuestros inicios… ¿Cómo vivisteis el surgimiento de tantas formaciones en la década de los 80… Metallica, Megadeth, Anthrax, Slayer… y los propios Savatage? ¿Erais conscientes de que estabais formando parte de una nueva revolución? ¿Cómo era por entonces el negocio de la música?

Creo que los asuntos de negocios apestan; trabajas muy duro para que luego te engañen y se aprovechen de ti y te roben dinero. La parte de negocio era estar todo el rato con la mosca detrás de la oreja por si alguien intentaba robarte, teníamos que ser muy cautelosos. Musicalmente, no creo que fuéramos una revolución, simplemente proveníamos del legado de Black Sabbath, Deep Purple… de todo ese rollo, de cuando teníamos 20 años y aprendíamos a tocar con esas bandas, no creo que fuéramos una nueva revolución, simplemente éramos un nuevo paso en ese estilo musical

¿Cómo surgió lo de participar en el nuevo disco de Avantasia?

Compartimos cartel con Edguy en algunos festivales y empezamos a hablar de ello, de una posible colaboración, y Tobias (Sammet, líder de Avantasia) me mandó las canciones. Las grabé en América se las mandé y me gustó mucho hacerlo, me lo pasé muy bien.

También formas parte de Trans-Siberian Orchestra, tienes tu propio grupo Jon Oliva’s Pain… con tantos proyectos, además de las actuaciones en directo ¿cómo te organizas para tener tiempo disponible?

Soy muy bueno encontrando tiempo (risas) me gusta estar trabajando todo el rato, disfruto estando ocupado y haciendo lo que me gusta, música de calidad.

Hace poco realizaste una gira acústica con actuaciones en España ¿Cómo surgió la idea?

Lo hago a veces, nunca un tour entero, pero me gusta realizarlo entre las temporadas de festivales. Es una manera de mostrar un lado diferente de lo que suelo hacer habitualmente, me divierte.

Savatage, Trans-Siberian Orchesta, Jon Oliva’s Pain… ¿Con cual de estas formaciones es más factible que puedan verte en directo los aficionados europeos y, más concretamente, los españoles.

Estaré con Jon Oliva’s Pain en Europa en junio, julio y luego en septiembre, octubre, en alguna de las dos partes de la gira pasaré por España, pero no recuerdo en cual.

 

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ENTREVISTA LOCKY PEREZ/TRADUCCION POINTER

 

 

 

Gamma Ray visitaba España dentro de su gira europea y la oportunidad de entrevistar a algún miembro de la banda no podía desaprovecharse. Tras el contacto con el promotor, pudimos encontrarnos con el bajista Dirk Schlächter, pieza clave en el contexto musical de los germanos ya que, como ingeniero de sonido, hace además labores de producción. Nos reunimos antes de su actuación en Madrid, en el autobús de gira, recién despertado de una siesta, lo que no le impidió extenderse en sus contestaciones, lo que siempre es de agradecer.

Comencemos hablando sobre el nuevo álbum. To The Metal es un disco muy variado, con muchos cambios. ¿Cómo lo definirías, como el estilo clásico de Gamma Ray o tal vez más creativo?

Es más creativo. También es clásico, pero también es creativo. La cosa es que en algunas canciones hemos intentado cosas que nunca antes habíamos hecho, jeje, así que ahí está la parte creativa, y la parte clásica es que sigue sonando a Gamma Ray. Eso es lo bueno.

¿Cómo se ha desarrollado el proceso de grabación? ¿Cuánto tiempo habéis estado en el estudio?

¡Yo vivo en el estudio! (risas) No, es broma, es broma.

¿Cómo habéis llevado a cabo la tarea compositiva esta vez?

Bueno, la composición empezó con todo el mundo recogiendo sus ideas en su casa y luego nos reunimos, creo que en febrero o marzo del año pasado, mostramos nuestras ideas los unos a los otros, hablamos de ellas y ensayamos un poco, eso fue lo básico. Todo lo compuesto por cada individuo luego fue interpretado por la banda en el local de ensayo. Así que la resolución final se hizo en conjunto. Empezamos a grabar en mayo, creo recordar, sí en mayo. Volvimos a quedar cuando ya teníamos casi todas las canciones terminadas y empezamos a grabar las baterías.

Después de eso, fue un proceso muy largo, porque ocurrió el tema este de la bancarrota de SPV, nuestra discográfica, lo que mató un poco la motivación. Yo, mientras tanto, me quedé en el estudio grabando los bajos de las canciones que habían sido grabadas. Pero finalmente obtuvimos un acuerdo con Edel Records. Entonces sí que nos tuvimos que poner las pilas ¡realmente!

Normalmente agotamos el tiempo disponible en el estudio y aunque contábamos con el suficiente, al final todo resultó muy tenso por los horarios y tuvimos que apurar en la masterización. Lo que no nos facilitó el trabajo, quedé un tanto insatisfecho porque, normalmente, cuando tienes tiempo puedes probar muchas cosas en el sonido y eso. Para que te hagas una idea, nosotros cuando tenemos tiempo, en nuestro estudio, una canción se mezcla tres veces. Porque, si en la primera algo no suena bien, lo mezclas una segunda y dices: “esto está bien pero esto otro estaba mejor en la primera” así que lo mezclas una tercera para que todo quede perfecto. Pero, en esta oportunidad no era el momento apropiado para eso. Y por supuesto, cuando eres músico e ingeniero a la vez, ¡nunca! estás satisfecho con el resultado. Es horrible! Ahora escucho el disco y la masterización está bien, pero al principio tuvimos problemas, porque las mezclas eran demasiado agresivas. Para escucharlo en casa a volumen bajo estaba bien pero, si lo subías un poco podía reventar tus oídos, así que tuvimos que evitar eso. Reconocimos que habíamos hecho algo mal al principio en los primeros chequeos, pero es algo que suele pasar. Bueno, quizá estoy hablando demasiado…

Esta vez habéis decidido grabar el álbum por vuestra cuenta. ¿Creéis que en este punto ya no necesitáis a un productor?

Bueno, en realidad hay dos razones para eso. Primero porque con Kai ya no tenemos que hablar tanto para comunicar lo que pensamos. Los dos sabemos lo que queremos y es mucho más fácil así. Es un largo matrimonio el que llevamos, 20 años ya. Así que, aunque a veces sigues peleándote por algunas cosillas, los dos sabemos lo que queremos y cómo lo queremos. Hemos intentado trabajar con alguien más, incluso en los principios de la actual formación, hemos estado con muchos productores pero su labor era de ayuda más que nada, nosotros éramos el verdadero equipo. Ahora que somos más mayores, somos más cabezotas (risas). Esa es una de las razones. La otra es que cuando contratas a alguien tienes que pagarle y, en estos días, el dinero por adelantado que la discográfica da para la producción del disco ha bajado mucho, así que tienes que pensártelo bien antes de contratar a alguien. Si merece la pena gastarte ese dinero. Y, como, además, pensábamos al principio que teníamos mucho tiempo, pues no había problema en hacerlo nosotros mismos. Eso sólo al principio, porque al final no nos quedaba tiempo y yo ya prácticamente vivía en el estudio.

¿Cuál dirías que ha sido la parte más difícil tras los controles?

¿Lo más difícil? Pues como ya he dicho, el tema del tiempo la presión del final. Porque eso te obliga a disminuir tu rendimiento a no estar al cien por cien. Esto es muy difícil, porque es algo que especialmente Kai nunca hace. No repara en el tiempo. Para él siempre tiene que estar perfecto, que eso está muy bien, pero eso quiere decir que a veces pruebas demasiadas cosas. Yo que soy ingeniero, si me dices de hacer algo de una manera, yo te puedo decir “vale, lo podemos intentar” o puedo decirte “eso es basura, ni lo intentes”, pero Kai, siempre lo intenta todo. Cuando estamos juntos se fía de mí si yo le digo “Kai eso es una tontería porque… bla bla bla”, pero cuando está sólo en el estudio, lo prueba absolutamente todo, como un niño pequeño (risas).

Encuentro que “To The Metal”, es una canción ideal para el directo. Podríamos hablar de ella como un tributo a Judas Priest o a todos los fans del metal?

Se trata más de un tributo a todo el metal en general. Por supuesto, ya hemos oído que todo el mundo dice que “oh, tiene el mismo rollo que tal canción de los Judas Priest” pero bueno, cada banda tiene sus influencias e innegablemente, Judas Priest son una importante parte del meavy metal.

“Time to Live” también es una canción muy apropiada para las actuaciones en directo. Las voces suenan muy especiales, además de esas guitarras tan melódicas y esos delicados teclados entre los ritmos tan heavys. Cómo llegasteis a ello?

Time To Live es muy típica de Henjo Richter. El siempre que compone hace las más finas y delicadas armonías y siempre con una línea de teclado presente en la canción. Es definitivamente su estilo más típico.

¿Crees que hay alguna influencia de Deep Purple en esa canción?

Probablemente. Desde luego el riff y las voces son muy al estilo Deep Purple. Henjo es un gran fan de los Purple y de Ritchie Blackmore, son sus raíces. Y además es un brillantísimo organista, lo que es algo que probablemente mucha gente no sepa. Así que siempre está con ese rollo y para nosotros es como “¡oh no! Ya está otra vez con sus teclados, de aquí hasta el final” (risas). Entonces le bajamos un poquito en el puente y luego lo volvemos a subir en el estribillo, (¡pero no se lo digas!) (risas).

Michael Kiske canta en “All You Need To Know”. Cómo surgió esa colaboración, fue algo premeditado o más bien espontáneo?

Fue más bien espontáneo, una idea de Kai. Dijo: “este estribillo lo puedo hacer bastante bien, pero estas voces simplemente suenan más a Michael Kiske, tienen que ser cantadas por él”. Así que le llamó. Están mucho en contacto y se llevan muy bien, así que le preguntó si quería colaborar. Pero, bueno, no es un tío muy “fácil”, así que primero vino a escuchar algunos temas para ver cómo se añadiría él, porque es un poco extraño, quiero decir que, cuando es demasiado duro, no le gusta mucho si es heavy metal excesivamente agresivo, ya no (risas) pero le gustó esta canción porque tenía algo más de progresivo, así que accedió…

“No Need To Cry” es una canción compuesta por ti. Sabemos bien de qué trata la canción, la razón básica de su composición, pero nos gustaría saber cómo ha sido la experiencia para cada uno de los integrantes de la banda.
(Nota: Esta dedicada a su padre fallecido)

Bueno, yo me concentré mucho en esta canción y todos lo sabían, todo el mundo comprendió lo que quería decir en ella, no había mucho más que hablar. Cuando estábamos grabando me fijé que incluso Danny tocaba mucho más relajado y eso que no suele tener esa actitud como batería, para nada. Pero la tocó tan pesada y lenta como pudo, sin tener que decirle nada. Todos sabían cómo lo tenían que hacer. De todas formas yo me hice cargo del resto de la instrumentación, excepto el solo que lo hizo Kai.

Ha habido varias versiones del álbum con diferente material y portada en cada uno. Es esa una manera de compensar las descargas ilegales de Internet?

No, no realmente, sólo es una manera de la compañía discográfica de vender más. Lo que desde luego está muy bien porque es un hecho que las ventas de CD’s están bajando muchísimo, eso es cierto. Y ya que mencionas las descargas de música por Internet, ese es un tema que realmente nos afecta. Para que te hagas una idea, una semana antes de que el álbum saliera a la venta, te lo podías descargar de Internet, lo que quiere decir, que algún periodista listo, ya había publicado su copia promocional. Así que la próxima vez…

A mí no me lo digas!

Jajaja, no digo que seas tú! Pero hay algunos periodistas que sí lo hacen. No recuerdo el nombre de la página, pero tenemos que averiguar el nombre del que venía de parte de ese medio, porque es que te podías bajar el álbum enterito. Es verdad que en Youtube puedes escuchar las canciones por separado y al final puedes escuchar el disco entero igual. Todos los de la banda nos pasamos unos tres días prohibiendo eso en Youtube. Se puede hacer, hay una especie de formulario de reclamación con el que puedes decir que eres el autor y que no quieres que tu música sea publicada ahí, y al día siguiente los quitaron. Pero, el tío que colgó los temas ha sido cancelado tres veces de Youtube. Así que ya ves si insistió. De hecho, cualquier persona que intente colgar más de uno o dos temas en Youtube, su cuenta será cancelada, así que mejor no intentarlo. Aún así, hay tantas páginas de esas de compartir archivos que es inimaginable el alcance que tienen. Mi hijo mayor, que tiene 16 años, me dice: “papá, puedo conseguir tu música aquí, allí, allí, y allá…” así que es como sí, vale estás luchando contra un molino. No puedes contra ello, es imposible. Así que evidentemente la compañía quiere vender más, de ahí que saquen cosas para hacerlo más interesante, más variado, para que los fans compren más. De todas formas también es cierto que todas las bandas de metal tienen sus propias ediciones especiales, siempre son bandas de metal las que se curran más los libretos y todo eso, así que siempre es más interesante comprar un CD de metal, que un…..CD de pop, por ejemplo.

Antes has comentado sobre la quiebra de SPV, precisamente, fruto de las descargas de Internet.

Si, SPV se fue a la bancarrota, no pudo pagar más, y fue catalogada como insolvente. Aún así sigue existiendo sólo que ahora está controlada por Sony, que es quien les da el dinero, para que en dos años acabe su periodo de insolvencia y tengan tiempo de ponerse en pie de nuevo, y entonces, Sony la comprará. Porque mientras sean insolventes no puedes comprar la compañía, es una ley alemana. Así que empezamos a buscar soluciones, yo conocía al tío que lleva EA Music, que es un sello de Edel Records. Bueno, ellos no quieren llamarse a sí mismos sello como uno más, prefieren ser considerados “proyecto”, y evitar comparaciones (risas). El caso es que yo conocía al chico este desde hacía tiempo, que es italiano, pero trabaja en Hamburgo, la oficina está en Hamburgo, lo cual lo hacía mucho más fácil, y además el trato que tenemos está muy bien. Ninguna otra compañía puede ofrecer un contrato mejor ahora, perderían dinero. Si te pagan una gran cantidad por adelantado y no se recuperan, eso no ayuda a nadie… Sólo el manager que es quien hace el contrato saca más dinero que tú de esto. Eso es estúpido, así que lo hicimos por nuestra cuenta, y nos evitamos al abogado interpretando el contrato legal. Es lo bueno que tiene sacarte las castañas del fuego. Así que ahora estamos muy felices con Edel Records, de verdad, el equipo es genial, el promotor… son todos geniales y estamos muy contentos con ellos. Hasta el momento, todo ha salido muy bien, mejor de lo que nos esperábamos, así que tenemos ganas de pasar un largo tiempo trabajando con ellos. Al menos eso espero, porque siempre es malo andar cambiando.

¿Cómo ves el futuro del heavy metal actualmente, qué necesita un álbum para captar la atención de los fans?

Yo creo que es muy simple, si tan sólo haces buena música, y si consigues llegar a los fans de algún modo, a través de cualquier medio, funcionará. Yo creo que es así de sencillo. Pero también pienso que el CD como medio desaparecerá, todo será descargado, todo estará cada vez más en pequeñas maquinitas como la grabadora que estás utilizando (risas). Hay que tener mucho cuidado y plantearse, siendo compositor, como puedes sacar beneficio de ello. Todos estamos muy afectados por esto de los nuevos medios. Ya ves cómo ha sido en nuestro caso con el álbum en Internet una semana antes de estar a la venta, lo que quiere decir que la próxima vez no vamos a soltar una sola copia, aunque nos digan los periodistas o la discográfica que es súper importante diremos, “a la mierda! no damos absolutamente nada”. Les invitamos al estudio y que lo escuchen, pero, quien no pueda venir, no podrá escucharlo. Lo sentimos mucho pero es así. Así sabremos de quién es la culpa porque realmente quiero saberlo. Y, si no repartiendo copias promocionales se sigue filtrando algo por Internet, es que el enemigo está en nuestra casa. Puede pasar en el propio estudio en el que grabamos, si hacemos un CD con unas pocas canciones para promocionarlas y lo dejamos en el estudio, con tanta gente que pasa por allí, el CD podría desaparecer en cualquier momento.

 

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ENTREVISTA LOCKY PEREZ/TRADUCCION ASTRID VAN WELDEN

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Promise And Terror, confirma que Blaze, la banda liderada por el que fuera en su momento vocalista temporal de Iron Maiden, es un proyecto serio. El nuevo álbum de la banda ratifica unas cualidades a tener en cuenta. No se trata de un capricho sino de un trabajo serio enmarcado dentro de los cánones habituales del heavy metal aunque habría que matizar, una vez escuchado el disco, que su estilo busca la variedad e intenta alejarse de los tópicos. Antes de sus próximas actuaciones en España (14 de marzo en Madrid (Ritmo y Compás), 15 en Santander (Sala Heaven) y 16 en Barcelona (Faktoria D’Arts), nos pusimos en contacto con Blaze Bayley para que nos diera su opinión acerca del nuevo disco y, aprovechando la oportunidad, preguntarle por su pasado con la “Dama de Hierro”.

Promise And Terror, es el segundo disco con la misma formación. ¿Es un síntoma de estabilidad después de los diversos cambios que ha tenido Blaze?

Si, hemos conseguido estar juntos hasta ahora, es muy difícil tener a una banda unida cuando es pequeña y no se tiene mucho dinero. Todos los que estamos en la banda lo hacemos por la música, todos hemos trabajado muy duro en este nuevo álbum y creo que ha salido muy bien.

Supongo que Nicolás (guitarra) y David (bajo) son hermanos. Su apellido, Bermúdez, delata su origen hispano. ¿De dónde provienen y cómo lograste contactar con ellos?

Son de Bogotá, Colombia, busqué a los mejores músicos, pero tuve que ser práctico y juntar la mejor banda posible. Encontré un video de David en myspace y realmente me gustó lo que hacía, le hablé de mi proyecto, mis ideas y estuvo muy interesado. Así conocí también a su hermano y juntos hemos intentado realizar un proyecto serio, algo más heavy que lo que habíamos hecho hasta ahora. Y con Promise And Terror, creo que hemos conseguido alcanzar todo lo que nos hemos propuesto.

¿Tiene el nuevo disco una conexión con el anterior, The Man Who Would Not Die?

Aparte de mí, que soy la misma persona que hizo las letras en ambas ocasiones, no lo creo. En la segunda parte de Promise And Terror, las letras son profundamente personales por las situaciones y experiencias tan duras que he vivido estos dos últimos años por la tragedia de perder a mi mujer y manager.

¿Puedes comentarnos cómo se desarrolló el proceso de grabación?

Ensayamos todas las canciones en el orden que luego irían en el disco para intentar que todo estuviera bien preparado. El disco es muy personal y cuidamos todos los detalles para que se notara esa conexión emocional que la banda sentimos tocando esas canciones.

El disco se edita a través de tu propia compañía, Blaze Bayley Recordings. ¿Es una forma de tener el control o, es difícil en la actualidad conseguir el apoyo de las discográficas más importantes?

Perdí la fe en mi anterior compañía, no se preocupaban de nada más que de vender cd’s y pasaban de la gira. Para mi, es importante salir de gira y que te apoye tu sello, porque es lo que más llega a los aficionados. Yo estoy en esto por los fans, que son los responsables del éxito de una banda, por eso tienes que ser honestos con ellos y tratarlos bien.

Creo que Promise And Terror es un disco con canciones de estructura muy diversa. ¿Puedes darme tu opinión al respecto?

No lo planeamos pero salieron así. Cuando les presento una canción al resto de la banda se analiza y se desarrolla de manera que puede cambiar mucho desde su concepto inicial.

¿Alguna canción del disco que quieras destacar por algún motivo especial?

Es complicado, me gustan todas, God Of War, por ejemplo…

¿Cómo definirías vuestro estilo? ¿Es solo heavy metal clásico o piensas que hay algo más de sustancia detrás de vuestra música?

Somos una formación vinculada con el metal, con partes melódicas, guitarras agresivas y heavys; sin duda somos una banda de heavy metal.

Tienes 46 años y, según lo escuchado en Promise And Terror, mantienes tu potente voz, ¿Cuál es el secreto para que un vocalista conserve intactas sus facultades? ¿Exige sacrificios o es cuestión de suerte?

¡¡Nunca he tomado drogas!!. Cuando estoy de gira siempre estoy lejos del alcohol e intento mantenerme sano. Para mí lo más importante es la música, no el estilo de vida alocado de una estrella de rock que se emborracha tras cada concierto y persigue a las groupies. En cada uno de mis conciertos lo más importante es la música y los fans. Es lo que pienso y doy gracias a Dios por darme esta voz que, después de tanto tiempo, me permite seguir adelante.

¿Qué recuerdos te quedan de tu etapa con Wolfsbane?. En 2007 os reunisteis para una serie de conciertos ¿Cómo fue la experiencia?

Muy divertidos, como unas vacaciones, para estar nostálgicos y tocar viejas canciones de nuevo. Fue un buen momento para hacerlo.

Hablemos un poco de Iron Maiden. Cuando te eligieron para sustituir a Bruce Dickinson… ¿qué pasó por tu cabeza? Y… cuando tuviste que salir debido a la vuelta de Bruce, ¿cuáles fueron tus pensamientos?

Disfruté mucho; para mi Iron Maiden es la banda más grande del mundo y como cantante de este tipo de música es el mejor sitio donde se puede estar. Nunca supuse que obtendría el puesto porque mi voz es muy diferente a la de Bruce Dickinson y por eso estuve más contento todavía. Creo que el estilo de composición de Steve Harris ha influido en cómo he compuesto algunas canciones de Promise And Terror.

¿Has tenido algún tipo de contacto con los componentes de Iron Maiden en estos años?

Seguimos siendo amigos y cuando coincidimos en Suecia o en cualquier otra parte donde nos lleve nuestro trabajo nos tomamos algo juntos.

A pesar de todo, nadie te podrá quitar la experiencia de haber pertenecido a una de las grandes formaciones de la historia del heavy metal ¿Qué reflexión puedes sacar de ello?

Fue una gran etapa de mi vida, me pasaron muchas cosas increibles, realmente recuerdo la reacción de los fans cuando me veían como el nuevo cantante y recuerdo en España la positiva reacción del público ofreciéndome su cariño y confianza; los seguidores españoles son fantásticos. Por eso escribimos canciones para nuestros seguidores de España.

¿A qué edad te iniciaste en la música y quiénes eran tus ídolos en esos momentos?

Me inicié muy pronto como aficionado, y luego, cuando tuve los conocimientos necesarios, empecé a tocar canciones de Black Sabbath y cosas así. Me gustaban mucho Ozzy Osbourne, Ronnie James Dio…

 

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ENTREVISTA LOCKY PEREZ/TRADUCCIÓN POINTER

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Creemos en lo que hacemos y lo defenderemos con uñas y dientes… eso es fidelidad. Tampoco tratamos de convercer a nadie, es simplemente nuestra forma de ver las cosas”

Los albaceteños Centinela están presentando en sociedad su particular “Teoría de la Fidelidad”, una grabación que proyecta una imagen de grupo maduro y centrado en progresar con cada nuevo álbum que editan. Llevan diez años en activo, tiempo suficiente para coger experiencia y seguir adelante oteando el horizonte como buenos “centinelas” en espera de aprovechar las oportunidades que se presentan. Para Fernando Moya, que entró en la banda en 2007 junto al otro guitarrista Juan Parreño, es su debut discográfico. Sin embargo la amistad venía de largo y su acoplamiento no ha sido problema. En esta entrevista nos cuenta los pormenores de la creación del disco así como su vinculación y su experiencia, entre otros puntos; siempre con un lenguaje directo y con sus toques irónicos.

¿Podrías comenzar haciendo un breve repaso a tu trayectoria hasta antes de llegar a Centinela en 2007, mencionando también a los guitarristas que piensas que han influido en tu aprendizaje musical?

He tocado la guitarra desde que era niño. A los 11 años más o menos, empecé con unas clases de iniciación y seguidamente ingresé en el conservatorio de música, al cabo de unos años me hice con una guitarra eléctrica y formé mi primera banda. Por lo tanto en mi trayectoria musical siempre han estado presentes de forma paralela la formación clásica y las bandas de rock. Durante este tiempo he formado, he pasado y he deshecho una larga lista de bandas, ya que siempre he sido un poco “culo inquieto”, de todas ellas destaco Uncreation y The Heretic. En cuanto a influencias, te diré que mis años mozos los pasé escuchando y tocando Metallica, los riffs, las melodías y solos de Hetfield/Hammett estarán siempre presentes en mí, junto a todo el sonido thrash/death ochentero y noventero. Otros dos guitarristas a los que les debo mucho han sido mi compañero en The Heretic Juan Carlos Pérez y de mi profesor de guitarra clásica Pablo Barón.

¿Cuéntanos como se desarrolló tu vinculación con Centinela? Supongo que, siendo de la misma ciudad, os conocíais…

Nos conocemos prácticamente desde nuestros inicios rockero-musicales. Hemos sido vecinos de locales de ensayo, hemos compartido escenario en muchas ocasiones, también alguna borrachera, y durante nuestros comienzos casi llegamos a formar parte de la misma banda. Ahora comentamos batallitas sobre vivencias en el pasado y nos reímos mucho… ¡joder como pasa el tiempo! Volviendo al tema, yo siempre he formado parte de la escena metalera en Albacete y cuando Centinela se quedó sin guitarristas pensaron en mí, me llamaron, hablamos y aquí estoy.

Entraste en 2007 para la gira de Claustrofobia, ¿llegaste a participar en la composición de ese disco?

No, el disco estaba totalmente terminado cuando Juan y yo entramos en Centinela. Llegamos como aquel que dice “a mesa puesta”, ya que tan solo faltaba la masterización y algunos retoques en el diseño del digi-pack.

Ya asentado en la banda, ¿qué nos puedes comentar acerca de las diferencias de Teoría de la Fidelidad con respecto a los otros discos de Centinela, en qué aspectos crees que habéis mejorado más?

Pienso que Teoría de la Fidelidad es otro pequeño paso más en la evolución del sonido característico de Centinela, algo que no es nada nuevo en su trayectoria, ya que estos tíos llevan cuidando ese aspecto sonoro durante todos sus discos, con la diferencia de que antes sí lo hacían con premeditación y, en cambio, en Teoría de la Fidelidad ocurre todo lo contrario. No nos hemos planteado ni nos ha preocupado que suene o no suene a esto o a aquello, es un disco muy visceral, que refleja como y que sentimos en este momento.

Cuéntanos cómo se desarrolló el proceso de grabación, ¿cómo os repartís las tareas de composición, cuál fue, a tu modo de ver la parte más complicada en el estudio?

El grueso de la composición se lleva a cabo en el local por parte de todos. Generalmente Cano y yo solemos llevar de casa algún riff o alguna idea principal y una vez en el local se moldea: se corta, se pega, se añade, “parriba-pabajo”, esto “pacá”, esto “pallá” y ¡tachaaaan!…canción de Centinela. El proceso de composición fué muy agradable, ya que la sensación que teníamos es que llevábamos años componiendo juntos, a pesar de ser nuestra primera vez. Una vez tuvimos todo el material compuesto, lo llevamos al estudio y allí, a mi modo de parecer, unas cosas son divertidas y otras no tanto. Si llevas las cosas bien trabajadas la grabación puede ser mas o menos amena, pero si no, te aseguro que puede ser muy duro, aunque creo que lo más delicado y complicado es el proceso de mezcla.

En cuanto a producción, ¿quién ha llevado las riendas?

Principalmente Cano a nivel general. Desde un principio tenía muy claro el sonido final del disco, aparte de tener los conocimientos para conseguirlo.

De entre los temas del disco, ¿hay alguno que te gustaría destacar por algún motivo especial?

Partiendo de que cada tema tiene para mi algo especial, un riff, un estribillo, una melodía… y que les tengo ese amor de madre que hace que por muy feos que sean, para mis ojos siempre serán los mas guapos, destacaría “Hablo de vivir” ya que fué el primero que compusimos con la nueva formación. De todas formas con el paso del tiempo empezaré a decantarme más por unos temas que por otros.

Particularmente, me han llamado la atención las partes de guitarra hacia el final de La Sentencia, ¿qué me puedes contar acerca de este tema?

Es uno de los temas mas completos del disco, es potente, con buen estribillo y guitarras muy logradas. Trás pasar por el estudio mejoró de forma sorprendente, hasta el punto de que creo que es un tema puntero de Teoria de la Fidelidad con muchas posibilidades de formar parte del repertorio de Centinela durante largo tiempo.

En mi opinión, Centinela podría ser el punto de unión entre el heavy tradicional y las nuevas tendencias del metal. Si tuvieras que asociar vuestro estilo con alguna otra banda ¿a quien mencionarías?

Diferencias aparte, pienso que la trayectoria de Judas Priest en las últimas décadas ha sido un punto de referencia para Centinela.

En una actualidad con tantos grupos, ¿con qué argumentos incentivarías a la gente para que se interesase por Centinela?

Se puede acceder a la música de Centinela de forma fácil y gratuita, ya que existe la opción de descargar el disco en nuestra web con buena calidad. A partir de ahí que la música hable por sí misma, si te gusta…¡bien! también existe la posibilidad de comprar el digi-pack y asistir a conciertos, si no te gusta…boton derecho del ratón, opción “eliminar” y se acabó. Como decía un eslogan publicitarío hace años: ”busque, compare y si encuentra algo mejor…cómprelo”

¿Cuál es esa “Teoría de la Fidelidad” que da título a vuestro álbum?

Es una declaración de principios totalmente personal reflejada en las letras del disco, que trata nuestros ideales y nuestra forma de trabajar con respecto a la música. Creemos en lo que hacemos y lo defenderemos con uñas y dientes… eso es fidelidad. Tampoco tratamos de convercer a nadie, es simplemente nuestra forma de ver las cosas, siendo honestos y fieles a nuestros principios y a nosotros mismos.

Definitivamente, vosotros apostáis por el castellano. ¿Os preocupa que esto limite una posible futura expansión fuera de las fronteras españolas o estáis conformes con vuestra situación?

De momento, lo que tratamos es de seguir creciendo aquí, haciéndonos más nombre que no es poco, y para un futuro se podría barajar la idea de viajar a Latinoamérica y hacer algo allí, pero es algo que no depende sólo de nosotros.
Hubo una versión de “Pánico” en inglés con la que se buscaba distribuir el disco a nivel internacional, pero al final el disco no salió y todo se quedó en un intento.

¿Qué te produce mejores sensaciones, el lanzamiento de un disco o actuar en directo?

Sin duda actuar en directo, a pesar de los nervios previos a la actuación.

El “dios” Internet, ¿os ha dado más que os ha quitado, o viceversa?

El disco se está descargargando bastante bien desde nuestra web, y está llegando a lugares como Latinoamérica donde de no ser así, no habría otra opción para llegar a nuestra música ya que solo se ha editado en España, y sé que tenemos buenos seguidores latinoamericanos que nos felicitan en nuestra web. Creo que internet nos ha dado más que nos ha quitado, ya que en cuestión de ventas, va igual que siempre, no se vende mucho, el tema se complica cada vez más e incluso el número de ventas es igual o mayor que con discos anteriores. Internet es un medio de comunicación muy poderoso, del que aún nos queda todavía mucho por descubrir y sacar partido, simplemente tenemos que adaptarnos a él y aprovercharlo.

Angelus Apátrida, Niobeth, Centinela, etc… ¿qué os dan de comer en Albacete para que salgan tantas y tan buenas bandas de rock de estilos tan dispares?

Atascaburras, pisto manchego, ajo de mataero, migas ruleras y una gran variedad gastronómica típica de La Mancha, todo ello rehogado por unos buenos vinos de la tierra. Albacete siempre ha tenido mucho movimiento de bandas sin ser una gran capital y sin tener un gran apoyo de medios, pero hemos sabido aprovechar lo poco que teníamos y algunos han conseguido sacar la cabeza, y no solo en el estilo metalero.

¿Alguna reflexión final que desees transmitir a nuestros lectores?

Ser buenos, no pegueis a los animalicos, ayudar a las ancianas a cruzar la calle, madre no hay mas que una…y si alguna vez sois infieles, consultad el manual “Teoría de la Fidelidad”, puede que saqueis algo en claro…o no.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Con el lanzamiento de Asylum, los toledanos Dulcamara han dado otro paso de una trayectoria que se inició en el año 2003 y que en 2007 fructificó con su debut discográfico titulado Anatómicamente Imperfecto. Con su nuevo trabajo, Rufino J. Cantero (guitarra), Rafael del Olmo (guitarra), Fernando del Olmo (teclados y sintetizadores), Sergio Fraile (bajo), Carlos Barba (batería) y César Arroyo (voz), incursionan en el terreno de los álbumes conceptuales en un marco dominado por diversas influencias aunque con el death metal melódico como principal impulsor de la historia. Para que nos pusiera al corriente del contenido del disco, contactamos con César, autor del contenido letrístico.

¿Cuál fue vuestra manera de afrontar la grabación de Asylum. ¿Teníais ya una base concreta de lo que querías o las ideas fueron aflorando una vez en el estudio?

“La verdad es que cuando entramos a grabar ya lo teníamos muy claro: qué queríamos grabar, dónde ubicaríamos los arreglos y cómo debía sonar todo: voces, guitarras y demás. Siempre surgen cosillas en el estudio pero en general todo estaba más que cerrado. Para la composición recogimos los temas que teníamos a nivel individual más los que habíamos creado todos juntos y los pusimos en común. Fue cuestión de ir seleccionado los temas que más se adecuaban al concepto del disco”.

Parece ser que, últimamente, si se quiere sonar bien hay que contar con una masterización a cargo de Mika Jussilla, ¿habéis quedado contentos de su trabajo… tuvisteis algún contacto personal con él?

“Mika es un gran profesional de modo que quisimos contar con su ‘toque final’ para el sonido del disco, al igual que las aportaciones que nos pudo hacer Carlos Santos en el estudio. El resultado es inmejorable y realmente estamos muy contentos con él, para el siguiente probablemente sea más que difícil superar este sonido. Tenemos contacto personal con Mika, es un buen amigo en Finlandia, de modo que la comunicación entre la banda y él fue directa durante la masterización, aunque en esta ocasión no pudimos viajar para allá”.

Explícanos la historia conceptual del álbum, de qué tratan las letras y ¿de dónde proceden los textos que se adjuntan en el librito de presentación antes de cada letra?

“La historia hace referencia a un espectáculo de ‘monstruos’ o un lugar donde éstos han llegado a lo largo de sus vidas. En él un narrador los va presentando y mostrándonos las trágicas vidas que les han llevado a ser lo que son. Es una historia que extraje de una obra de teatro que ya tenía escrita y que nunca publiqué, se llamaba La Galería. Cuando les conté a los demás la historia y les pregunté si les gustaría hacer un disco conceptual les encantó la idea. Cada texto previo a las letras de las canciones habla un poco sobre cada personaje y complementa a la letra de cada canción”.

Describe cómo es la música de Dulcamara, según tu propia percepción.

“Supongo que quieres que nos defina… me gusta pensar que hacemos death metal melódico pero, bueno, después cada cual te cataloga como le da la gana. Además soy consciente de que tenemos muchas influencias y muy variadas lo que hace que en más de una ocasión nos escapemos de esa descripción”.

Como cantante, ¿es duro afrontar una grabación con un registro tan gutural? Supongo que requiere de un esfuerzo adicional y mucho entrenamiento…

“Realmente, no es fácil, al menos para mí. No consiste en tener un registro tan gutural, sino las variaciones que hagas sobre él, eso me parece lo más complicado. Estar con voz muy profunda y de repente cambiar a un registro muy agudo. La grabación no es fácil, pero es más duro el directo”.

¿Quienes dirías que son los vocalistas que te han inspirado en tu forma de cantar?

“Sin duda alguna: Mikael Stanne (Dark Tranquillity), Dan Filth (Cradle of Filth) y Aaron Stainthorpe (My Dying Bride)”.

¿Hay alguna canción del álbum de la que te sientas más satisfecho por algún motivo especial?

“Me cuesta elegir una, todas son como pequeños fragmentos de mí. Creo que ahora os toca a vosotros analizarlas”.

¿Cómo observas la actualidad del rock estatal, piensas que evoluciona de forma positiva o crees que son necesarios algunos cambios?

“Me gusta la gran variedad de bandas que surgen en nuestro país, además, algunas con de gran calidad. Pero creo que cada vez va a costar más hacerse un hueco en este mundo. Es un tema que daría para mucho, en general cuesta tener una compañía que apueste por ti. Nosotros, por suerte, la tenemos (CD Music) y a ella le debemos mucho”.

Un grupo de metal con nombre de planta con propiedades medicinales es algo raro ¿no?

“Jajaja… La verdad es que cuando surgió nuestra intención era otra. Dulcamara en inglés es Bittersweet… algo así como agridulce o amargo y dulce. Queríamos hacer una música con melodías pegadizas pero que tuviera agresividad y fuerza (en voces y guitarras por ejemplo) así que nos convenció ese nombre. Lo bueno es que ahora Dulcamara ya no te lleva a eso… te conduce a nosotros y nuestra música…”.

¿Qué planes a corto/medio plazo tenéis?

“De momento estamos en plena promoción del disco, que fue lanzado hace poco, y también empezaremos a presentarlo en directo durante este 2010. Además, seguiremos componiendo”.

¿Alguna opinión particular que te gustaría añadir?

“Muchas gracias por vuestro apoyo y un saludo a todos los que nos siguen”.

 

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LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Expresamos la música tal y como la sentimos y no vamos a renunciar a ello porque se lleven otro tipo de tendencias”.
(Iván)

Los madrileños Boobology tienen en circulación su álbum debut, The Paradox, con unas señas de identidad vinculadas al metal de raigambre vanguardista cuya principal referencia está inequívocamente asociada con el trabajo de los estadounidenses Tool.

En activo desde 2004, su formación la componen, Adan (guitarra), Jona (bajo) Eloy (voz y guitarra) e Iván (batería y programaciones). Con los dos últimos contactamos para que nos diesen su propia visión musical y nos pusiesen al corriente de las novedades acerca de la banda.

En opinión personal, vuestra música enlaza muy directamente con lo que hacen Tool pero, me gustaría que ampliarais este concepto según vuestra propia perspectiva y así se formen una idea quienes aún no os conozcan. ¿Dónde encaja vuestra propuesta y con qué vínculos la podemos asociar?

Iván: Normalmente dicen que tenemos cierto parecido a Tool, suele ser a primera escucha. A medida que te vas adentrando en el disco se pueden apreciar otro tipo de influencias. Esta claro que Tool es un punto de encuentro entre todos los miembros del grupo y es normal que salgan cosas con cierto parecido. Decir donde encaja nuestra propuesta es algo complicado, está claro que predomina el metal pero en general es un rollo muy ecléctico.

Habéis tomado la vía independiente para editar vuestro primer álbum The Paradox. ¿Es difícil encontrar apoyo discográfico para vuestra música o, tal como está la situación actual, es preferible ir por libre?

Eloy: Realmente no nos planteamos en ningún momento llamar a la puerta de ninguna discográfica. Desde un principio decidimos autoproducir el disco. Tiene sus ventajas y sus inconvenientes: Por un lado tienes toda la potestad para enfocar todo como lo creas conveniente pero, por otro, te tienes que encargar de otras facetas que nada tienen que ver con el aspecto artístico, es decir, temas burocráticos.

Y, a nivel de aficionados y crítica especializada, ¿qué respuesta y/o comentarios habéis recibido?

Iván: En general las críticas han sido bastante buenas, aunque es cierto que el porcentaje ha sido bueno porque quien ha querido hacerla es porque le ha llamado la atención nuestra propuesta, al que no le ha gustado, directamente no se ha prestado a ella.

Podéis hacer un resumen de vuestra experiencia en lo que se respecta al proceso de grabación, el esfuerzo que requirió, los problemas que pudieron surgir y, finalmente, la satisfacción de poder publicarlo.

Iván: Ha sido un proceso muy largo pero grabarlo en un estudio propio nos ha permitido hacerlo también con mucha calma. Hubo algún problemilla… tirar algún tema abajo y volver a grabarlo porque no nos convencía, dando vueltas a las mezclas y ese tipo de cosas pero, como te digo, muy satisfactorio por la tranquilidad que hemos tenido para hacerlo. Todo es mejorable, esta claro, pero en general estamos muy contentos del resultado.

¿De dónde sale el nombre de Boobology?

Eloy: Es una palabra que me gusto tanto fonética como visualmente, además de tener un sentido y un significado mas profundo… que fluya la imaginación.

¿Qué temas tocáis en vuestras letras?

Eloy: En general hablan de los conflictos del ser humano, consigo mismo y frente al mundo. Cada uno puede darle su propia interpretación.

¿Cuál es el concepto que queréis reflejar con el título del disco y la portada?

Eloy: La paradoja habla sobre los contenidos del disco, letras ambiguas, pero también sobre la música del grupo, partes agresivas conviven con partes melódicas en muchos temas. La portada pretende reflejar el ambiente de nuestra música, melancolía, misterio, oscuridad…

En un país como España, donde, en cuanto a rock, prevalecen otro tipo de propuestas, ¿No os sentís algo desplazados?

Iván: Algo desplazados sí, quizás aquí la tendencia es mas al rock clásico pero en el fondo expresamos la música tal y como la sentimos y no vamos a renunciar a ello porque se lleven otro tipo de tendencias.

¿Habéis tanteado la posibilidad de daros a conocer en el extranjero? Ahora, con Internet todo es más fácil en ese sentido.

Eloy: Todo se andará, es cierto que con Internet se han derribado todas las fronteras, pero hay muchísima mas propuesta musical y eso hace mas difícil destacar a cualquier artista. El tema de exportar nuestro proyecto al extranjero sería una buena idea pero habría que acompañarlo con una buena infraestructura publicitaria.

Me ha llamado la atención que en vuestro disco aparezca la típica pegatina procedente de Estados Unidos en la que se anuncian letras de contenido explícito ¿Podéis aclarar a qué se debe?

Eloy: Como bien explica el sello se debe a que hay contenido explícito en algunos temas del álbum y queríamos avisarlo.

¿Alguna canción del álbum de la que os sintáis más satisfechos por algún motivo especial?

Iván: No tenemos ningún tema favorito en especial. Nos sentimos identificados con todos ellos, cada uno a su manera de ser.

¿Qué tal vuestra agenda de actuaciones, cómo está terminando el 2009 y que perspectivas tenéis de cara al 2010?

Eloy: Para este 2009 no tenemos nada previsto. El 16 de enero tenemos una fecha en la sala Barracudas de Madrid y a partir de ahí nos pondremos a preparar el siguiente álbum.

Vuestro disco debut lleva algunos meses en la calle ¿Os habéis planteado ya ideas para nuevas composiciones de cara a otro disco? ¿O, aún es demasiado pronto?

Iván: Tenemos los temas del próximo disco bastante avanzados y como te comentaba antes Eloy, nos pondremos a grabar a primeros del año que viene.

¿Cómo veis la actualidad del rock estatal. En qué se ha mejorado y por dónde seguimos estancados?

Eloy: Hay trabajos que suenan muy bien a nivel producción, pero por otro lado no se da demasiada cabida a otro tipo de metal que no sea el clásico.

¿Con qué argumentos incentivarías a la gente para que se interesase por vuestra música?

Iván: Decir que tratamos de ofrecer algo diferente dentro del metal, fusionarlo y experimentar con otras cosas, luego quien lo escuche que juzgue. Esa es nuestra propuesta.

Podríais mencionar los cantantes y/o baterías que más han influido en vuestro aprendizaje musical.

Iván: A mí, sin duda, el batería que más me ha influido ha sido Alberto Madrid (fallecido batería de Sober y Savia) que fue mi maestro durante 6 años. Después he tenido muchas influencias desde baterías de jazz fusión como Dave Weckl a baterías más metaleros como Gene Hoglan de los Death.

¿Alguna reflexión final que desees transmitir a nuestros lectores?

Eloy: Comentar que quien tenga interés en escuchar nuestra música y conocer algo más acerca de la banda puede hacerlo en www.myspace.com/boobology

Nota: Aclarar que si uno tiene un poco de curiosidad y navega por la red puede encontrar el significado literal de la palabra boobology y viene a ser algo así como, ciencia que estudia los pechos.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Durante la última semana, los estadounidenses Junkyard han estado de gira por nuestro país, con motivo de la celebración del 20º aniversario de la publicación de su primer larga duración: Junkyard [Geffen, 1989]. Gracias a este tour, hemos conversado con Chris Gates, guitarrista de la formación angelina y hemos repasado el pasado, el presente y los planes futuros de este grupo de rock and roll.

¿Puedes resumir cuáles fueron los inicios de la banda?

Junkyard se formó en 1986 en Hollywood, California. Llevaba varios años tocando en Texas con diferentes bandas, pero todos los años solíamos ir de gira a California. A principios de 1986 estaba en Los Ángeles de gira y fui a una fiesta en la que tocaban un puñado de grupos nuevos, entre ellos Faster Pussycat y Guns’N'Roses. Después de ese concierto, y de un par de ellos más, regresé a Texas y comencé a hacer planes para mudarme a Hollywood para formar parte de esta escena underground que se estaba gestando. David Roach siguió mis pasos meses más tarde y así nació Junkyard.

Cuéntanos, ¿cómo era vivir en Los Ángeles a finales de los años 80?

El final de los 80’s en Los Ángeles fue un periodo muy excitante. Había montones de bandas, de cualquier estilo de rock, tocando cada noche, y también había una gran cantidad de gente que acudía a estos conciertos. Todo el mundo comenzó a firmar contratos y a publicar discos. Los Ángeles fue el epicentro del rock en esos momentos.

Aunque lleváis dos décadas en la brecha, para quién todavía no haya podido escucharos, ¿cómo definirías vuestro sonido?

Le diría a la gente que sonamos como Motörhead haciendo versiones de Lynyrd Skynyrd… o como AC/DC tocando canciones de ZZ Top. Hacemos buen rock and roll con un toque sureño.

Y, ¿qué grupos os han influenciado durante estas dos décadas?

Creo que toda la música que escuchamos se refleja en nuestras canciones de una u otra manera. Al crecer en Texas, en todas partes escuchábamos country y blues, y cuando mezclas ésto con el hard rock, lo que obtienes es Junkyard.

Vuestros dos primeros discos fueron publicados por una multinacional como Geffen. ¿Cómo fue trabajar con ellos?

Fue algo bueno. Ellos nos daban todo aquellos que queríamos y después ellos intentaban -o no- encontrar la manera de vender lo que nosotros hacíamos. Creo que la experiencia fue mejor para nosotros que para muchas otras bandas que trabajaron con multinacionales. Es duro e inevitablemente, en ocasiones, pierdes contra la máquina, pero aún así fue bueno para nosotros.

Este año celebráis el 20º aniversario de la publicación de nuestro primer larga duración, después de dos décadas, ¿cómo recuerdas la grabación del disco?

Fue divertido y excitante, pero también hubo un poco de inquietud ya que allí estábamos nosotros, consiguiendo todo lo que queríamos y preguntándonos: “¿Podemos hacer un gran disco?” “¿Se venderá?” Además, trabajar con Tom Werman y su equipo fue algo increíble.

Vuestro segundo disco, Sixes, Sevens & Nines [Geffen, 1991], también fue editado por la misma compañía, pero os terminó echando. ¿Por qué?

Sencillamente: Nirvana.

Pero tengo entendido que teníais material compuesto y grabado para un tercer álbum que Geffen nunca publicó. ¿Qué sucedió?

Nirvana publicó Nevermind [Geffen, 1991] y supuso un gran éxito. En ese momento, nuestro estilo de rock and roll no le interesaba a los sellos.

Centrándonos en el presente, ¿qué puede aportar Junkyard a la música actual?

Es una buena pregunta… Tal vez nuestro trabajo sea el de recuperar el verdadero hard rock, cómo éste suena, con la esperanza que los jóvenes de 20 años sientan la inspiración de formar una banda y que vuelvan a escuchar rock en sus oídos.

Y, ¿cómo ha cambiado la escena del hard rock durante estos 20 años?

En la actualidad hay muchísima más música y más variada. Es muy fácil hacer un disco, pero es complicado encontrar buen material.

Pero en qué ha mejorado y empeorado…

Me encanta la inmediatez que proporciona Internet. En la actualidad, los artistas también tienen mayor control sobre su obra del que nosotros teníamos aunque la música actual no me parece tan original ni tan arriesgada como solía ser…

En dos décadas rockeando por el mundo os habrá dado tiempo a compartir escenario y gira con muchos grupos. ¿Con cuál te quedarías?

Es imposible elegir uno. Guns’N'Roses siempre lo hacían de puta madre, todas las noches. También girar con Lynyrd Skynyrd fue maravilloso. Cada noche tocaban durante tres horas y cada canción era un éxito.

¿Qué planes tenéis para el próximo año?

Tenemos que hablar de qué queremos hacer durante el próximo 2010… todavía no hemos hecho ningún plan.

Lo que sí que parece es que os sentís muy a gusto tocando en España, ¿verdad?

España siempre es sorprendente. Buen público que nunca deja de sorprendernos.

A parte de en Junkyard, ¿tienes algún otro proyecto musical?

Actualmente estoy tocando en Texas con mi banda Chris Gates & Gatesville, que suena más cercana al southern rock que Junkyard, menos AC/DC y Motörhead y más Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd o ZZ Top.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Hay mucha mierda que nos rodea en la actualidad y es un auténtico dolor en el trasero. Lo mejor es ocuparte de lo tuyo y no preocuparte de lo que hagan los demás”.
(Helmuth)

Belphegor, la veterana banda austríaca de black/death metal lanza nuevo disco este mes de octubre, Walpurgis Rites – Hexenwahn, donde demuestran que siguen manteniendo una energía demoníaca. Traspasada ya la barrera de los 15 años de actividad, no han perdido ni un gramo de agresividad. Desde que lanzaron en 1995 The Last Super, esta es su novena grabación. Para que nos hable de su contenido y de otros aspectos del grupo nos pusimos en contacto con Helmuth, su vocalista y guitarrista.

¿Cuál ha sido la evolución de Belphegor desde vuestros comienzos?

Desde que comenzamos a finales de 1992 bajo la bandera de Belphegor, nuestro objetivo siempre ha sido hacernos más poderosos y más intensos con cada grabación. Hemos ejercitado mucho con nuestros instrumentos en la última década para ser una banda en directo mucho más conjuntada. Para progresar en nuestra forma de tocar y nuestra capacidad de componer, aumentamos la intensidad y la dinámica y así ser mejores en todos los aspectos musicales porque el estancamiento significa la muerte. Tratamos de darlo todo en cada momento y cada disco. Como resultado, puedo encajar cada álbum en un determinado periodo de la vida. No sé si sabes lo que quiero decir.

¿Cómo definirías el contenido de Walpurgis Rites, qué diferencias podemos encontrar entre este álbum y los anteriores?

Bueno, con estos nueve collages de sonido, las nuevas letras y todo el tema creativo, continuamos nuestro particular descenso a las profundidades del infierno musical. Los himnos son extremadamente variados, más intensos y épicos que nunca, llenos de magia y con nuevos elementos y estructuras adicionales. También usamos algunos efectos tenebrosos aquí y allá, para darle al álbum un toque de frialdad y cierto sentimiento ritual. Fue todo un desafío crear este álbum; pusimos toda nuestra energía y sangre para explorar nuestro sonido.

¿Cuál es el concepto detrás del título y las letras; de qué hablan y dónde encontráis la inspiración?

Trata sobre la celebración del 30 de abril, conocida como la noche de Walpurgis, cuando se celebraba de forma oculta el sabbath en las montañas y en los bosques. El título encaja perfectamente en el concepto bruja/diablo, es muy interesante. Siempre he estado fascinado por la idea de la atmósfera que rodea el tema de las brujas y toda la oscuridad que implica.
La mayor parte de las letras son cantos originales tomados de escrituras y libros arcaicos, intensos como la música. Hexenwahn, por ejemplo, es una antigua palabra que ya no existe, creada por la maldita iglesia en contra de la libertad, de la gente inteligente, las brujas y ciertas celebracioes. El significado es algo así como una plaga de brujas.

¿Cuéntanos cómo fue el proceso de grabación?

Lo grabamos en cinco sesiones divididas, combinándolas mientras estábamos de gira. Fue de nuevo un gran placer y todo un desafío grabar con Mr. Classen (Andy) en los Stage One Studios, en Kassel (Alemania). El sonido es más orgánico y directo que nunca, ese era el plan maestro al entrar en el estudio.

Sin duda, “The Crosses Made Of Bone”, es una de las canciones más atractivas del álbum. Tiene un riff que me recuerda a Slayer. ¿Puedes darme tu opinión al respecto?

Muchas gracias tío. Sí, ese es el punto fuerte del álbum, todas las canciones de Walpurgis Rites – Hexenwahn son muy variadas. Siempre intentamos añadir nuevos elementos para llevar a nuestro sonido al siguiente nivel y mantenerlo siempre fresco.

¿De qué canción de Walpurgis Rites estás mas satisfecho?

Cada canción tiene su personalidad, entonces, todas tienen sus partes interesantes. El disco es otro gran paso en la evolución de la banda en términos de sonido, composición y creatividad musical.

¿Cuáles han sido los momentos más importantes de tu carrera?

No lo sé, nunca me he comido el coco sobre este tema tío. No es importante para mí. Belphegor están todavía aquí y son destructores, eso es todo lo que necesito saber.

¿Cuál es la fórmula para sobrevivir a los actuales tiempos tan competitivos?

Sí, hay mucha mierda que nos rodea en la actualidad y es un auténtico dolor en el trasero. Lo mejor es ocuparte de lo tuyo y no preocuparte de lo que hagan los demás. Todo gira alrededor de la libertad, sigue tu propio camino y toma tus decisiones. La música es igual a vida, pasión y magia.

¿Como describirías la música de Belphegor a los fans que aún no os han escuchado?

Bueno, primero, no me gusta usar el término fan. Pienso que a quien no le guste la endemoniada música que nosotros tocamos, que se joda. No tenemos nada que demostrar.

¿Que es lo más positivo y lo más negatido de pertenecer a una banda de rock?

Las giras y viajar por el mundo es increíblemente asombroso, el tema de los negocios es el lado que apesta.

A propósito de los negocios, tu has hecho un comentario bastante duro… “continuamos meándonos en el maldito mainstream”…

Esa frase la dije para mostrar nuestra oposición ante este tipo de actitudes, que les jodan.

Como miembro de una banda de black metal, ¿qué opinión tienes acerca de las guerras en nombre de Dios?

Que se joda Dios, Belphegor siempre ha tocado brutal metal de muerte.

¿Tenéis planes para una gira de presentación del álbum. Alguna posibilidad de visitar España?

Seguro, vamos a girar mucho para presentar el álbum en directo. Desafortunadamente, de momento no tenemos fechas para España. Pero no perdemos la esperanza de volver, siempre es un placer “despedazar” a los maniacos españoles.

Gracias por tu tiempo y felicitaciones por el álbum.

Saludos a vuestros lectores y a todos los demoníacos del metal de todo el mundo. Nos vemos en la carretera.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

Los finlandeses Sonata Arctica tienen nuevo disco listo para su lanzamiento el 18 de septiembre. Su título, The Days Of Grays. Para que nos contase algunos pormenores de esta nueva grabación contactamos con el teclista del grupo Henrik Klingenberg.

¿Cómo definirías el contenido de vuestro último disco, The Days Of Grays. Podemos encontrar alguna innovación con respecto a los anteriores?

Yo diría que es una mezcla entre Unia y el material que grabamos en nuestros inicios…, por supuesto, también hemos añadido algunos nuevos descubrimientos. Hay muchos elementos de los diversos tipos de música que nos gustan.

¿De dónde salió el título? ¿Se trata de un álbum conceptual?

En si mismo, no es un álbum conceptual, pero si hay algo de conexión en lo que respecta a las letras. Y sobre el título, nos lo sugirió un amigo y nos pareció bien.

¿Cómo os repartisteis el trabajo de composición?

Como en nuestros álbumes anteriores, Tony (Kakko, voz y teclados) hizo todas las composiciones y luego trabajamos todos juntos realizando los respectivos arreglos.

¿Escogisteis en esta ocasión a algún productor.

No, lo produjimos nosotros mismos, como en ocasiones anteriores.

¿Cuál es la canción de The Days Of Grays de la que te sientes más satisfecho?

Estoy satisfecho con todas las canciones pero mis favoritas son, “Deathaura”, “As If The World Wasn’t Ending” y “The Truth Is Out There”.

¿Qué me puedes comentar del tema Zeroes? Creo que tiene una atmósfera más oscura que el resto de composiciones.

Si, esta canción es bastante diferente de lo que usualmente hacemos, pero yo no diría que es realmente más oscura.

¿Y qué me dices de The Dead Skin?

Si, esta canción también es de las que destacan en el álbum por ser algo “diferentes”. Me gusta mucho la forma del piano en la intro.

¿Cuál es el comentario más original que han dicho sobre vuestra música?

Bueno, alguien declaró en algún momento que Sonata Arctica estaba muy cerca de descubrir un estilo de música propio.

¿Quién es la cantante que colabora en el disco?

Se trata de Johanna Kurkela, un cantante finlandesa de música pop.

¿Qué es lo más positivo y lo más negativo de pertenecer a una banda de rock?

Estar lejos de tu familia es la parte más dura del trabajo, mientras que tocar ante miles de personas es lo mejor.

Vosotros habéis realizado varias versiones de grupos clásicos ¿Llevas la cuenta de todas? ¿Cuáles son tus preferidas?

La verdad es que desconozco cuantas versiones hemos hecho, pero las mejores para mí serían: Wind Beneath My Wings de Bette Midler y la nueva que hemos hecho de Alice Cooper, Hell Is Living Without You.

¿Cuál es la fórmula para sobrevivir a estos tiempos tan competitivos?

Trabajar duro, trabajar duro y trabajar jodidamente duro.

El que fuera vuestro guitarrista original Jani Liimatainen dejó la banda en 2007. ¿Cómo es actualmente vuestra relación con él?

Lo cierto es que no hemos tenido contacto con él desde hace un par de años.

¿Qué piensas de su Nuevo proyecto Cain’s Offering?

Sólo he podido escuchar una canción y me ha parecido interesante.

Dentro de pocos meses tocareis en España, ¿Cómo describirías a los fans españoles vuestras presentaciones en directo?

Tratamos de mantener un equilibrio entre el viejo y el nuevo material y que el espectáculo sea lo más enérgico posible.

¿Puedes avanzar algo del set list?

No exactamente, pero seguro que tocaremos los viejos clásicos así como algo del nuevo material y, por supuesto, habrá algunas sorpresas.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Cuando vi a Joey Tempest sentado a mi lado en el recibidor del Hotel Velada respondiendo a mis preguntas, tuve la sensación de que aquel hombre y un servidor nos conocíamos de toda la vida. Y es que hablar con Joey es como hablar con un amigo al que no ves desde hace mucho tiempo. Porque los amigos, aunque lleven mucho tiempo sin hablar y más tiempo sin verse, siempre tienen algo que contarse. Esto es lo que el amigo Joey nos contó a LMBlogs el pasado miércoles día 22 de julio. A las doce y cuarto. Puntual, como debe ser.

LMBlogs: ¿Qué siente uno cuando ha vendido millones de discos y sus canciones se escuchan en todo el mundo?

Joey Tempest: Es increíble, venimos de un pequeño suburbio de Estocolmo, empezamos a escuchar a las bandas británicas, Deep Purple, Led Zeppellin, Thin Lizzy, UFO, y nuestro sueño era tocar por el mundo. Ahora estoy aquí y es fantástico.

LMB: Entonces, ¿esas fueron sus mayores influencias?

J.T.: Sí, absolutamente. Todos los álbumes importantes de esas bandas son discos en directo. En los años 70 salieron muchos y muy buenos álbumes que cambiaron el futuro de la música: Deep Purple con “Made In Japan”, “Live And Dangerous” de Thin Lizzy, “Tokyo Tapes” de Scorpions, “Strangers In The Night” de UFO. Esos eran los discos que nos hacían soñar y que hacían que quisiéramos dedicarnos a esto.

LMB: Europe tiene editados ocho álbumes de estudio si contamos “Almost Unplugged” de 2008. ¿Qué disco le recomendaría a alguien que todavía no ha oído nada de Europe para convertirle en un fan suyo?

J.T.: Probablemente “Wings Of Tomorrow”. Es una buena forma de empezar. Es nuestro segundo disco y empezamos a encontrar nuestra identidad. El primer disco también está bien, pero éramos chavales de 18 años bebiendo cerveza. Es un poco “naif” aunque tenga grandes temas como “Seven Doors Hotel”.

LMB: “The Final Countdown” ha sido mil veces versionada, incluso la Orquesta Sinfónica de Londres ha realizado covers de la canción. Pero, ¿quién le gustaría que tocara sus temas?

J.T.: Arch Enemy hizo “Scream Of Anger” para sacarlo de bonus track en Japón. Es muy curioso que bandas tan diferentes escuchen a Europe. Me gustaría que Muse hicieran una versión. Me gustan mucho.

LMB: ¿Que canción le hubiera gustado componer?

J.T.: ”The Boys Are Back In Town” de Thin Lizzy, “Life Of Mars” de David Bowie… Muchas.

LMB: Además de la amistad que les une desde siempre, ¿qué tiene John Norum que no tenga Kee Marcello?

J.T.: Para mi John es como un hermano. Nos conocimos con 14-15 años y nos dimos confianza mutua para empezar con la banda. John es único y toca a su manera todo el tiempo. Sabe cuál es su estilo y lo explota como nadie. Kee Marcello es más técnico y puede hacer más cosas como ha demostrado con otros proyectos que tiene. Me encantan los dos como guitarristas.

LMB: He escuchado el adelanto de “Last Look At Eden” y tiene toda la pinta de convertirse en un muy buen disco. Se esperaba su publicación para mayo de este año. ¿A qué se ha debido este retraso?

J.T.: La discográfica quiso esperar a después de las vacaciones para que saliera con más fuerza. En el norte de Europa las vacaciones empiezan muy pronto.

LMB: ¿Porqué el título “Last Look At Eden”

J.T.: La idea me vino una semana antes de las elecciones en EEUU, que en mi opinión acabaron de la mejor manera posible. Fue un momento importante. A partir de ahora nada será igual.

LMB: La portada me parece que encierra un doble sentido ¿Quién la ha diseñado y qué expresa realmente?

J.T.: Es una manzana funky y sexy que nos gustó mucho a la banda. Tiene conexión con el edén y es un icono muy fuerte que la gente puede amar u odiar. Toda la banda decidimos el concepto de la portada.

LMB: ¿Qué le parece el público español?

J.T.: Hay una extraña conexión entre el público sueco y el español, a los dos les gusta el hard rock, la pasión por los guitarristas, los cantantes (risas). Es fantástico para mí. Un público lleno de vida que quiere cantar y divertirse. España es un buenísimo lugar para tocar. La última vez que tocamos en Madrid fue en el 2006, creo, en un local pequeño con un bar en medio (Sala Heineken). Ahora tocaremos en un sitio más grande, aunque queremos ir poco a poco.

LMB: Actualmente reside usted en Londres, ¿verdad?

J.T.: Sí. Conocí a mi mujer, que es inglesa, en 1992, Me enamoré de Londres y de ella, claro (risas) y me quedé a vivir allí. Tenemos un hijo que cumplirá dos años en octubre y somos muy felices. Los demás miembros del grupo viven en Estocolmo y yo me desplazo para ensayar.

LMB: ¿Qué ciudad me recomendaría para vivir?

J.T.: Grandes ciudades, me gusta el movimiento: Londres, Manhattan, San Francisco. Estuvimos mucho tiempo en San Francisco escribiendo y grabando “Prisoners In Paradise”. Tokyo…

LMB: ¿Un disco para escuchar?

J.T.: Kings Of Lion y un grupo danés llamado Mew. Muy interesantes, muy alternativos, buenos vídeos.

LMB: ¿Un libro para leer?

J.T.: Estoy leyendo ahora la biografía de Obama.

LMB: Si no hubiera sido músico, ¿qué le hubiera gustado ser?

J.T.: Puede que piloto de carreras. Mi padre era mecánico y yo estuve desde los 7 hasta los 13 años conduciendo y compitiendo. Puede que hubiera seguido en ello.

LMB: Muchas gracias por todo Joey

J.T.: Gracias a vosotros. Me he divertido con vuestras preguntas. ¡Muy buenas!

Unas cuantas fotos – valiosísimo testimonio gráfico del encuentro – antes de que Joey volviera a estrecharme su mano, dieron por concluida esta preciosa y entretenida entrevista. Ahora solo tengo un único deseo. Que nos volvamos a ver en Enero. Hasta entonces, mucha suerte Joey.